Nous vous proposons de (re)découvrir l'artiste d'origine coréenne Hur Kyung-Ae.
Hur Kyung-Ae est née en 1977 à Gwangju, en Corée du Sud. Depuis son plus jeune âge, elle utilise l'art et la couleur pour exprimer ses sentiments. Elle obtient plusieurs diplômes d'arts visuels en Corée, puis son attirance pour la culture et la langue française l'amène à poursuivre sa formation à Paris, où elle s'installe en janvier 2003.
Pour en savoir plus sur Hur Kyung-Ae, cliquez ici

Françoise LIVINEC
Galerie Penthièvre 24, rue Penthièvre 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Galerie Matignon 29-33 av Matignon 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Ecole des filles 25, rue du Pouly 29690 Huelgoat
+33 (0)2 98 99 75 41

www.francoiselivinec.com

Hur Kyung-Ae Sans titre, 2018, Acrylique sur toile, 162 x 130 cm, Signé et daté au dos, FOP1118BP2
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LE MUSEE PRIVE launches a new online virtual exhibition service to allow you to buy works by artists who are part of art history and who will be values of tomorrow - The cost of this service is 800 EUR net for 2 weeks, you sell direct and LE MUSEE PRIVE takes no commission on your sales, your address is of course indicated whether you are a gallery or an artist.

LE MUSEE PRIVE lance un nouveau service l'exposition virtuelle en ligne afin de vous permettre d'acheter des oeuvres d'artistes qui font partie de l'histoire de l'art et qui seront des valeurs de demain - Le coût de ce service est de 800 EUR net pour 2 semaines, vous vendez en direct et LE MUSEE PRIVE ne prend aucune commission sur vos ventes, votre adresse est bien sûr indiquée que vous soyez galerie ou artiste.

I chose here as the first artist of this new way of exhibiting the painter Jean Ekiert whom I knew well and whose talent I recognize to this day, I collect the works of this artist and offer you some works on sale.

J'ai choici comme premier artiste de cette nouvelle façon d'exposer le peintre Jean Ekiert que j'ai bien connu et dont j'apprécie le talent qui est reconnu à ce jour, je collectionne les oeuvres de cet artiste et vous propose quelques oeuvres à la vente.

J'ai connu Jean Ekiert par un hiver rigoureux dans les années 80. Un jeune marchand de couleurs et de toiles m'avait dit "j'ai rencontré rue de Tourlaque un artiste au talent fabuleux qui vit dans un atelier qui n'est même pas chauffé". Je me rendis dans son atelier par -2 degré, quel ne fût pas mon émerveillement en voyant cette oeuvre de grande qualité.

Jean Ekiert Huile sur toile Nu Assis intitulé au dos Etude et daté 1948-1949 dim. 33 x 24 cm Collection Privée

Jean Ekiert Huile sur toile Nu Assis intitulé au dos Etude et daté 1948-1949 dim. 33 x 24 cm Collection Privée-  PRIX : 900 EUR

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Hashimoto Contemporary
816 Sutter Street
San Francisco, CA 94109

Hashimoto Contemporary is pleased to present Wherever I May Roam, a two-person exhibition featuring new works by Ben Venom and Alex Ziv. Both artists' works are informed by a broad spectrum of influences, including folk and indigenous art, traditional craft and counter culture to create contemporary visual languages all their own.

San Francisco-based Venom's repurposed textile-based works blend "aggressive counterculture components of gangs, punk/metal music and the occult with the comfort of domesticity." Comprised of remnant fabric such as denim, leather and band t-shirts, each composition unifies the seemingly disparate influences of heavy metal and motorcycle gangs with Gee's Bend quilts into unique works imbued with a deep sense of community and collective history.

