Le Musée Prive - Art Magazine

Jiang Zhi, Love letter n°25, 2014 Impression jet d’encre Image : 60 x 90 cm © Galerie Paris-BGuerlain présente sa nouvelle exposition Les Fleurs du Mal, une ode à l’œuvre de Charles Baudelaire. Cet événement artistique qui réunit plus de 25 artistes internationaux -émergents et figures majeures de la scène actuelle- se déroulera à la Maison Guerlain, située au 68 Champs-Élysées, du 18 octobre au 13 novembre 2023.

Les fleurs, symboles éternels de la beauté et de la sensibilité, montrent ici des ambiguïtés subtiles. Manifestations poétiques d’une sensualité éthérée, messagères de la nature, de l'art et des émotions humaines, elles révèlent aussi des aspects maléfiques. Chaque création exposée par la Maison Guerlain explore les frontières fragiles de l'existence et invite à une introspection profonde sur la dualité de la vie et de la mort, du spleen et de l'idéal, dans une quête de transcendance. 

Chaque artiste, dans une résonance subtile avec le thème, explore cette richesse de significations à travers une pluralité de médiums artistiques. Certaines créations sont inédites et sont produites spécialement pour cette occasion.

Avec cette 16ème édition depuis le lancement de ses expositions d’art contemporain avenue des Champs-Elysées, Guerlain explore une nouvelle fois les liens entre nature et création artistique, fondements de son engagement. 

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 Mohamed Melehi Untitled 1983 © Mohamed Melehi Estate

Mohamed Melehi Untitled 1983 © Mohamed Melehi Estate

UNTIL 14 JANUARY 2024

A major exhibition about the artists of the renowned Casablanca Art School

Tate St Ives will be the first museum in the UK to explore the intense period of artistic rebirth that followed Morocco’s independence, forged by the experimental teaching methods of the Casablanca Art School in the 1960s and 1970s.

Led by Farid Belkahia alongside Mohammed ChabâaMohamed Melehi and others, this pioneering school paved the way for a new generation of socially engaged modern artists who formed an influential avant-garde network.

Works by 22 artists will be brought together to demonstrate the wide variety of the Moroccan ‘new wave’, from vibrant abstract paintings and urban murals to applied arts, typography, graphics and interior design.

The exhibition will also include a selection of rarely-seen print archives, vintage journals, documentary photographs and films.

This exhibition is a collaboration between Tate St Ives and Sharjah Art Foundation, where it will open in February 2024. It is also part of a key moment of international research into the Casablanca Art School, which includes a collaborative project initiated in 2020 between KW Institute for Contemporary Art and Sharjah Art Foundation, in partnership with Goethe-Institut Marokko, ThinkArt and Zamân Books & Curating.

Tate St Ives Porthmeor Beach St Ives Cornwall TR26 1TG

https://www.tate.org.uk/

A Brief Guide to the Casablanca Art School | Tate

LA LA LAND by Naeemeh Kazemi

September 7th to October 11th 2023 LEILA HELLER GALLERY http://www.leilahellergallery.com/
Naeemeh Kazemi Untitled (From the La La Land Series), 2022 59.1 x 78.7 in (150 x 200 cm) Oil on canvas
Naeemeh Kazemi
Untitled (From the La La Land Series), 2022
59.1 x 78.7 in (150 x 200 cm)
Oil on canvas
New York, NY – Leila Heller Gallery is pleased to announce artist Naeemeh Kazemi's solo show 'La La Land' opening on September 7, 2023.
Predominately a sculptor, Naeemeh Kazemi began painting in 2020 when the lockdown started since she could not get to her studio. She worked on these magical canvases in her one bedroom apartment in Iran,

which helped her escape the confinement of quarantine and transported her to fantastical places. Living in Iran, Kazemi has had to take creative approaches to her meanings through symbols, so as to not get in trouble with the Iranian government. Her themes of environmental and virus anxiety, feminism, and humanity are disguised in her enchanting paintings through tokens and motifs of the natural world, classical paintings, and quotidian objects.

In her most recent "La La Land" series, she depicts a world that is intertwined yet fragmented. It is as if familiar pieces float strangely in space. In her complex yet highly composed paintings, Kazemi ponders the questions "Could the whole history of the world be a mere misunderstanding?" and "Is it possible that man, with all his discoveries, developments, culture, religion, and global wisdom is just lingering on only to the outward of life?" This series reflects Kazemi's feelings and anxieties towards the world, exacerbated by the Covid pandemic quarantine instated since March 2020. She says, "I'm incredibly scared because I know we will soon annihilate this enlivening life- giving planet. A planet that soon gets a shell from skulls, bones, and dead machines. No one can do anything for her. We lost the game!" Kazemi creates an oasis sheltered from these fears in this series. A "La La Land," clearly fictitious, but serving as a safe haven from the uncertain world.


