This wonderful example of Jean-Michel Basquiat’s iconic “skull painting” stylings achieved $85 million at a Phillips sale of works from the collection of the billionaire entrepreneur Yusaku Maezawa this past May. The work, which had previously been sold at Christie’s in 2016 for $57.2 million, beat that number to become the third highest price ever achieved by a work from the legendary Neo-Expressionist artist.

Ce merveilleux exemple des styles emblématiques de «peinture de crâne» de Jean-Michel Basquiat a atteint 85 millions de dollars lors d'une vente Phillips d'œuvres de la collection de l'entrepreneur milliardaire Yusaku Maezawa en mai dernier. L'œuvre, qui avait déjà été vendue chez Christie's en 2016 pour 57,2 millions de dollars, a battu ce chiffre pour devenir le troisième prix le plus élevé jamais atteint par une œuvre du légendaire artiste néo-expressionniste.

La peinture religieuse illustre les épisodes « transactionnels » de la Bible (L’adoration des Rois Mages, Le Denier de César, les 30 deniers de Judas, …), et y apparaissent les thèmes de l’avarice, de la charité, du « bon et du mauvais riche » et les injonctions morales (Vanités, memento mori). Dans les pays convertis à la Réforme protestante, à partir du XVIe siècle, se multiplient les représentations de transactions monétaires, du commerce en plein développement et des métiers d’argent.

La naissance de l’impressionnisme représente un basculement historique avec de nouveaux modes économiques qui se dessinent dans le champ du commerce de l’art. C’est en effet à partir de la seconde moitié du XIXe siècle qu’une rupture esthétique avec l’Académie ébranle les liens entre la valeur travail, la valeur d’usage et la valeur d’échange. Une dérégulation de la mainmise de l’État sur l’art au travers de l’Académie s’opère, avec comme résultat une valeur des oeuvres fixée par le jugement critique au détriment des critères académiques.

À partir du XXe siècle, l’artiste ne se contente plus de représenter les thèmes traditionnels liés à l’argent ; il engage une réflexion sur ses mécanismes, dès lors que ces derniers sont immanents à l’oeuvre d’art.

À la Fondation LOUIS VUITTON
BASQUIAT X WARHOL, À QUATRE MAINS
Du 5 avril au 28 août 2023

En 2018, La Fondation Louis Vuitton présentait l’exposition « Jean-Michel Basquiat » qui remporta un succès considérable, avec près de 700 000 visiteurs.
En 2023, du 5 avril au 28 août, la Fondation poursuit son exploration de l’oeuvre de Jean-Michel Basquiat, révélant cette fois sa collaboration avec Andy Warhol.

De 1984 à 1985, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) et Andy Warhol (1928-1987) réalisent environ 160 toiles ensemble, « à quatre mains », dont certaines parmi les plus grandes de leurs carrières respectives. Témoin de leur amitié et de cette production commune, Keith Haring (1958-1990) parlera d’une « conversation advenant par la peinture, à la place des mots », et de deux esprits fusionnant pour en créer un « troisième, séparé et unique ».

La Fondation Louis Vuitton présente « Basquiat x Warhol, à quatre mains », l’exposition la plus importante jamais consacrée à cette oeuvre singulière. Sous le commissariat de Dieter Buchhart et Anna Karina Hofbauer, en association avec Olivier Michelon, conservateur à la Fondation Louis Vuitton, l’exposition regroupera plus de trois cent oeuvres et documents dont quatre-vingts toiles signées conjointement.

Seront aussi exposées des oeuvres individuelles de chaque artiste, ainsi qu’un ensemble de travaux d’autres personnalités (Michael Halsband, Keith Haring, Jenny Holzer, Kenny Scharf...), afin de restituer la scène artistique du Downtown new-yorkais des années 1980. A noter que des photographies, dont la célèbre série aux gants de boxe réalisée par Michael Halsband pour le poster de l’exposition de Jean-Michel Basquiat et Andy Warhol en 1985 dans la Galerie Tony Shafrazi, enrichiront le parcours.