Alex Ziv Old Man Gray Comes for a Visit gouache on paper
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Hashimoto Contemporary
210 Rivington Street
New York, NY 10002

Hashimoto Contemporary is pleased to present Liminal Space, a solo exhibition by Los Angeles-based Seonna Hong. Liminal Space will be the artist's third solo exhibition at Hashimoto Contemporary, in which she will be exhibiting a new series of mixed media expressionistic landscapes on canvas, that continue the exploratory adventures of her iconic characters.

Contemplating the transitional phases in life, the artist looked to the concept of liminal space for inspiration, the places and times in life where one is on the threshold of change. Described as being neither "here nor there," this in-between period of time in life can create a feeling of not just anxiety, but also joy and excitement for whats to come.

Seonna Hong Biophilia mixed media on canvas
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Aki Kuroda Happy Boy in Manhattan
curated by Yoyo Maeght

Richard Taittinger Gallery
154 Ludlow street
10002 NY, New York
https://richardtaittinger.com/
Happy Boy in Manhattan is on view through March 22, 2020.

Immense succès pour ce premier solo show d'Aki Kuroda à la Richard Taittinger Gallery. Le public et les collectionneurs se pressent pour découvrir les immenses toiles récentes ainsi que quelques rares toiles anciennes.

ABOUT THE ARTIST
Born in Tokyo in 1944, Aki Kuroda expressed interest in art his entire life and painted his first work at the age of four. His family was a significant influence on Kuroda as a young boy; his father brought him magazines such as "Le Minotaure" from Paris. Through these magazines Kuroda discovered the work of painters like Picasso and Dali, which inspired him at this early stage in his artistic career. These resources were extremely valuable to the self-taught artist, and in the 1960s Kuroda travelled in Europe and he eventually elected to settle in Paris in 1970. Kuroda struggled during his early years in Paris but a chance encounter with Marguerite Duras, and Andrien Maeght reversed his fortunes shortly before he had planned to give up and return to Japan. Through Galerie Maeght Kuroda was invited to show in the 11th Paris Biennial in 1980, launching his career in a meaningful way.

Aki Kuroda et Yoyo Maeght
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Portrait de Diane SloorDiane Sloor, sa démarche artistique

Son talent inné pour la couleur l'a d'abord conduite à l'aquarelle. Amoureuse inconditionnelle d'art pictural depuis son plus jeune âge, Diane SLOOR a choisi de consacrer la plus grande partie de son temps à la peinture dès 2009. Mais comment d'exprimer ses pensées, qui seront gravées dans la toile, quand les idées sont par essence changeantes et profondément liées aux intuitions du moment, de la main ?

Il lui est alors venue après maintes heures de travail, une technique, sans doute le fruit d'un heureux hasard, d'utiliser un exercice ancestral :  le palimpseste (du grec ancien « gratter de nouveau ») ; ne sachant au début, que peu dessiner et étant naturellement attirée par l'abstraction. Les teintes mates ou soyeuses circulent et cherchent leur place.   La toile se dénude ou se remplit au gré de son processus de transformation. Les nombreuses couches chromatiques atteignent ainsi la lumière. Inspirée par ses lectures elle s'efforce dans ses réalisations, d'aussi bien peindre que "dépeindre".

Diane Sloor les fleurs perdues huile sur toile 100 x 100 cm Collection Privée

Diane Sloor les fleurs perdues huile sur toile 100 x 100 cm Collection Privée

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Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan
HAUSER & Wirth
Vieux Chalet, Gstaad

3 February – 28 February 2020

Opening reception: Sunday 2 February 2020 2 – 5 pm
Opening hours: Wednesday and Thursday afternoon by appointment

https://www.hauserwirth.com/ 

Opening at Vieux Chalet in Gstaad on the 2 February 2020, ‘Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan’ gives a remarkable insight into the work and life of Picasso. Ceramics and paintings by the artist are presented in tandem with vintage photographs taken by the legendary photographer David Douglas Duncan during a period of unprecedented access to the artist’s studio. The works on view, created concurrently with the photographs, can be encountered as an ‘intervention’ throughout the domestic spaces of the chalet. The photographs, some of which have never been exhibited before, give an intimate portrait of the artist at work and at home. The project has been organised in close collaboration with the artist’s son, Claude Picasso, and James Koch, Partner at Hauser & Wirth.

