Biographies d'artistes contemporains

Miklós Gusztáv dans son atelier, Paris , 1931

La vente de la collection Jacques Doucet en 1972 a permis de redécouvrir l'Art déco aux  collectionneurs puis progressivement au grand public.

C’est à partir de ce moment que le sculpteur Gustave Miklos, figure emblématique de ce style, vénéré dans les années 1920-1930 et tombé dans l’oubli après la Deuxième Guerre mondiale, retrouve la place qu’il mérite sur la scène artistique internationale. Néanmoins, alors que ses œuvres sont devenues de plus en plus recherchées dans le monde, il est resté pratiquement inconnu jusqu’au début du 21ème siècle dans son pays natal, la Hongrie.

Bien que Miklos ait définitivement quitté Budapest en 1909, il a toujours porté la Hongrie dans son cœur. Beaucoup de faits témoignent de son attachement à ses origines hongroises. Toutefois ce sentiment, comme dans le cas de Joseph Csaky, n’était pas réciproque. Quelques éléments complétant l’étude biographique très élaborée de Christiane Patkai permettent de démontrer cette triste réalité.

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 Exposition Jean-Paul Lallemand

Jean-Paul Lallemand, inspiré par plusieurs cultures a fait de nombreuses expositions dans le monde.  Sa démarche artistique nouvelle et unique s’est forgée au cours des ses voyages à la rencontre entre deux continents l’Afrique, l’Asie. Dans son travail il associe diverses techniques : huile sur toile, encre de chine, pastel, couleurs éclatantes et sensuelles émaillées de signes chargés de symboles.

 

 Exposition “Fulgurance et onirisme” de Jean-Paul LALLEMAND du 13 décembre 2008 au 31 janvier 2009 au SOFITEL AGADIR : seront présentées 37oeuvres de l’artiste dont 24 dessins a l’encre de chine et couleurs, 12 peintures sur toiles inspirées d’un voyage au Sahara marocain.

Biographie

Jean-Paul Lallemand, est né le 6 avril 1946 à Biarritz, son père ayant monté une entreprise textile en Afrique en Cote d’Ivoire en 1929, il a vécu une grande partie de son enfance en Afrique. Il suit les cours de l'école des beaux Arts d'Abidjan dont il est Diplômé (DNBA) et a également suivi les cours des ateliers de Penninghen et Jacques Dandon durant deux années.

A l’âge de 24 ans, il part vivre à Kairouan en Tunisie et débute sa carrière de peintre. Puis suivra le Gabon où il est professeur à l'école nationale des Arts et Manufacture et occupe le poste prestigieux de décorateur des musées nationaux puis plus tard le poste de Conseiller technique de l'artisanat d'art en cote d’Ivoire. Les voyages et la terre d’Afrique ont modulé sa sensibilité à tout jamais en installé dans ses toiles la lumière de ces contrées où la poésie des êtres et la magie magnifient ses créations et leur donne une dimension fantastique prêtant au rêve. 

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Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics.  After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades.

Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
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12-05-2024- Alexander Archipenko (1887–1964) was a Ukrainian born sculptor. Archipenko attended the Kiev Art School to study painting and sculpture. The Byzantine icons, frescoes, and mosaics in Kiev inspired Archipenko's earliest works. After moving to Paris in 1908, he studied at the Ecole des Beaux Arts and frequently visited the Musée du Louvre, where he was drawn to Egyptian, Assyrian, ancient Greek, and early Gothic sculpture. Archipenko began exhibiting with the Cubists and other avant-garde artists at the Salon des Indépendants in 1910, opened his own art school in Paris in 1912, and joined an artist collective circle known as the Section d'Or, a group that included Léger, Braque, Gris, and Picasso.
Alexander Archipenko working on Torso in Space, 1935; image courtesy of The Archipenko Foundation
Alexander Archipenko working on Torso in Space, 1935; image courtesy of The Archipenko Foundation

Influenced by Picasso and Braque, Archipenko developed a sculptural form of Cubism using interlocking and overlapping solids and sculptural voids to show various views of the figure simultaneously. Archipenko was interested in breaking the figure into geometrical forms and, like the Futurists, sculpted figures in motion.

Archipenko's legacy of experimentation is characterized by an unconventional mix of materials such as metal, wood, glass, wire, and paint and mixed media works combining bronze, granite, and turquoise. In 1924, he invented and patented the Archipentura, a new kinetic painting/sculpture mixed media art form.

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Anna Weyant Gagosian GalleryAnna Weyant Biography

Born in 1995 in Calgary, Alberta, Canada, she is one of the most talented artists of her generation - Thanks to Larry Gagosian, great talent discoverer she is taking an important place among the great creators of our time.