Her work aims to reflect her constant state of questioning, anxiety, and interrogation with herself. She says "tense dreamy moments occur, which rushes blood to my cheeks." The viewer can see these feelings depicted in the flourishing flora and fauna and bright, enchanting colors. But then, "a moment later, silent, unsure, tired, and depressed." These juxtaposed feelings are sensed in the canvas through the lingering portraits- eyes hidden, hands floating, and plants tangled in a web. Ultimately, through these symbols, themes, and meanings, Kazemi is questioning life itself. For Kazemi, her works are not set in a final reality. She explores the system of meanings and understands that it is constantly changing and new realities are born every day. While first brought upon by the uncertainties of social and personal health by the pandemic, her investigation of finding meaning in life remains true for past, present, and future generations.

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Nous ouvrons ici un des débats les plus difficiles du monde de l'art : Qu'est-ce qui fait le prix d'une oeuvre d'art, le fantasme, la réputation, la communication, la financiarisation, le prix élevé pratiqué par le marché dont les ventes aux enchères ou bien la qualité de la création, l'imagination, la sensibilité que nous transmet une oeuvre - Afin de vous permettre de réfléchir, je vous rappelle un principe essentiel qui doit animer votre réflection : ce que l'on nomme LA THESE , L'ANTITHESE qui doit conduire à LA SYNTHESE - J'ai sélectionné les 2 dessins ci-dessous afin d'illustrer ce propos. Posez-vous la question au plus profond de vous-même. Lequel de ces 2 dessins préférez-vous indépendamment du prix du marché. "Regarder et aimer avant d'acheter ..." comme nous le rappelle Martine Manfré Itzinger

Nous avons publié dans LIRE LA SUITE vos points de vue, vos réactions sur ce sujet que vous voudrez bien nous adresser par mail. Merci pour leurs textes à Martine Manfré Itzinger et Hervé Le Goareguer.

degas 45x34

Bertrand Mogniat-Duclos dessins 37,5 x 29,5 cm signé en bas à droite du cachet

 Edgar Degas (1834-1917), Dans les coulisses, danseuse rajustant son chausson, fusain portant le cachet de la signature en rouge en bas à gauche, 45 x 34 cm.
Adjugé : 114 950 €

 Bertrand Mogniat-Duclos dessins 37,5 x 29,5 cm signé en bas à droite du cachet
Voir Exposition virtuelle Virtual Exhibition Mogniat-Duclos (1903-1987)
Biographie de Bertrand MOGNIAT DUCLOS
PRIX : 150 €
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Over The River, Project for Arkansas River, State of Colorado - 1998 - 38 x 165 cm & 106,6 x 165 cm - collage in 2 partsOver The River, Project for Arkansas River, State of Colorado - 1998 - 38 x 165 cm & 106,6 x 165 cm - collage in 2 parts

Linda et Guy Pieters ont le plaisir de vous convier à l'exposition Christo and Jeanne-Claude
du 5 septembre au 5 novembre 2023
Fondation Linda et Guy Pieters
Place des Lices - 28 Boulevard Vasserot – 83990 Saint-Tropez
www.fondationlgp.com  - info(at)fondationlgp.com
+33 4 22 84 01 89
Ouvert tous les jours
de 10h à 13h30 et de 14h30 à 18h
Fermé dimanche et lundi

A l'occasion d'une exposition d'oeuvres préparatoires de l'artiste Christo dans la galerie Guy Pieters dans les années 2010, Patrick Reynolds, Directeur du Musée Privé, et Sébastien Lecca, plasticien et performer, ont eu l'opportunité de poser quelques questions à l'un des artistes les plus monumentaux et influents de notre époque.
Compte-rendu en images...https://www.dailymotion.com/video/xg2c4y 

Une interview réalisée et préparée par André-Charles Idier / andrecharles.idier(at)gmail.com

Remerciements à Christo, Guy Pieters et Isabelle Lelievre.