David Douglas Duncan was a renowned war photographer, photojournalist, and a self-described nomad. He was among the most influential photographers of the last century, capturing World War II, the Vietnam War, and photo essays for Life magazine which enabled him to roam the world. The resulting images filled more than 25 books, including eight on Picasso. Duncan’s first encounter with Picasso happened in February 1956 when he infamously rang the doorbell of La Californie, Picasso’s home in Cannes. The artist’s wife, Jacqueline, led him upstairs and he met Picasso in his bathtub, who allowed Duncan to photograph him. From that starting point, the photographer developed a lasting friendship with Picasso over the course of 17 years during which time he captured an astounding visual archive of the artist’s life at La Californie.

David Douglas Duncan  Picasso et céramique (oiseau) [Picasso and ceramic (bird)] 1957, Villa La Californie, Cannes Vintage gelatin silver print 35.4 x 24.4 cm / 13 7/8 x 9 5/8 in © David Douglas Duncan © Succession Picasso/DACS, London 2019 Courtesy the estate David Douglas Duncan

David Douglas Duncan
Picasso et céramique (oiseau)
[Picasso and ceramic (bird)]
1957, Villa La Californie, Cannes
Vintage gelatin silver print
35.4 x 24.4 cm / 13 7/8 x 9 5/8 in
© David Douglas Duncan
© Succession Picasso/DACS, London 2019
Courtesy the estate David Douglas Duncan 

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ANTOINE ROEGIERS
Le carnaval des géants
01 février – 07 mars 2020
Vernissage samedi 1er février 2020 de 18h à 21h
SUZANNE TARASIEVE PARIS
7, rue Pastourelle -75003 Paris
T : + 33 (0)1 42 71 76 54

www.suzanne-tarasieve.com  / info(at)suzanne-tarasieve.com

Suzanne Tarasieve est heureuse de présenter la première exposition personnelle d’Antoine Roegiers à la galerie, intitulée Le carnaval des géants.

Artiste Belge qui vit depuis l’âge de 3 ans en France, pluridisciplinaire, il sort diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2007 avec les félicitations du jury et récompensé du Prix Roger Bataille.
C’est justement à l’école des Beaux-Arts qu’Antoine Roegiers entame ce travail sur les maîtres flamands qui l’amèneront à puiser dans les grandes oeuvres de Brueghel, Bosch, Rubens, mais aussi les peintres et graveurs belges du XIXe siècle Ensor et Rops. Il se sert de différents supports et techniques, parmi lesquelles les dessins à la plume ou à l’acrylique, le travail d’animation vidéo et la peinture à l’huile sur bois et sur toile.
Il dialogue ainsi avec les grands maîtres à plusieurs siècles d’intervalles par le prisme d’un regard contemporain. Il livre une version personnelle et drôle de ces géants de l’art et emmène le visiteur dans ses propres rêveries à l’intérieur de ces riches mondes picturaux.

Antoine Roegiers Galerie Suzanne Tarasieve
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Zoé B – 柔伊·B

Painter Artist and Psychiatrist, the inner world is for Zoé B an inspiration and Art its expression. Painting was her first therapy, soon fueled by a growing interest for psychology and symbolism while opening herself to spirituality, including the study of biblical texts and meditation. Such an introspective period led her to start an analysis and train to later become a Psychiatrist “in free awaken dream”. In her everlasting quest of sense, Zoé B discovered the symbolism of the Hebrew Letters. After a few years of study and personal research on the topic, she approached the Art of calligraphy in 2005 with renowned calligrapher Frank LALOU. Such an almost daily practice deeply influenced her painting which grew in terms of expression and accuracy. Whether it comes to painting, calligraphy, psychiatry or spirituality, the corner stone of her artistic statement is the try to understand and apprehend humanity in all its complexity. Her Artworks, definitely modern, amaze, surprise, and even disturb sometimes but always invite the viewer to let go and to the introspection.