Lives and works in New York, NY.    -   https://gagosian.com/

About Anna Weyant

The hapless subjects of Anna Weyant’s indelible paintings and drawings are recurrently tested by everyday circumstances, weathering what the artist has described as “low-stakes trauma.” In these precisely rendered scenes, figures—most often young and female—find themselves embroiled in tragicomic narratives with an ironic twinge, offering a dreamlike insight into the capacity of popular culture and social convention to manufacture and distort gestures, rituals, and signifiers of femininity. But far from presenting her protagonists as merely symbolic, Weyant remains sensitive to their human idiosyncrasies and contradictions, picturing characters who are endearing, mysterious, and wholly themselves. In her crystalline still-life compositions, meanwhile, everyday objects adopt an uncanny, portentous air.

Weyant was born in Calgary, Canada, in 1995. After earning a BFA in painting from the Rhode Island School of Design, she relocated to New York, then studied painting at the China Academy of Art in Hangzhou. Moving back to New York, she worked as a studio assistant while pursuing her own practice. Among her first exhibited works is a sequence of darkly cinematic canvases depicting a dollhouse—modeled after one that she owned as a child—and its young female inhabitants. A later series deconstructs the appearance of American suburbia in Lifetime’s made-for-television movies, casting it as a surreal realm in which violence and disaster lurk just beneath the surface. In her still lifes, Weyant depicts fruit, flowers, and other items in a similarly unsettling light; Lily (2021), for example, juxtaposes the titular bloom with a revolver bound in gold ribbon.

In these and other works, Weyant employs a somber, muted palette of deep greens, dusty pinks, and deep black. She also draws on art historical and present-day influences, from seventeenth-century Dutch masters such as Frans Hals and Judith Leyster to twentieth-century mavericks like Balthus to contemporary painters Jennifer Packer and Ellen Berkenblit. As revealed in her contributions to group exhibitions including and I will wear you in my heart of heart at FLAG Art Foundation, New York (2021); Artists Inspired by Music: Interscope Reimagined at the Los Angeles County Museum of Art (2022); and Women of Now: Dialogues of Memory, Place & Identity at the Green Family Art Foundation, Dallas (2022), Weyant displays a deep understanding and appreciation of her work’s roots and parallels while eliciting an immediate and emotional response.

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Gugli 61x88 cm. Sweet Song acrylique sur toileLAURENT GUGLI est né en 1959
Il a vécu et travaillé à Paris dans des années 80 aux années 2000
Tout laisse à supposer que Laurent GUGLI  doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau.

Tout a-t-il déjà été peint dans l’esprit du Pop Art ?  Laurent Gugli ne partage nullement cet avis.  Les références à ces grands artistes des années soixante semblent imprégner ses tableaux. Jésus Superstar, illustré par Andy Warhol en  reste le point de départ. 
    
Utilisant une technique facile, dans un style « vite fait bien fait », l’inspiration de l’artiste semble tourner autour du S.E.X.E. Car pour lui tout acte de création s’apparente à un acte sexuel : la création (l’origine) du monde, l’art africain, notre propre naissance… Tout laisse à supposer que Laurent Gugli doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau. « I paint with my sex » avait-il écrit sur une de ses toiles, exposant à l’époque dans un fast-food. Opérant à la limite du bon-goût, peignant de sulfureuses compositions, Laurent Gugli répète son obsessionnel : « L’Amour, c’est pas glamour, c’est H.A.R.D (dur) ».

 Le style Laurent Gugli est similaire à l’écriture lissée des artistes Pop. S’il ne renie pas leur influence sur son travail, il ne cherche cependant pas à dénoncer notre société de
consommation. Son passé de directeur artistique, doublé d’une curiosité effrénée pour la nouveauté et pour ce qui vient d’ailleurs l’ont irrémédiablement poussé à s’intéresser aux nouvelles icônes de notre société : Mickey, Bugsbunny ou encore Dragon Ball…, des personnages à la fois naïfs, mais aussi dotés pour certains d’une intelligence supérieure et de pouvoirs magiques, afin d’accomplir un destin plus mystique. L’artiste joue de cette iconographie supramédiatique (logos, personnages, typographies) et de son renouvellement pour créer « de la Dope pour illettrés ».
       
Mais si l’artiste s’inspire de cet univers régressif et infantile, parfois à la limite du vulgaire, qui envahit de plus en plus la planète, son art cherche avant tout à parler de notre intimité, de notre rapport ambigu à l’amour, mélange de romantisme naïf et de perversion. En «  honnête voyeur », c’est ce paradoxe intrinsèque de la nature humaine que nous raconte l’artiste à travers son œuvre. Un Pop Art introverti en quelque sorte.
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Culture Art & Vision X Lapostroff - Studio Kallico
Pour ce nouvel épisode de Culture Art & Vision X Lapostroff, nous vous emmenons à la rencontre de Lionel Sourisseau, plasticien peintre au style singulier. ?? ?? ??

