2023-09 -Le marché de l’art nous fait rêver par la beauté de ses créations qui nous procurent plaisir et émotion, interrogation, réflexion et s’inscrivent dans l’histoire du monde. Mais le marché de l’art est aussi un marché financier par les millions de dollars qu’il génère à travers les ventes des collectionneurs, des galeries, des commissaires-priseurs des investisseurs et des spéculateurs.

On rêve lors des grandes ventes aux enchères au cours desquelles les prix s’envolent à des millions de dollars. Ces prix record qui font rêver les amateurs d’art sont-ils significatifs du marché de l’art : non car cette tranche du marché  ne représente qu’une faible partie des ventes . En effet les ventes supérieures à 850.000 € ne pèsent que 1% des ventes.

Le prix moyen par œuvre vendue dans le monde depuis 2009 se situe à 1380 €, on peut donc acheter un chef  d’œuvre pour un faible budget, il faut savoir le détecter, cette capacité s’acquiert en voyant des milliers d’œuvres au cours de la vie d’un collectionneur en visitant les salles des ventes, les ventes en ligne et les sites internet sur l’art, les galeries, les institutions et les Musées.

83% des ventes en galeries, et 92% des enchères publiques concernent des transactions inférieures à 42.500€, et 42% des œuvres inférieures à 4.250€. On peut considérer que 65% des ventes dans le monde se situent à moins de 2000 €

Quel est le processus créateur de Marta Moreu ?

Quel est le processus créateur d'un artiste, son chemin, ses motivations, voici des questions passionnantes que l'on se pose quand on regarde les œuvres d'un artiste ?

Je vous invite à un portrait intime de Marta MOREU, une discussion en tête à tête qui vous permettra de mieux percevoir sa particularité, le sillon qu'elle a suivi toute sa vie, et qu'elle continue de suivre avec courage et énergie.

Courage et énergie, créativité et sensibilité, écoute et bienveillance, voici quelques mots qui résument presque 25 ans d'amitié réelle entre nous. Cette affection profonde est née d'un flash, un matin de septembre 1999 lorsque Marta s'est présentée à la galerie avec des photographies de ses sculptures. La vue de ces photographies, confirmée en réel quelques jours plus tard, a suffi à sceller une amitié personnelle, professionnelle et familiale, voilà une belle illustration d'un des nombreux impacts de l'art !

Tu es née à Barcelone. A quoi ressemblait ton enfance et pourquoi as-tu consacré ta vie à la sculpture ?

Je suis née dans une famille traditionnelle, nous vivions dans le centre de la ville. Comme j'étais la 3ème sur 5, au milieu de la fratrie, je me sentais plus libre. Cela m'a permis de pouvoir faire le choix que je voulais sans me faire remarquer : j'ai d'abord suivi une formation pour enseigner aux enfants (Diplôme de l'Ecole d'Enseignement de Blanquerna), puis je me suis inscrite aux Beaux-Arts de l'Université de Barcelone. Ces 2 sujets m'intéressaient plus que de suivre les traces de mon père qui était pharmacien. Cependant, mon père m'a transmis son amour de l'art et de la sculpture. Il aimait voir des expositions, il connaissait des artistes, et il collectionnait des œuvres d'art d'artistes de son époque. Il m'emmenait souvent avec lui, dès l'âge de 14 ans et on a continué à échanger sur mes premières créations.

Pourquoi et comment as-tu choisi de te consacrer à la sculpture, et finalement, à créer un style unique, aérien, avec ces êtres vivants, à la fois en mouvement et en équilibre ?

Depuis mon plus jeune âge, j'ai préféré la sculpture qui m'apparaissait comme plus réelle que la peinture. Le côté tri dimensionnel est très attirant pour moi. En effet, j'aime le fait qu'on peut à la fois regarder l'œuvre, mais aussi la toucher, la caresser, l'embrasser, la sentir, tourner autour.