自從柔伊·B (Zoé B) 受到精神分析的培訓以來,內心世界就是他的一個靈感來源及表達的藝術⽅式。繪畫作為他的第一個藝術治療,很快地便開啟了他對心理學及符號學的濃厚興趣。同時,藉由聖經⽂本的研讀和冥想,打開了他對靈性的⽣活。在這段時期的內省他進行了分析,而後在“自由醒夢”之中訓練心理分析專家。ZoéB在對意義的永恆追求中,發現了希伯來字母的象徵意思。經過幾年的學習與個人研究,在2005 年向著名書法家弗蘭克·拉魯 Frank LALOU 接觸了書法藝術。這個幾乎每日的操練影響了他的作品,使他的表現力與精準度都得到了提升。無論是繪畫、書法、精神分析還是靈性,他論述的基石都是試圖明白和理解人性所有的復雜性。他的作品充滿堅定的現代性,令人著迷、驚奇,儘管時而令人不安,但卻又總是能讓人放下與內省。

Infinitive number 8 / 不定式第八號, 2019  © Zoé B
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Eva Marc'h expose Salon des ARTISTES INDEPENDANTS dans le cadre de ART CAPITAL au GRAND PALAIS 11 février au 16 février 2020 Vernissage le 11 février 2020

Exposition à la GALERIE ETIENNE DE CAUSANS 25 rue de Seine 75006 PARIS DU 24 février au 4 mars 2020 Vernissage le 27 février 2020 et remake samedi 29 février 2020

Exposition à la MAISON BLANCHE 10 Avenue Montaigne 75008 PARIS DU 17 mars au 27 avril 2020 Vernissage le jeudi 19 mars 2020

Eva March constellation 3 huile et acrylique sur toile  dimensions 130 x 195 cm

Eva Marc'h constellation 3 huile et acrylique sur toile
dimensions 130 x 195 cm
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Espace A VENDRE présente la première exposition personnelle, dans ses murs,
d'un jeune artiste suivi depuis ses études à la Villa Arson de Nice en 2011.

Quentin Spohn Carambolage au marché d'Anvers
Samedi 25 janvier 2020 - samedi 28 mars 2020
Vernissage vendredi 24 janvier 2020 - à 18h en présence de l'artiste

Pour l'occasion il déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste du lieu : Le Château

Focus sur l'artiste fin mars à Drawing Now 2020 au Carreau du Temple, Paris

Pour la première exposition de l’année 2020, Espace A VENDRE présente un solo-show enthousiasmant de Quentin Spohn. Cet artiste, qui a fait de la pierre noire son meilleur allié, présentera une série de nouveaux dessins sur papier dans le showroom et déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste d' Espace A VENDRE : Le Château

Formé à la Villa Arson, dont il est diplômé depuis 2013, Quentin Spohn enchaine depuis expositions et prix, confortant une pratique singulière, virtuose, fascinante. Triplement récompensé lors du salon Jeune Création en 2017 (lauréat des prix Filaf, Art Collector et Jennifer Flay), il a participé à des expositions à Nice (Villa Cameline, Villa Arson, Galerie de la Marine, etc.), Paris (Espace Niemeyer, galerie Thaddeus Ropac, Bastille Design Center, etc.), Bordeaux ou Marseille. Il a également fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à Paris (Premier Regard), Pékin, ou Nice (Le Dojo).

Quentin Spohn, Sans titre, 2019, graphite sur papier, 70 x 50 cm
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Dans le cadre de la commémoration du centenaire des Studios La Victorine, au 109 par la ville de Nice au Pôle de Cultures de la ville, 89 route de Turin. Exposition “La vie est un film” par Ben Vautier, un défilé de mode “Fashion Week”. Exposition du 15 juin au 19 octobre 2019, du mardi au samedi de 13h à 19h.
Visite guidée tous les samedis à 15h, entrée libre. Parking gratuit sur place.
Tramway : Arrêt Vauban puis correspondance bus 6 arrêt Abattoirs ou 10min à pied Train : Gare de Riquier et gare de Pont Michel
Vélo Bleu : Station route de Turin et station boulevard Vérany.