Douglas KIRKLAND

Brigitte Bardot: ‘Doug My Darling…’

Exposition du 8 juin au 21 juillet 2023

Brigitte Bardot 1965 © Douglas Kirkland - Courtesy Galerie GADCOLLECTION
Douglas KIRKLAND | Brigitte Bardot – Tir à la carabine, Viva Maria, 1965
Photographie originale - Tirage aux pigments d’encre
93 x 118 cm / 37 x 47 inch| Edition de 24 exemplaires

Du 8 juin au 21 juillet 2023, la Galerie GADCOLLECTION consacre une exposition à un des maitres de la photographie : Douglas KIRKLAND À travers une sélection de 18 photographies, dont certaines jamais montrées, l’exposition Brigitte Bardot : ‘Doug my Darling …’ est un hommage à l’une des plus grandes actrices qui a croisé la vie de ce photographe exceptionnel. La Galerie GADCOLLECTION compte parmi les plus importantes galeries françaises uniquement consacrées à la photographie.

UNE VIE EN IMAGES

"I have a philosophy. I do not want to make negative pictures about people, and so I do everything I can to help make them feel comfortable in front of the camera. That is what is going to control your picture, because you are alone if your subject is not with you. And that’s the simple answer to getting a good picture. »

Douglas KIRKLAND

Douglas KIRKLAND découvre la photographie au contact de ses parents, tous deux passionnés. Enfant, il s’évade à travers les images du magazine Life et affute son regard en parcourant les clichés qui peuplent ses pages. Il feuillette inlassablement l’hebdomadaire en rêvant de collaborer un jour pour cette prestigieuse publication.

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Takashi Murakami, 2020, The Name Succession of Ichikawa Danjūrō XIII, Hakuen, Kabuki Jūhachiban, 2023 (détail), acrylique et paillettes sur toile montée sur cadre en aluminium, (5 × 23,3 m) ©️ 2023 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.

Takashi Murakami, Understanding the New Cognitive Domain

du 10 juin au 22 Dec. 2023

Galerie Gagosian, Le Bourget

26 avenue de l’Europe

93350 Le Bourget

https://gagosian.com

Gagosian expose de nouvelles peintures et sculptures de Takashi Murakami au Bourget

L’exposition présente notamment une peinture monumentale inspirée d’un rideau de théâtre
Kabuki conçu par l’artiste
Un NFT spécialement conçu par l’artiste sera offert à la demande et gratuitement aux visiteurs

Takashi Murakami, 2020, The Name Succession of Ichikawa Danjūrō XIII, Hakuen, Kabuki Jūhachiban, 2023 (détail),
acrylique et paillettes sur toile montée sur cadre en aluminium, (5 × 23,3 m) ©️ 2023 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.

LE BOURGET, 24 Mai 2023 Gagosian a le plaisir d’annoncer Understanding the New Cognitive
Domain, une exposition d’oeuvres de Takashi Murakami à la galerie du Bourget, centrée sur ses peintures monumentales. L’exposition présente cinq oeuvres monumentales, des peintures de plus petit format ainsi que plusieurs sculptures. Il s’agit de la première exposition personnelle de l’artiste avec la galerie en France.

Understanding the New Cognitive Domain présente une nouvelle peinture monumentale de Murakami, mesurant 23 mètres de long sur 5 mètres de haut, inspirée de l’iwai-maku ou rideau de scène, qu’il a réalisé pour le théâtre Kabuki-za de Ginza à Tokyo afin de célébrer l’accession de l’acteur et producteur japonais de Kabuki, Ichikawa Ebizoˉ XI au nom d’Ichikawa Danju¯roˉ XIII, Hakuen. (Les noms de scène du Kabuki, qui indiquent le style et la lignée d’un acteur, sont transmis de génération en génération ; la famille Ichikawa a une histoire d’environ 350 ans.) Commandé par le réalisateur Takashi Miike, cette création de Murakami a été dévoilée au public en novembre 2022, à l’occasion de la première représentation d’Ichikawa Shinnosuke VIII dans le cadre du programme du Grand Théâtre Kabuki Kichirei Kaomise.

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François Boucher illustrations pour les oeuvres de Molière Paris Delarue Librairie-Editeur

Recueil d'estampes gravées par Laurent Cars, graveur du Roi, d'après les dessins de Boucher, (chaque gravure porte la mention inv. Et dessiné par F. Boucher ) représentant une scène de chacune des pièces mises au théâtre par Molière.