Amoureux de couleurs chaudes et de poésie, Lionel Sourisseau a trouvé sa voie en passant de la peinture traditionnelle à la peinture acrylique. En posant un regard coloré sur le monde, ses œuvres étincelantes et bigarrées suscitent la curiosité et stimulent l'imaginaire.

Plus d'informations
Lapostroff (Espace de création artistique, artisanal et associatif de la Ville de Malakoff & Plateau Urbain : https://www.lapostroff.fr)

Réalisation : Sylvestre Bary
Musique : Benk Digga

Un projet Culture Art & Vision - 2020 - https://www.culture-av.fr

Isabel Margarita Haeussler 61 INCENDIO 2020  Téc mixta sobre tela 90x90cm    Isabel Margarita Haeussler´s pictorial work

The pictorial work that Isabel Haeussler has developed during the last thirty years started from figuration to slowly approach abstraction. Considering that at first her work focused on the observation of her environment, it is not surprising that current images evoke spatialities.  An atmospheric effect is very visible in them, as if they had some kind of relationship with the landscape.

Her use of language appears in the articulation of contrasts: there are antagonisms between smooth and rough, fast and slow, transparent and opaque, color and monochrome, light and shadow. This richness is shown by a gesture that is not hidden. The insistence of her hand, the trajectory of her gestures is marked by the imprint of her brush.

Pablo Ferrer

Profesor y director Magister Artes Visuales

Facultad de Artes

Universidad de Chile

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Roger LersyRoger Lersy, né en 1920, est peintre du XXe siècle français, lithographe et compositeur de musique classique, il a étudié à l'École des Arts Appliqués, Paris et au Conservatoire de Paris. Il a tenu sa première exposition à Paris en 1946. Pendant les années suivantes de son art a également été exposé à Londres, Genève, Los Angeles, Houston et New York. Il a remporté des prix comme le Prix des Amateurs d'Art (1953) et le Prix de la Ville de Marseille (1955). L'artiste a également illustré un certain nombre de livres d'art avec ses graphismes originaux, tels que, Bestiaire (1968) et multiformes (1977). Le travail de Lersy peut être divisée en deux périodes de l'expérimentation artistique. Avant 1960, l'artiste concentre surtout sur ​​les formes de l'art figuratif, en particulier la nature morte et du paysage. Après son travail décalées à des formes de l'expression abstraite. Il a passé de longues périodes à New York entre 1961 et 1968.

BIOGRAPHIE

Né le 2 avril 1920 décédé en 2004 xxe siècle. Français.

Peintre d'intérieurs, natures mortes, paysages, sculpteur, graveur, peintre de cartons de tapisseries. Polymorphe.

Son père étant décorateur, c'est naturellement qu'il entra à l’École des Arts Appliqués. Il eut ensuite une activité de décorateur, mais, parallèlement, il avait commencé à peindre et menait également des études musicales poussées, auxquelles il renonça en 1954, sauf pour son plaisir personnel. Il effectua un séjour aux États Unis, de 1961 à 1968.

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Oscar Katcharov

 Oscar KATCHAROV (né en 1924) : Huile sur toile dimensions 130 x 125 cm  signée en bas à droite et contresigné au dos et datée 1972, intitulé Moscou Trinité. Collection privée K . N. Paris

Soviet Literature" 1990
Irina Chepik

THE ARTIST'S SOLFEGGIO, OR TEN COLOURS OF THE RAINBOW

Oskar Kacharov's studio is in the centre of Moscow - at the down-town end of Gorky Street (now Tverskaya st.) No lush studio, though, rather modest and badly in need of renovation. But the district is surely prestigeous - look through the window and you're looking directly at the big clock on the central Post Office, and down below - the bustle in Gorky Street. The clock is ticking off time into eternity, the bustle and noise are distracting. But not for Kacharov - nothing can distract him. He's found of the incessantly milling crowds and permanent chaos of the capital. His studio is constantly filled with friends, pupils, fellow-artists, musicians, architects, theatre people.

Rezo Gabriadze, a talented playwright, artist and sculptor, working in film, drama and puppet theatre, once wrote to him, "Dear Oskar, I know few artists as dedicated as you are. That must be painfully hard. What I like about you as a person and a painter is your sense of measure, your nobility and artistry. Thank you for your warm tones and for your cold tones and for their correlation."

The words "painfully hard" are not merely lip service. Kacharov was never spoilt by fortune's favours. He is bubbling with the energy of resistance. He rejects attempts to place him, his views and his painting among the crop of discoveries permitted in the recent years by glasnost. he has never before craved success regardless of the cost involved and so has never been mentioned in the press for some 40 years.

Oskar Kacharov, the son of a doctor, was born in 1924, in Kiev. He remembers his father who was killed in the Second World War with tenderness and gratitude. His mother was a highly cultured woman who encouraged his artistic interests, and herself had great knowledge and understanding of art.

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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

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Directeur de publication

 

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