L’exposition s’ouvre sur une série de portraits croisés, Basquiat par Warhol, Warhol par Basquiat. Elle se poursuit avec les premières collaborations. Initiées par le galeriste des deux artistes, Bruno Bischofberger, ces oeuvres profitent de la participation du peintre italien Francesco Clemente (né en 1952). Après cette quinzaine d’oeuvres à trois, Basquiat et Warhol poursuivent leur collaboration avec enthousiasme et complicité, à un rythme presque quotidien. L’énergie et la force de leurs échanges incessants conduiront les visiteurs tout au long du parcours dans la totalité des galeries de la Fondation rythmé par des oeuvres capitales telles que Ten Punching Bags (Last Supper) ou la toile de 10 mètres African Mask.

Basquiat admire Warhol comme un aîné, un personnage clé du monde de l’art, initiateur d’un langage inédit et d’un rapport original à la culture populaire. En retour, Warhol trouve avec Basquiat un intérêt renouvelé pour la peinture. Avec lui, il se remet à peindre manuellement, à très grande échelle. Les sujets de Warhol (titres de presse, logos de General Electric, de la Paramount, des Jeux Olympiques) servent de structure à de véritables séries qui scandent le parcours.

« Andy commençait la plupart des peintures. Il mettait quelque chose de très reconnaissable, le logo d’une marque, et d’une certaine façon je le défigurais. Ensuite, j’essayais de le faire revenir, je voulais qu’il peigne encore », expliquait Basquiat. « Je dessine d’abord, et ensuite je peins comme Jean-Michel. Je pense que les peintures que nous faisons ensemble sont meilleures quand on ne sait pas qui a fait quoi », estimait Warhol.

L’exposition montre ces allers-retours, un dialogue de styles et de formes qui traite aussi de sujets cruciaux comme l’insertion de la communauté africaine-américaine dans le récit états-unien, un pays dont Warhol a été un des grands fabricants d’icônes.

Crédits : MICHAEL HALSBAND — Andy Warhol & Jean-Michel Basquiat #143 New York City, July 10 1985 (détail) — © Michael Halsband, 2023

PICASSO. Artiste et modèle – Derniers tableaux
19 février – 1er mai 2023

Dans le cadre des commémorations internationales du 50ème anniversaire de la disparition de Pablo Picasso (1881–1973), la Fondation Beyeler présente du 19 février au 1er mai 2023 une sélection concentrée de dix toiles tardives de l’artiste en provenance de la Collection Beyeler, de l’Anthax Collection Marx et d’autres collections privées.

Au cours de la dernière décennie de sa vie, alors qu’il est déjà âgé de plus de 80 ans, l’artiste espagnol poursuit de manière hautement productive son oeuvre audacieux. Avec une énergie irrépressible, au cours de cette ultime période il produit souvent plusieurs oeuvres par jour, faisant preuve d’une saisissante puissance créatrice, comme s’il cherchait à combattre l’âge et la diminution attenante de ses capacités de création artistiques et corporelles. Parmi les nombreux travaux des années 1960 et du début des années 1970 figure un important groupe d’oeuvres dans lesquelles Picasso se consacre au sujet de l’artiste et du modèle. Dans ces oeuvres hautement expressives, il explore d’une part l’image (de soi) de l’artiste et d’autre part l’acte et le processus de création.

Oscillant entre autoportrait, cliché et caricature, certains des tableaux donnent à voir l’artiste en chemise rayée, convoquant ainsi aussi l’image déjà élevée au rang de mythe de Picasso. Cependant, comme une forme de contre-image à son apparence personnelle, il représente souvent l’artiste sous les traits d’un homme barbu. Par ailleurs, Picasso présente le plus souvent l’artiste peignant directement devant le modèle, à l’encontre de sa propre pratique de travail – il peignait toujours de mémoire. Dans cette constellation, le modèle féminin nu, dont la représentation oscille également entre idéalisation et caricature, est exposé au regard de l’artiste. Avec ces oeuvres, la question reste ainsi ouverte de savoir dans quelle mesure Picasso exalte ou ironise sa fixation sur le nu féminin et l’appropriation visuelle du corps féminin. Son impressionnante série d’images du peintre et de son modèle soulève ainsi aussi des questions concernant le traitement personnel et artistique du corps féminin par l’homme et la possibilité de représenter ce corps dans le contexte actuel.