Catalogue La vie est un film
Texte Hélène Guenin et Elodie Antoine
Photographie François Fernandez
200 pages, 28,5 x 24,5 cm
Editions: In Fine, 2019
35,00 Euros

Galerie Eva vautier
2 rue Vernier
06000 Nice
France

« La peinture, on n'en parle pas, on ne l'analyse pas, on la sent », Bernard Buffet

La galerie Dil installée au 86 rue du Faubourg Saint-Honoré, juste en face du palais de l'Elysée, au cœur du nouveau quartier parisien dédié à l'art, propose des peintures et des dessins d'artistes reconnus du XXe siècle tel que Chagall, Veira da Silva, Vasarely, Mathieu, Lorjou. Elle présente un hommage permanent à Bernard Buffet, l'un des plus célèbres peintres figuratifs français de la deuxième partie du XXe siècle, et à Fernand Léger, l'un des principaux inventeurs du modernisme. La galerie Dil a participé à différents salons comme la Biennale, Art Elysées et salon belge.

Marc Boumendil

Galerie Dil

86 rue du Faubourg Saint-Honoré

75008 Paris

Tél : + 33 (0)1 47 63 06 14

www.galeriedil.com

Bernard Buffet, « Nature morte à la chaise » Huile sur isorel de 1984 Dim. 35 x 27 cm Galerie DIL

Bernard Buffet, « Nature morte à la chaise »
Huile sur isorel de 1984 Dim. 35 x 27 cm

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Catherine Mathivat Présidente des Deux Magots a le plaisir de vous annoncer le vernissage de l’exposition de EVA MARC’H Artiste Peintre« Regards de femmes » Vernissage et cocktail le mardi 12 mars à partir de 19h00 uniquement sur invitation à demander à l'artiste en adressant un mail à l'artiste
qui vous adressera une invitation : email : contact(at)eva-march.com
L’exposition se poursuivra jusqu’au 22 mars dans ce magnifique lieu emblématique de l'histoire de l'art.

LES DEUX MAGOTS
Café Littéraire
6 place Saint-Germain-des-Prés
75006 PARIS
www.lesdeuxmagots.fr 

http://www.eva-march.com/ 

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Animée depuis sa plus tendre enfance par la création, EVA MARC'H, commence à peindre à l'âge de 19 ans sans aucune formation artistique.

Ses premières peintures ont révélé les qualités d'un don artistique évident, incluant la perspective, la profondeur, l'équilibre, et surtout, la couleur.

Peintre autodidacte pendant dix ans, elle s'adonne à son talent, guidée par l'expression de son inconscient pour ses nombreuses créations.

A partir de 2000 pendant 7 ans, elle poursuit assidument des études d'art dont notamment aux ateliers des Beaux-Arts de Paris, où elle apprend le dessin et expérimente les nombreuses techniques picturales pour améliorer ses œuvres.

Eva MARC'H engage dans la peinture une réelle énergie qui se manifeste dans son travail avec une vitalité singulière. Son « don de la couleur » lui permet de transcrire ses émotions sur la toile, de manière spontanée et immédiate, sans retenue ni calcul révélant ainsi une capacité de création sans limite.

Ses débuts sont marqués par un style figuratif, toujours centré sur la couleur, en correspondance avec la réalité observée, revisitée par la vision du monde intérieur de l'artiste.