En ce qui concerne les sujets et le style, je ne l'ai pas cherché, c'est arrivé peu à peu, comme une évidence, quelque chose de profond, comme mon ADN qui me correspond vraiment. Un peu comme le style d'un écrivain, qui apparaît assez vite, et se cisèle, s'affine et se développe en pratiquant.

Mes sujets sont les êtres vivants, animaux ou humains, principalement les humains depuis de nombreuses années. Mes personnages sont nus, les corps sont élancés, et les visages dépourvus de traits, libérés de tous artifices pour laisser place à l'intériorité. Mes proches, mon environnement, la mythologie, la musique sont mes sources d'inspiration, je travaille d'ailleurs toujours en écoutant un opéra ou un concert.

Claude Monet -"Le champs de coquelicots"- Musée d'Orsay - ©Musée d'Orsay

Notre vie est traversée de centaine d'émotions chaque jour et chaque nuit. Des émotions agréables et désagréables, (ou selon la médecine chinoise en excès ou en déficit), des émotions qui mettent en lumière un décalage (ou un déséquilibre) avec notre être profond. Comme dit Thomas d'Ansembourg, psychothérapeute, formateur et écrivain, ces émotions sont des clignotants sur un tableau de bord soulignant un besoin fondamental qui n'est pas satisfait. Et nos comportements ont tendance à mettre un couvercle sur les émotions. Les émotions passent par notre corps, qui nous parle et que nous n'écoutons pas toujours...

De plus, notre corps est également connecté aux saisons, et en conséquence tout change avec les saisons : notre humeur, nos besoins, notre motivation, et nos émotions.

Au printemps, la nature renaît, après le ralentissement de l'hiver. Les arbres bourgeonnent, les fleurs s'ouvrent, les verts tendres et les brassées de couleurs surgissent, les parfums exhalent, les animaux sortent et se convoitent. Bref, la vie reprend ! C'est le temps du renouveau et de la renaissance, de la douceur et de la vitalité. C'est le temps de l'augmentation du temps de lumière qui stimule la sécrétion des « hormones du bonheur », la dopamine et la sérotonine. C'est sans doute une des saisons les plus enthousiasmantes.

Le printemps, patrimoine commun aux humains

D'ailleurs, le printemps est célébré dans toutes les cultures et religions du monde : Dès l'Egypte des pharaons, on célébrait les inondations du Nil porteuses de fertilité, les anciens peuples d'Italie s'habillaient de « ver sacrum » quand le printemps arrivait. Au Mexique, sur le site archéologique mythique de Teotihuacan, on célèbre encore le soleil habillé de blanc, les bras rivés vers le ciel, pour espérer capturer l'énergie de l'Astre du jour. En Inde, on fête « Holi », la fête des couleurs ; en Thaïlande, c'est la fête de l'eau ; en Orient «Nowruz » démarre par un grand ménage des maisons et se poursuit par de grands feux de joie et des retrouvailles familiales ; au Japon le fleurissement des cerisiers entraine de grandes réunions ; Aux Pays-Bas, les fleurs et plus particulièrement la tulipe, sont célébrées etc...

En clair, toutes les époques, tous les pays, et dans chaque pays, nombre de régions ont leurs propres traditions pour fêter le printemps.

Voici un éclairage intéressant qui fait réfléchir sur ce qu'est le marché de l'art :

Si vous aviez 400.000 EUR + 25% de frais à investir vous auriez pu acheter cette peinture de Günther Förg qui a été vendue chez MILLON le 2 décembre 2020  pour la somme de 400.000 € plus frais de vente.

Pour 3000 € vous auriez pu acheter cette oeuvre de LOLOCHKA qui est une des artistes de talent créatrice du groupe ARTCLOCHE -

Art-cloche, à l’origine Cloche Art est un collectif artistique parisien créé dans les années 1980. Le nom Art-cloche est également usité pour le squat occupé par le collectif du 15 juin 1981 jusqu'en juin 1986, situé au 6 rue d'Arcueil, dans le 14e arrondissement de Paris, à quelque pas de la résidence d'artistes la Cité Verte. Expulsé par la ville de Paris, le collectif trouvera refuge dans un nouveau squat situé 4 rue d'Oran, dans le 18e arrondissement, jusqu'au 27 juin 1988, date de la seconde expulsion.