Jean Paul Riopelle, Tyuk, 1971, Acrylique sur lithographies marouflées sur toile, collection privée

Exposition du 1^er juillet au 5 novembre 2023
Dans le cadre de « Riopelle 100 »,
année du centenaire de la naissance de l'artiste
Commissaire invitée : Yseult Riopelle

Quand il arrive à Paris en 1947, Riopelle découvre le travail d'artistes internationaux tous avides comme lui de liberté et d'expérimentation. Rapidement, ses œuvres sont exposées à Paris, Londres, New York, Ottawa, Montréal et Québec. En 1962, Riopelle représente le Canada à la Biennale de Venise et reçoit un des trois prix de l'UNESCO. Dès lors, sa renommée internationale est immense pour un artiste aussi jeune. Pendant quarante ans, entre ses ateliers au Québec, à Paris, Vétheuil, Meudon, Saint-Cyr-en-Arthies, ou dans le Sud de la France et son retour au Canada en 1990, Riopelle, toujours débordant d'idées et ouvert à toutes les techniques, s'avérera un artiste unique.

Après deux expositions monographiques consacrées à Riopelle en 1970 et 1990, la Fondation Maeght propose avec « Jean Paul Riopelle - Parfums d'ateliers » une approche nouvelle, un voyage au cœur des œuvres de l'artiste, réalisées au sein des différents ateliers qu'il occupa des deux côtés de l'Atlantique. L'exposition présentera ainsi plus de 180 œuvres de Riopelle, des travaux phares aussi bien qu'inédits, proposant un cheminement à travers les techniques utilisées par l'artiste.

Voici l'audience du site le-musee-prive.com entre le 06 / 02 / 2023 et le 12 / 02 / 2023 , en détail ci-dessus avec le nombre de visiteurs uniques chaque jour et le nombre de pages vues chaque jour :

Here is the audience of the le-musee-prive.com site between 06 / 02 / 2023 and 12 / 02 / 2023, in detail above with the number of unique visitors each day and the number of page views each day:

Aquí está la audiencia del sitio le-musee-prive.com entre el 06 / 02 / 2023 y el 12 / 02 / 2023, en detalle arriba con el número de visitantes únicos cada día y el número de visitas a la página cada día:

Cette audience correspond  à un nombre de visiteurs supérieur à 850.000 par mois dont 53% d'américains

This audience corresponds to more than 850,000 visitors a month, 53% of whom are American

Audience of le-musee-prive.com / Number of visitors for 1 year : 10.200.000 visitors  (850.000 visitors per month) (53% from USA) & 13.000.000 pages visited in 1 year

A titre de comparaison et d'information , Le Musée du LOUVRE à été visité par 26301 personnes par jour en 2019

For comparison and information, The LOUVRE Museum was visited by 26,301 persons per day in 2019

John Levee un des Principaux artistes de l'expressionnisme abstrait

Source WIKIPEDIA  https://fr.wikipedia.org/wiki/Expressionnisme_abstrait

Peintres

• Mary Abbott (en) (1921-2019)
• Bernice Bing (1936-1998)
• James-Jacques Brown (1918-1991)
• Hans E. Deutsch (1927-2014)
• Sam Francis (1923-1994)
• Jane Frank (1918-1986)
• Helen Frankenthaler (1928-2011)
• Sonia Gechtoff (1926-2018)
• Arshile Gorky (1904-1948)
• Adolph Gottlieb (1903-1974)
• Jacques Grinberg (1941-2011)
• Philip Guston (1913-1980)
• Elaine Hamilton (1920-2010)
• Hans Hofmann (1880-1966))
• Laurent Jiménez-Balaguer (1928-2015)
• Franz Kline (1910-1962)
• Willem de Kooning (1904-1997)
• Elaine de Kooning (1918-1989)
• Lee Krasner (1908-1984)
• Knox Martin (1923-)
• Giuseppe Napoli (1929-1967)
• John Levee (1924-2017)
• Joan Mitchell (1925-1992)
• Antoine Mortier (1908-1999)
• Robert Motherwell (1915-1991)
• Barnett Newman (1905-1970)
• Perle Fine (en) (1905-1988)
• Jackson Pollock (1912-1956)
• Richard Pousette-Dart (1916-1992)
• Robert Rauschenberg (1925-2008)
• Milton Resnick (1917-2004)
• Jean-Paul Riopelle (1929-2002)
• Mark Rothko (1903-1970)
• Anne Ryan (1889-1954)
• Clyfford Still (1904-1980)
• Waldemar Smolarek (1937-2010)
• Augustus Vincent Tack (en) (1870-1949)
• Bradley Walker Tomlin (1899-1953)
• Louis Van Lint (1909-1986)
• Corinne Michelle West (1908-1991)