Eva Marc
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Il est particulièrement difficile de définir avec précision ce qu’est la peinture contemporaine. Ce que l'on peut en tout cas dire, c'est que l'art contemporain englobe de manière générale la totalité des œuvres qui ont été produites entre 1945 et nos jours. Cela prend donc en compte tous les styles et toutes les pratiques esthétiques possibles. À ce titre, Denis Laguet est incontestablement un peintre contemporain. À Rennes, une exposition lui est dédiée au Musée des Beaux-Arts. Qui est Denis Laget et que peut-on découvrir de son œuvre à Rennes ? C’est ce que vous allez apprendre de manière plus détaillée dans cet article.

Qui est Denis Laget ?

Jusqu'au 9 février 2020, le musée des Beaux-Arts de Rennes accueille une exposition entièrement dédiée au peintre contemporain Denis Laget. Né en 1958 à Valence, Denis Laget vit et travaille entre Paris et Tressan. Il a également été lauréat de la Villa Médicis à Rome (1989-1990). L'exposition met en lumière cet artiste qui est un grand nom de l'histoire récente de la peinture. Il est question de redécouvrir son œuvre dans son ensemble, mais aussi d'apprécier sa dimension historique ainsi que son évolution. Qui sait, cela vous donnera peut-être envie de faire l’achat d’une peinture contemporaine.

Les sujets chers à Denis Laget sont les sujets classiques que l'on retrouve régulièrement dans l'histoire de la peinture. Des portraits, des natures mortes, des paysages, des fleurs, ou encore des vanités sont ainsi déclinés par séries, le tout dans une atmosphère bien particulière. La peinture contemporaine de Denis Laget permet de transformer un simple bouquet de fleurs en image quelque peu funeste.

Mais la peinture contemporaine de Denis Laget a également quelque chose de très banal, notamment dans le choix des formats, qui sont modestes. Ce qui ressort indéniablement de la peinture contemporaine de l’artiste, c’est la fonction même de la toile, qui est palette avant de devenir tableau. La peinture en elle-même, sa matérialité et l’influence du jeu de lumière sont des éléments chers au cœur de Denis Laget.

Denis Laget
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«Prisonnier»
17 octobre au 30 novembre 2019
Vanities Gallery Paris space https://www.vanitiesgallery.com/
Zhao Yinou, femme artiste vivant à Beijing, présente le résultat d’une réflexion durant 7 ans dans un hôpital psychiatrique à Beijing. L'artiste tente d'entrer dans un monde où l’humain est marginalisé. Dans ce contexte, telle une vision circulaire, ils sont pris au piège de la folie et d’une peine psychologique sans fin, ils ne peuvent ni trouver de sortie pour se libérer, ni changer de chemin, ni se protéger, alors comment définissons-nous le "normal" et “ l’anormal". Existe-t-il un droit de définir "normal" et “l’anormal"? Si les dessins à l'hôpital sont le produit d’un sentiment intuitif, alors la création est le passage de l'artiste dans ces mondes "normaux" et "anormaux". Le monde est rempli d'une atmosphère anxieuse, car chacun est désireux de se libérer de ses propres entraves.

Sortez! disait Nietzsche, dans cette inquiétude existentielle que l’artiste exprime, nous y verrons souvent la collision, la souffrance dans de telles oeuvres! Mais n’est-ce pas le reflet de notre propre enfermement?
Les oeuvres de cette exposition sont principalement composées de matériaux composites à base de bois.
Les artistes aiment créer un moyen de créer des sculptures sur bois invisibles et obstructives. Par leur solidité et leur application, les oeuvres ont davantage d'impact visuel.

Vanities Gallery
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YOYO MAEGHT PRÉSENTE
AKI KURODA EN SON ATELIER
VENDREDI 22, SAMEDI 23 ET DIMANCHE 24 NOVEMBRE 2019 DE 11H À 19H

Pour découvrir les cheminements de la création d'Aki Kuroda,la genèse de son travail, ses influences culturelles entre Japon et France, ses préoccupations artistiques et ses projets.

Une chance unique de pénétrer dans son atelier parisien où seront présentées ses peintures les plus récentes ainsi qu'une sélection d'œuvres sur papier et estampes.
Uniquement sur réservation, en précisant la date choisie, auprès de :
info.akikuroda(at)gmail.com

Adresse de l'atelier communiquée par retour mail après inscription.