Les principaux animateurs du lieu étaient Jean Starck, Nicolas Pawlowski, Alexandre Sacha Putov Henri Schurder et Lolochka. (Catalogue Art-Cloche, juin 1988, Galerie Monti Curi)

BIOGRAPHIE LOLOCHKA

Laisse-vous aller à vos coups de coeur, Lolochka dans 10 ans vaudra peut-être 400.000 €

Ce tableau intitulé Bouddha illustre la méditation à travers laquelle le Bouddha explore trois états de la matière symbolisés par les couleurs rouge bleu et jaune ... Nous recherchons les oeuvres de Lolochka des années 89 qui illustrent la créativité de l'artiste.

En quoi l'art nous fait du bien ?

Dans la période chahutée que nous vivons actuellement, il pourrait être tentant de concentrer les efforts et les ressources sur les besoins fondamentaux ou sur les questions écologiques brûlantes, au détriment de la culture et de l'art.

Certes, ces sujets sont essentiels, mais nous ne pourrions pas vivre sans art. Pour moi, c'est une des grandes spécificités de l'être humain par rapport aux autres êtres vivants : sa capacité à créer des œuvres d'art, sa recherche de la beauté, et les bienfaits que l'art a sur chaque être humain et sur la société.

L'art est essentiel et bon pour l'homme

En effet, l'art agit en même temps sur 2 parties de notre cerveau :

-l'art agit sur la partie de notre cerveau qui capte et analyse les informations et qui agit pour rester en vie. Il sert à élargir notre point de vue, à apprendre. Ce processus permet l'exploration de territoires intérieurs inconnus du cerveau du spectateur. Il développe nos capacités intellectuelles. Pierre Lemarquis (neurologue et neurophysiologiste, auteur notamment de « L'art qui guérit », Edition Hazan) précise que « L'art sculpte notre cerveau en lui faisant découvrir ce qu'il ne connaît pas ».

-l'art agit également sur notre cerveau archaïque, celle du plaisir et de la récompense, qui nous donne envie de vivre. Il stimule les hormones responsables du plaisir et de l'attachement : la dopamine, la sérotonine, l'ocytocine et la morphine endogène. Ce phénomène a été beaucoup étudié en musique et l'est depuis quelques années dans le champ des arts visuels, notamment par Sémir Zéki (professeur en neurobiologie à l'University College de Londres) en Angleterre et Pierre Lemarquis en France.

De ces deux stimulations, les bienfaits suivants en découlent directement : l'art développe nos capacités intellectuelles, il ouvre notre vision du monde, il crée de nouvelles associations émotionnelles et cognitives, il procure un bien-être avéré.

This wonderful example of Jean-Michel Basquiat’s iconic “skull painting” stylings achieved $85 million at a Phillips sale of works from the collection of the billionaire entrepreneur Yusaku Maezawa this past May. The work, which had previously been sold at Christie’s in 2016 for $57.2 million, beat that number to become the third highest price ever achieved by a work from the legendary Neo-Expressionist artist.

Ce merveilleux exemple des styles emblématiques de «peinture de crâne» de Jean-Michel Basquiat a atteint 85 millions de dollars lors d'une vente Phillips d'œuvres de la collection de l'entrepreneur milliardaire Yusaku Maezawa en mai dernier. L'œuvre, qui avait déjà été vendue chez Christie's en 2016 pour 57,2 millions de dollars, a battu ce chiffre pour devenir le troisième prix le plus élevé jamais atteint par une œuvre du légendaire artiste néo-expressionniste.