Sculpteurs

• David Smith (1906-1965)
• Richard Stankiewicz (1922-1983)
• Mark di Suvero (1933)
• Louise Nevelson (1899-1988)

Photographes

• Aaron Siskind (1903-1991)
• Pedro M Cabral (1955)

En vente exceptionnel ensemble de dessins de Bertrand MOGNIAT DUCLOS (1903-1987) peintre de l'Ecole de Paris

Lien vers la Biographie de Bertrand MOGNIAT DUCLOS

Né à SEDAN dans les Ardennes le 24 Août 1903, il a passé ses premières années à Claix où sa famille possédait une très belle demeure, décédé à PARIS en 1987.

Son atelier se trouvait à Montparnasse au 72 rue Notre Dame des Champs PARIS VIème.

Selon la classification retenue dans le livre "LES COMTEMPORAINS" par René HUYGHE ( Ecrivain, Académicien, conservateur du Musée du Louvre, Conservateur du Musée de Washington) en 1949 aux Editions Pierre TISNE, l’œuvre de MOGNIAT DUCLOS s'inscrit au point de rencontre de l'expressionnisme du début du siècle avec la nouvelle génération LE FAUCONNIER, GROMAIRE et LA PATELLIERE et du retour au Réel illustré par: BOUCHE, DUNOYER DE SEGONZAC, BOUSSAINGAULT, WAROQUIER, DUFRESNE CERIA, COUBINE, MOREAU et FOUJITA. et de la Nouvelle Subjectivité où l'on retrouve LA PATELLIERE, GROMAIRE, LE FAUCONNIER avec GOERG, CHAGALL, LURCAT.

Mogniat-Duclos (1903-1987) dessin 45,5 x 28,5 cm
signé du cachet en bas au centre
PRIX : 150 EUR  - Comment acheter 

Vue d’installation de l’exposition “Rétrospective Joan Mitchell”
© The Estate of Joan Mitchell
© Fondation Louis Vuitton / Marc Domage

Vue d’installation de l’exposition “Le dialogue Claude Monet – Joan Mitchell”
© The Estate of Joan Mitchell
© Fondation Louis Vuitton / Marc Domage

MONET - MITCHELL
Du 5 octobre 2022 au 27 février 2023
L’exposition « Monet - Mitchell » constitue l’événement de l’automne 2022 à la Fondation Louis Vuitton.
Pour la première fois, l’exposition « Monet -Mitchell » met en scène un dialogue sensible entre les œuvres de deux artistes exceptionnels, Claude Monet (1840-1926) avec les Nymphéas et Joan Mitchell (1925-1992), qui marquèrent de leur empreinte non seulement leur temps mais des générations de peintres.
L’exposition « Monet - Mitchell » est complétée d’une rétrospective sur Joan Mitchell qui permettra la découverte de son œuvre par le public français et européen.
« Monet - Mitchell » et la « Rétrospective Joan Mitchell » donnent à voir leurs sensations singulières face au paysage et à la nature, exprimées dans des formats souvent immersifs.
Le dernier Monet, celui des Nymphéas, restitue à l’atelier désormais, la persistance visuelle de motifs longuement observés devant les nymphéas de Giverny ; Joan Mitchell qui s’installe définitivement à Vétheuil en 1968, explore ses « feelings » - perceptions vives par-delà l’espace et le temps - à travers le filtre de ses mémoires croisées.