AKI KURODA EN SON ATELIER

Haïti -Cuba Outsiders

15 Novembre - 21 Décembre 2019
Chaque Guyodo, Bofil, Crispin, Montebravo, Torres, Sanchez, Peterson, Charles, Romain, Getho, Levy, Lesly

Vernissage le 15 Novembre à partir de 18h

Chaque artiste cubain, à sa manière, nous entraîne dans son quotidien tout en suggérant avec pertinence ses fantasmes dans les scènes les plus familières. Figurative par nature, cette peinture a traversé les siècles, sans jamais se soucier des règles du classicisme ni se départir de cette façon simple et poétique de porter témoignage de son vécu.

Les couleurs utilisées, toujours franches, éclatantes et gaies reflètent parfaitement la luminosité de la Caraïbe et se dressent comme un paravent, occultant les tragédies qui ont profondément marqué les populations antillaises.

Galerie Polysemie
12 rue de la Cathédrale, 13002 Marseille
Mardi au samedi : 10h-12h30 / 14h-18h30
Tél : 04 91 19 80 52
www.polysemie.com
contact(at)polysemie.com

polysemie2019 11

Pablo Atchugarrry, Georg Baselitz, Lita Cabellut, Alexander Calder, Marc Chagall, Niki de Saint Phalle, Andy Denzler, Jean Dubuffet, Sam Francis, Simon Hantaï, Keith Haring, Hans Hartung, Fernand Léger, Georges Mathieu, A.R. Penck, Pablo Picasso, Marc Sijan, Pierre Soulages, Frank Stella, Manolo Valdés, Tom Wesselmann.


PRACTICAL INFORMATION :

Grand Palais - Avenue Winston Churchill - 75008 Paris
Booth B18

13-17 September 2019
From 11 am to 10 pm (6 pm on September 17)

https://www.operagallery.com

OPERA GALLERY
62 rue du faubourg Saint-Honoré space.png
75008 Paris
France
33 (0)1 42 96 39 00

Arnulf Rainer
Recouvrements
10 octobre – 16 novembre 2019
Au Salon
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h

Dès les années cinquante, Arnulf Rainer s’est manifesté par des gestes radicaux, délibérément anti-académiques, dans un milieu artistique autrichien alors très conservateur. L’un de ces gestes est l’Übermalung, c’est-à-dire le recouvrement énergique, partiel ou total d’une image préexistante.

From the 1950s, Arnulf Rainer was known for his radical, deliberately anti-academic approaches in an Austrian art world that was still very conservative. One of these is Übermalung, or the energetic and partial or total covering of a pre-existing image.

La suite d’oeuvres du milieu des années 70 présentée au Salon de la galerie appartient à cette famille des Übermalungen. Ce sont des photographies, montées sur bois ou sur aluminium, qui ont été recouvertes par l’artiste de peinture noire ; on ne distingue pratiquement plus rien de l’image sous-jacente. La nouvelle forme suscite alors parfois un titre : Crâne, Fruit, Tas, Panneau, Tablier… ou bien Rainer laisse le regardeur en inventer un. Ces petites peintures noires sont chargées d’une puissance émotionnelle et dramatique intense qui évoque une sorte de minimalisme expressionniste dont la devise pourrait être « less is more ».

The set of works from the mid-70s presented in the Salon belong to this family of Übermalungen. They are photographs, mounted on wood or aluminium, which have been covered in black paint by the artist: it is almost impossible to see anything of the underlying image. The new form sometimes inspires a title: Skull, Fruit, Heap, Panel, Apron…or Rainer lets the viewer come up with their own. These small black paintings are charged with an intense dramatic and emotional potential which evokes a sort of expressionist minimalism, the slogan of which could be “less is more”.