 Fluxus est le nom d'un groupe créé en 1962 et dont les membres vivent un peu partout dans le monde, plus spécialement au Japon, aux États-Unis et en Europe.
Officiellement rien ne les relie entre eux. Si ce n'est une certaine façon de concevoir l'art et les influences qu'ils ont subies. Ces influences sont : John Cage, Dada et Marcel Duchamp.
Sans John Cage, Marcel Duchamp et Dada, Fluxus n'existerait pas.
Surtout sans Cage de qui j'aime à dire qu'il a opéré deux lavages de cerveau. Le premier, au niveau de la musique contemporaine avec la notion d'indétermination, l'autre au travers de son enseignement avec l'esprit Zen et cette volonté de dépersonnalisation de l'art.
Fluxus va donc exister et créer à partir de la connaissance de cette situation post-Duchamp (Le ready made) et post-Cage (la dépersonnalisation de l'artiste).
Cette connaissance crée un point de non retour car en acceptant d'avance toutes les formes, elle les périme du même coup.
Fluxus ne sera donc pas concerné par l'œuvre d'art formelle, esthétisée et hédonisée.
Son "donner à voir" consistera en un premier temps à épuiser toutes les possibilités/limites du "tout est art" et en un second temps à dépasser ce "tout est art" par une attitude Non-art, Anti-art. Ainsi Fluxus va s'intéresser au contenu de l'art pour le combattre et, au niveau de l'artiste, créer une nouvelle subjectivité. Tout cela est difficile, presque impossible, car la dépersonnalisation est une nouvelle forme de personnalité et le non-art un nouvel art. Pourtant l'intention y est et l'honnêteté de l'intention est l'un des éléments essentiels de Fluxus. Même si le problème est impossible, le poser est important.

LES APPORTS

Premier apport
En musique et en théâtre, Fluxus apporte dès 1963 la participation du public à l'action. Non pas une fausse participation, c'est-à-dire la comédie qui continue au milieu du public mais un véritable désir du transfert des responsabilités.
Par exemple, Benjamin Patterson demande à chaque spectateur, discrètement et personnellement : " avez-vous confiance en moi ? " Si le spectateur répond oui, il le place à sa droite. Si le spectateur répond non, il le place à sa gauche.

Deuxième apport
L'Event. Lorsque George Brecht arrive et pose des fleurs sur le piano en tant que proposition musicale, c'est focaliser une réalité simple. C'est, dans l'histoire de l'art, le geste limite de "la vie est art". Mais c'est aussi et surtout, en égalisant l'importance des choses, placer l'artiste futur devant une situation de non retour de non art.

Troisième apport
D'après George Maciunas, un concert Fluxus doit être de la musique contemporaine divertissante. Il trouve que beaucoup trop de musique contemporaine est ennuyeuse, trop dépendante pour le public de la nécessité de références historiques culturelles.
Le divertissement dans Fluxus réagit donc contre la culture. Redonne à l'art sa fonction primaire (divertir) et relègue la connaissance de l'histoire de l'art au second plan.

Quatrième apport
L'art par la correspondance, le Mail Art. A partir de 1963, à la fois Ray Johnson et George Brecht se serviront de la poste pour transmettre leurs idées, leur vécu, par des petits détails de la vie, subtilités, anecdotes, etc.
Le Mail Art est non-art non seulement par le contenu des éléments expédiés mais aussi par le refus qu'il implique de jouer l'artiste de carrière, ceci en évitant de passer par le circuit des galeries d'art, etc.