DIALOGUE MONET - MITCHELL
Galerie 4 à Galerie 11
Cet automne 2022, la Fondation Louis Vuitton, a le privilège d’annoncer le partenariat avec le Musée Marmottan Monet pour l’exposition « Monet - Mitchell », consacrée au dialogue entre la dernière période de Claude Monet (1914-1926), les Nymphéas, et l’œuvre de l’artiste américaine Joan Mitchell. Unique par son ampleur et sa force poétique, l’exposition « Monet - Mitchell » est présentée à la Fondation Louis Vuitton du 5 octobre 2022 au 27 février 2023 dans sept galeries, du rez-de-chaussée à tous les niveaux supérieurs, en écho à une rétrospective, permettant de découvrir l’œuvre de Joan Mitchell, présentée, quant à elle, en rez-de-bassin, dans la partie basse du bâtiment
de Les Nymphéas de Claude Monet trouvent une consécration dès les années 1950 aux États-Unis, où ils sont perçus comme précurseurs de l’abstraction par les peintres de l’Expressionnisme abstrait.
Après André Masson, Clément Greenberg, le célèbre critique américain, prend position pour défendre leur modernité : « Le principe que [Monet] a finalement trouvé (...) est plus large : il ne résidait pas dans la nature comme il pensait, mais dans l’essence même de l’art, dans sa faculté d’ « abstraction »1. Dans ce contexte du « Monet Revival », Mitchell participe en 1957 et 1958 à des expositions consacrées à la notion d’ « impressionnisme abstrait », terme inventé par son amie Elaine de Kooning. Le rapprochement des deux artistes est affermi par l’installation de Joan Mitchell en 1968, à Vétheuil, dans une propriété, proche de celle où vécut Monet de 1878 à 1881. L’artiste a toutefois revendiqué une totale indépendance artistique.

Dans les années 80 j’ai été responsable des grands comptes sur Paris où j’ai lancé la marque des Parfums Van Cleef et Arpels  puis pendant plusieurs années directeur des ventes sur l’Angleterre pour ce merveilleux Parfum qui appartenait à SANOFI à cette époque et qui a connu un succès mondial grâce à son positionnement élitiste. FIRST de Van Cleef et Arpels a connu très vite un succès grâce à l’exigence extrême de qualité du groupe SANOFI pour lequel j'ai conservé toute mon admiration, et au positionnement élitiste de la distribution choisie par les dirigeants de l’époque. SANOFI est pour moi l'incarnation de la créativité, de l'inovation et de la culture.

SANOFI à cette époque était également propriétaire de Roger et Gallet, les Parfums Molyneux, des produits de beauté Stendhal

Quand j’ai créé la société LE MUSEE PRIVE puis le magazine en ligne https://www.le-musee-prive.com/  j’ai appliqué les mêmes méthodes élitistes que Van Cleef et Arpels pour le choix des artistes, des galeries, des musées et des commissaires-priseurs et tous les intervenants du monde de l’art.

Aujourd’hui le site https://www.le-musee-prive.com/ compte 600.000 visiteurs au minimum par mois dont 53 % d’américains (certains jours 50.000 personnes visitent le site) – Nous devrions atteindre 1.000.000 de visiteurs par mois d’ici la fin de l’année.

J’ai 76 ans, le temps est venu pour moi de trouver une importante entreprise ou une personnalité du monde des affaires à laquelle mes associés et moi cèderions une partie du capital de la société afin de créer une équipe pour passer à l’échelon supérieur. Il faut assurer la pérennité de notre magazine car tous les articles publiés restent sur le site créant ainsi une magnifique histoire de l’art en mouvement. Dans 100 ans on regardera les articles que nous publions aujourd'hui, mon ambition est de rendre LE MUSEE PRIVE immortel grâce à un nouveau partenaire ayant la même philosophie que nous. Par notre ouverture à un grand groupe nous allons créer une des plus belles aventures humaines du XXIème siècle qui pourrait générer beaucoup de bonheur.

Nous recherchons une régie Publicitaire afin de confier la recherche d’annonceurs publicitaires afin de générer des revenus.

Une des missions de l’équipe sera la publication d’articles payants pour les intervenants du marché de l’art.

Le Musée Privé est un magazine d’art en ligne véritable Musée en ligne accrédité par les plus grands Musées du monde entier  qui figurent dans la rubrique MUSEES  et les plus grandes Galeries internationales et françaises

Rubrique GALERIES EXPOS

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Je vous remercie de votre attention

Patrick Reynolds