CHEF-D'OEUVRE DE FRANÇOIS BOUCHER EN MATIÈRE D'ILLUSTRATION, cette célèbre suite était destinée à illustrer le Molière de 1734. Elle se compose du portrait de Molière gravé par Lépicié d'après le tableau de Charles Antoine Coypel  et de 33 splendides figures de Boucher gravées à l'eau-forte par Laurent Cars. Très belles épreuves à toutes marges (jusqu'à 355 x 235 mm), montées dans une élégante reliure en partie en cuir. Les gravures présentent des taches de rousseur dues au  vieillissement.  Premier plat détaché, le titre est doré et  imprimé sur la tranche en cuir – Dimensions du livre 36,5 x 27 cm

Pour Info :

François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770
Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est un comédien et dramaturge français, baptisé le 15 janvier 1622 à Paris, où il est mort le 17 février 1673.
Laurent Cars est un peintre et graveur français, né à Lyon le 28 mai 1699, et mort à Paris le 14 avril 1771

PRIX : 400 EUR - Livraison et assurance incluse

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 «Dali, Why do you paint? -Because I love art», 1954 © Philippe Halsman Estate 2023, Image rights of Salvador Dalí reserved, Fundació Gala- Salvador Dalí
 «Dali, Why do you paint? -Because I love art», 1954 © Philippe Halsman Estate 2023, Image rights of Salvador Dalí reserved, Fundació Gala-
Salvador Dalí

La peinture religieuse illustre les épisodes « transactionnels » de la Bible (L’adoration des Rois Mages, Le Denier de César, les 30 deniers de Judas, …), et y apparaissent les thèmes de l’avarice, de la charité, du « bon et du mauvais riche » et les injonctions morales (Vanités, memento mori). Dans les pays convertis à la Réforme protestante, à partir du XVIe siècle, se multiplient les représentations de transactions monétaires, du commerce en plein développement et des métiers d’argent.

La naissance de l’impressionnisme représente un basculement historique avec de nouveaux modes économiques qui se dessinent dans le champ du commerce de l’art. C’est en effet à partir de la seconde moitié du XIXe siècle qu’une rupture esthétique avec l’Académie ébranle les liens entre la valeur travail, la valeur d’usage et la valeur d’échange. Une dérégulation de la mainmise de l’État sur l’art au travers de l’Académie s’opère, avec comme résultat une valeur des oeuvres fixée par le jugement critique au détriment des critères académiques.

À partir du XXe siècle, l’artiste ne se contente plus de représenter les thèmes traditionnels liés à l’argent ; il engage une réflexion sur ses mécanismes, dès lors que ces derniers sont immanents à l’oeuvre d’art.

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Crédits : MICHAEL HALSBAND — Andy Warhol & Jean-Michel Basquiat #143 New York City, July 10 1985 (détail) — © Michael Halsband, 2023À la Fondation LOUIS VUITTON
BASQUIAT X WARHOL, À QUATRE MAINS
Du 5 avril au 28 août 2023

En 2018, La Fondation Louis Vuitton présentait l’exposition « Jean-Michel Basquiat » qui remporta un succès considérable, avec près de 700 000 visiteurs.
En 2023, du 5 avril au 28 août, la Fondation poursuit son exploration de l’oeuvre de Jean-Michel Basquiat, révélant cette fois sa collaboration avec Andy Warhol.

De 1984 à 1985, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) et Andy Warhol (1928-1987) réalisent environ 160 toiles ensemble, « à quatre mains », dont certaines parmi les plus grandes de leurs carrières respectives. Témoin de leur amitié et de cette production commune, Keith Haring (1958-1990) parlera d’une « conversation advenant par la peinture, à la place des mots », et de deux esprits fusionnant pour en créer un « troisième, séparé et unique ».

La Fondation Louis Vuitton présente « Basquiat x Warhol, à quatre mains », l’exposition la plus importante jamais consacrée à cette oeuvre singulière. Sous le commissariat de Dieter Buchhart et Anna Karina Hofbauer, en association avec Olivier Michelon, conservateur à la Fondation Louis Vuitton, l’exposition regroupera plus de trois cent oeuvres et documents dont quatre-vingts toiles signées conjointement.

Seront aussi exposées des oeuvres individuelles de chaque artiste, ainsi qu’un ensemble de travaux d’autres personnalités (Michael Halsband, Keith Haring, Jenny Holzer, Kenny Scharf...), afin de restituer la scène artistique du Downtown new-yorkais des années 1980. A noter que des photographies, dont la célèbre série aux gants de boxe réalisée par Michael Halsband pour le poster de l’exposition de Jean-Michel Basquiat et Andy Warhol en 1985 dans la Galerie Tony Shafrazi, enrichiront le parcours.