John Levee un des Principaux artistes de l'expressionnisme abstrait

Source WIKIPEDIA  https://fr.wikipedia.org/wiki/Expressionnisme_abstrait

Peintres

• Mary Abbott (en) (1921-2019)
• Bernice Bing (1936-1998)
• James-Jacques Brown (1918-1991)
• Hans E. Deutsch (1927-2014)
• Sam Francis (1923-1994)
• Jane Frank (1918-1986)
• Helen Frankenthaler (1928-2011)
• Sonia Gechtoff (1926-2018)
• Arshile Gorky (1904-1948)
• Adolph Gottlieb (1903-1974)
• Jacques Grinberg (1941-2011)
• Philip Guston (1913-1980)
• Elaine Hamilton (1920-2010)
• Hans Hofmann (1880-1966))
• Laurent Jiménez-Balaguer (1928-2015)
• Franz Kline (1910-1962)
• Willem de Kooning (1904-1997)
• Elaine de Kooning (1918-1989)
• Lee Krasner (1908-1984)
• Knox Martin (1923-)
• Giuseppe Napoli (1929-1967)
• John Levee (1924-2017)
• Joan Mitchell (1925-1992)
• Antoine Mortier (1908-1999)
• Robert Motherwell (1915-1991)
• Barnett Newman (1905-1970)
• Perle Fine (en) (1905-1988)
• Jackson Pollock (1912-1956)
• Richard Pousette-Dart (1916-1992)
• Robert Rauschenberg (1925-2008)
• Milton Resnick (1917-2004)
• Jean-Paul Riopelle (1929-2002)
• Mark Rothko (1903-1970)
• Anne Ryan (1889-1954)
• Clyfford Still (1904-1980)
• Waldemar Smolarek (1937-2010)
• Augustus Vincent Tack (en) (1870-1949)
• Bradley Walker Tomlin (1899-1953)
• Louis Van Lint (1909-1986)
• Corinne Michelle West (1908-1991)

Sculpteurs

• David Smith (1906-1965)
• Richard Stankiewicz (1922-1983)
• Mark di Suvero (1933)
• Louise Nevelson (1899-1988)

Photographes

• Aaron Siskind (1903-1991)
• Pedro M Cabral (1955)

Triste nouvelle : l’artiste Raymonde Godin nous a quittés le 31 janvier.

Sa dernière participation à une exposition collective remonte à 2019. Elle comptait parmi les 42 artistes dont les œuvres étaient présentées lors de l'exposition Femmes 1950. Au fil de l’abstraction, peinture et sculpture au Musée Soulages à Rodez. A peine quelques mois avant sa mort, elle pouvait se réjouir de voir ses tableaux exposés à sa fidèle galerie parisienne, à la galerie Convergences. Nous ne pensions pas que cette exposition personnelle, intitulée « Grandeur Nature » serait la dernière.

Raymonde Godin, née à Montréal en 1930, a passé la plus grande partie de sa vie en France. Après ses études artistiques, notamment aux Beaux-Arts de l’Université́ Concordia et aux cours spéciaux du Musée des Beaux-Arts de Montréal, pour échapper à sa famille très conservatrice et trouver sa liberté, elle choisit de vivre à Paris. Pour enrichir sa connaissance artistique, en 1954 elle s'inscrit à l'École du Louvre, fréquente régulièrement le musée du Louvre et recopie des chefs-d'œuvre afin de mieux comprendre leurs techniques, leurs structures, leurs compositions. Sa rencontre avec le peintre d’origine hongroise Paul Kallos la même année sera déterminante dans sa vie privée et artistique.  Tous les deux vivent à Paris déracinés, sans famille : l’une volontairement, l’autre subissant l’Histoire tragique du 20ème siècle. En dépit de leurs conditions de vie très difficiles, les deux jeunes artistes recherchent à la fois l'indépendance et la liberté dans leurs activités artistiques. Kallos et le peintre Georges Fehér introduisent Raymonde à la galerie Pierre, un nouveau chemin s’ouvre devant elle. En plus de pouvoir exposer ses peintures à la galerie, en prenant part au légendaire « vendredi de Pierre Loeb », elle fait connaissance des intellectuels du milieu de Pierre Loeb. Encouragé par Loeb, Godin, Kallos et d’autres artistes de la galerie se tournent de plus en plus vers l’abstraction. 

Après avoir quitté en 1961 leur minuscule appartement délabré parisien, où ils étaient contraints de travailler côte à côte, le couple s’installe dans une maison à Hay-les-Roses. Ici chacun possède son propre atelier. Bien qu’ils suivent attentivement le travail de l’autre, et que certains problèmes picturaux qui les préoccupent soient identiques, leurs œuvres sont fondamentalement différentes. Nous pourrions comparer leur respect mutuel avec celui de Vieira da Silva et d’Arpad Szenes, deux amis du couple Kallos-Godin. 