Arnulf Rainer Untitled Oil on wood, 1992  49 1/4 x 79 4/4 in
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BENJAMIN SEBBAN GALLERY
à le plaisir de vous inviter à sa nouvelle exposition

Autour d'un Déjeuner...
Hommage à l'Art moderne
Chagall, De Chirico, Derain, Lam, Léger, Moore, Moreau, Picabia, Picasso

Vernissage le 05 Septembre à partir de 17h00.
2 rue saint Georges 1050 Bruxelles

Pour son exposition de rentrée, la galerie Benjamin Sebban présentera des chefs-d’œuvre marqués par l’empreinte indélébile de l’Art moderne. Du symbolisme à la seconde école de Paris en passant par Picasso. D’un nu intimiste, empreint de poésie, signé Edgar Degas aux touches délicates de Gustave Moreau, une place importante sera attribuée aux grands représentants de l’Art moderne, Marc Chagall, Fernand Léger, Wifredo Lam ou encore Henry Moore… Une  huile de Pablo Picasso, Le Déjeuner sur l’Herbe, viendra quant à elle, résumer l’audace, la créativité et la virtuosité d’un des artistes les plus célébrés du XXème siècle. Réalisé en 1961, ce Déjeuner sur l’herbe fait partie d’un corpus de 27 toiles, variations autour de l’oeuvre majeure de Manet. D’une grande sensualité, cette toile est un intime témoignage des préoccupations de son auteur durant une période clé de sa carrière de peintre ainsi que dans sa vie d’homme.

Pablo Picasso (1881-1973) Le déjeuner sur l
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ACTUALITES EVA MARC’H

Après avoir exposé aux DEUX MAGOTS, l’artiste peintre EVA MARC’H, a été sélectionnée pour exposer au prestigieux SALON D’AUTOMNE du 10 octobre au 13 octobre 2019.
Vernissage le mercredi 9 octobre à 18 h.

Rappel historique du SALON D’AUTOMNE :

Salon d’art historique, doté d’une renommée internationale, il s’impose comme le rendez-vous incontournable des artistes d’aujourd’hui, issus des cinq continents.
Créé en 1903, au Petit Palais à Paris, par quelques amis en réaction à l’académisme régnant, le Salon d’Automne s’est imposé comme acteur et témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : Fauvisme, Surréalisme, Cubisme, Art abstrait, Nouvelle Figuration... C’est dans les sous-sols du Petit Palais, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps.

Contact : contact(at)eva-march.com / 06 11 61 24 38
www.eva-march.com

Eva Marc 

PAINTING BELGIUM
Abstraction in Peace Time (1945-1975)

44 Belgian painters of the Abstraction, from Alechinsky to Wyckaert
-
Opening on Thursday 05 September, 5 to 9pm
during the Brussels Gallery Weekend
(September 05 - 08, 2019 / extended opening hours 11am to 7pm)

Exhibition from 06 September to 07 December 2019

The upcoming exhibition presented at La Patinoire Royale | Galerie Valérie Bach in Brussels, and curated by Serge Goyens de Heusch, show an exceptional overview of the Belgian Abstraction between 1945 and 1975.

The last large-scale exhibition devoted to this Abstraction in the Belgian painting was carried out in 1985 at the Centre Culturel du Botanique in Brussels, it was important to improve knowledge regarding the Belgian Abstraction.

For the very first time in nearly forty years, rich and qualitative collection of this period and this expression has been gathered, showing 44 artists and more than 250 paintings.

La Patinoire Royale - Galerie Valérie Bach · 15 RUE VEYDT · Brussels 1060 · Belgium
32 2 533 03 90
www.prvbgallery.com 
contact(at)prvbgallery.com
La Patinoire Royale / Galerie Valérie Bach <info(at)galerievaleriebach.com>;

Maurice Wyckaert, La clé des songes, 1975 - Oil on canvas - 165 x 200 cm
 

LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
patrick reynolds 03h
 

 Patrick Reynolds
Directeur de publication

  art à Paris - LE MUSEE PRIVE
 

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