L’exposition s’ouvre sur une série de portraits croisés, Basquiat par Warhol, Warhol par Basquiat. Elle se poursuit avec les premières collaborations. Initiées par le galeriste des deux artistes, Bruno Bischofberger, ces oeuvres profitent de la participation du peintre italien Francesco Clemente (né en 1952). Après cette quinzaine d’oeuvres à trois, Basquiat et Warhol poursuivent leur collaboration avec enthousiasme et complicité, à un rythme presque quotidien. L’énergie et la force de leurs échanges incessants conduiront les visiteurs tout au long du parcours dans la totalité des galeries de la Fondation rythmé par des oeuvres capitales telles que Ten Punching Bags (Last Supper) ou la toile de 10 mètres African Mask.

Basquiat admire Warhol comme un aîné, un personnage clé du monde de l’art, initiateur d’un langage inédit et d’un rapport original à la culture populaire. En retour, Warhol trouve avec Basquiat un intérêt renouvelé pour la peinture. Avec lui, il se remet à peindre manuellement, à très grande échelle. Les sujets de Warhol (titres de presse, logos de General Electric, de la Paramount, des Jeux Olympiques) servent de structure à de véritables séries qui scandent le parcours.

« Andy commençait la plupart des peintures. Il mettait quelque chose de très reconnaissable, le logo d’une marque, et d’une certaine façon je le défigurais. Ensuite, j’essayais de le faire revenir, je voulais qu’il peigne encore », expliquait Basquiat. « Je dessine d’abord, et ensuite je peins comme Jean-Michel. Je pense que les peintures que nous faisons ensemble sont meilleures quand on ne sait pas qui a fait quoi », estimait Warhol.

L’exposition montre ces allers-retours, un dialogue de styles et de formes qui traite aussi de sujets cruciaux comme l’insertion de la communauté africaine-américaine dans le récit états-unien, un pays dont Warhol a été un des grands fabricants d’icônes.

Crédits : MICHAEL HALSBAND — Andy Warhol & Jean-Michel Basquiat #143 New York City, July 10 1985 (détail) — © Michael Halsband, 2023

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PICASSO. Artiste et modèle – Derniers tableaux
19 février – 1er mai 2023

Pablo Picasso  Le peintre et son modèle, 28.3.1963  Huile sur toile, 130 x 162 cm  Nahmad Collection  © Succession Picasso/2023, ProLitteris, ZurichDans le cadre des commémorations internationales du 50ème anniversaire de la disparition de Pablo Picasso (1881–1973), la Fondation Beyeler présente du 19 février au 1er mai 2023 une sélection concentrée de dix toiles tardives de l’artiste en provenance de la Collection Beyeler, de l’Anthax Collection Marx et d’autres collections privées.

Au cours de la dernière décennie de sa vie, alors qu’il est déjà âgé de plus de 80 ans, l’artiste espagnol poursuit de manière hautement productive son oeuvre audacieux. Avec une énergie irrépressible, au cours de cette ultime période il produit souvent plusieurs oeuvres par jour, faisant preuve d’une saisissante puissance créatrice, comme s’il cherchait à combattre l’âge et la diminution attenante de ses capacités de création artistiques et corporelles. Parmi les nombreux travaux des années 1960 et du début des années 1970 figure un important groupe d’oeuvres dans lesquelles Picasso se consacre au sujet de l’artiste et du modèle. Dans ces oeuvres hautement expressives, il explore d’une part l’image (de soi) de l’artiste et d’autre part l’acte et le processus de création.

Oscillant entre autoportrait, cliché et caricature, certains des tableaux donnent à voir l’artiste en chemise rayée, convoquant ainsi aussi l’image déjà élevée au rang de mythe de Picasso. Cependant, comme une forme de contre-image à son apparence personnelle, il représente souvent l’artiste sous les traits d’un homme barbu. Par ailleurs, Picasso présente le plus souvent l’artiste peignant directement devant le modèle, à l’encontre de sa propre pratique de travail – il peignait toujours de mémoire. Dans cette constellation, le modèle féminin nu, dont la représentation oscille également entre idéalisation et caricature, est exposé au regard de l’artiste. Avec ces oeuvres, la question reste ainsi ouverte de savoir dans quelle mesure Picasso exalte ou ironise sa fixation sur le nu féminin et l’appropriation visuelle du corps féminin. Son impressionnante série d’images du peintre et de son modèle soulève ainsi aussi des questions concernant le traitement personnel et artistique du corps féminin par l’homme et la possibilité de représenter ce corps dans le contexte actuel.

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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
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Patrick Reynolds
 

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