Suzanne Pagé Directrice artistique de la Fondation Louis Vuitton Commissaire générale de l’exposition À l’écoute des oeuvres

L’exposition « Monet-Mitchell » s’inscrit dans la ligne d’une programmation résolue de la Fondation liant la modernité historique à un engagement contemporain, à travers filiations ou correspondances d’artistes ou de mouvements artistiques. Aujourd’hui il s’agit d’une stratégie plus sophistiquée et avant tout sensible, de l’ordre de la consonance, dans la mise en regard d’oeuvres de deux grandes figures : Joan Mitchell, inscrite dans la modernité de l’expressionnisme abstrait américain, enfin reconnue comme l’une des grandes voix du XXe siècle et Claude Monet, icône française de l’impressionnisme au moment où, réhabilité à travers ses oeuvres tardives, il est redécouvert et salué comme pionnier de la modernité américaine des années 50.

Programmant ce dialogue en complément de la « Rétrospective Joan Mitchell » présentée simultanément à la Fondation, je ne pouvais oublier ma visite préliminaire chez l’artiste en vue de préparer sa première exposition en France dans un musée, en 19821. Elle nous entraîna d’emblée sur la terrasse dominant la maison où avait vécu Monet, de 1878 à 1881. Elle partageait donc avec lui la vue sur ce paysage élu de Normandie qui allait autoriser l’explosion de son talent. Elle avait alors, sur un ton sarcastique mordant et sans appel, asséné un déni radical à l’évocation d’une quelconque influence. Et pourtant, s’il neige un jour à Vétheuil, c’est aux tableaux de Monet que Joan Mitchell pense immédiatement ; sortant tôt le matin, elle note encore : « le matin, surtout très tôt, c’est violet ; Monet a déjà montré cela… Moi, quand je sors le matin c’est violet, je ne copie pas Monet2 » ; et dans leurs premiers échanges de correspondance amoureuse, elle tient à mentionner à Jean Paul Riopelle qu’elle est allée voir les Nymphéas au MoMA en pensant à lui. Elle devait d’ailleurs nuancer significativement sa position dans un entretien donné au critique Irving Sandler : « J’aime le dernier Monet mais pas celui des débuts3 ».

Ainsi, notre exposition dépasse une posture déclarative assez flottante de Joan Mitchell en revenant d’abord aux oeuvres.

1 ARC - musée d’Art moderne de la Ville de Paris [Musée d’art moderne de Paris].

2 Voir Joan Mitchell : choix de peintures 1970-1982, propos recueillis par Suzanne Pagé et Béatrice Parent, mai 1982, cat. exp.,

ARC - musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 1982, p. 16.

3 Joan Mitchell, entretien avec Irving Sandler, notes manuscrites, s.d.[vers 1958], n.p., Irving Sandler papers, box 22, folder 14,

Getty Research Institute, Los Angeles.

Il convient avant tout de se garder de tout anachronisme en se souvenant que Joan Mitchell est née un an avant la mort de Monet et qu’elle s’est installée à Vétheuil quarante ans après. Il n’est pas non plus question, ici, d’une exposition thématique construite sur la base de concepts totalement étrangers à l’artiste Joan - qu’elle qualifiait de « pensée[s] incolore[s] »4 -, mais plutôt d’une mise en écho des oeuvres elles-mêmes et d’une invitation à regarder vraiment, comme elle l’exigeait dans le silence de son atelier : « Voir, pour beaucoup de gens, n’est pas une chose naturelle. […] Ils ne voient que des clichés appris. Ils restent pris dans le langage »5. Il s’agit, alors, de suivre les deux artistes sur le fil rouge de l’enjeu qui était le leur, en se référant parfois à leurs propres mots, sur un mode non discursif, mais surtout à leurs peintures mêmes, sur un mode purement sensible et visuel relevant du langage spécifique à la peinture, sa picturalité et son rapport direct au monde. C’est-à-dire, pour ces artistes, la transcription d’une « sensation ».

Chez les deux, avec des acceptions propres elle était prioritaire. « Si je ne le sens pas je ne peins pas »6 disait Joan Mitchell.