« Mirages du monde »

La Malmaison, Cannes
17 juillet 2026 - 8 novembre 2026

La Malmaison (Cannes) | Cannes Tourisme

Émergence d'un langage

Hashimoto Contemporary is pleased to present Untethered, a solo exhibition by Toronto-based artist Erin Armstrong. In her inaugural NYC solo exhibition, the artist presents a series of paintings and drawings that explore the quiet, disorienting experience of feeling unmoored; physically, emotionally, and psychologically.
Together, the works in Untethered inhabit a contemplative space between land and water, presence and disappearance, control and surrender. Armstrong invites viewers to consider what it means to remain both conscious and human within a moment that feels increasingly unstable.

 Robert Combas L'état de mes choses 

27 mars - 30 mai 2026

Galerie Ceysson & Bénétière Wandhaff

De la Belgique, où elle fait ses premières armes chez Pascal Polar, à Paris, où elle collabore avec des figures majeures du marché de l’art chez Pierre Bergé & Associés, Daniel Templon et l’agence Sylvia Beder, Annabelle Audren affine son regard et son expertise. Son passage à la Fondation CAB, entre 2022 et 2024, marque une étape clé : elle y orchestre des expositions majeures, de la collection Hubert Bonnet aux œuvres d’Edith Dekyndt, Muller Van Severen et Ann Veronica Janssens. Elle conçoit également l'exposition hivernale en mettant en valeur les œuvres du fonds permanent de la Fondation.

Désireuse de propulser la visibilité de la Fondation, elle initie des partenariats stratégiques avec des acteurs clés de l'art contemporain dans le sud et développe une programmation parallèle d'expositions design, en écho à la ligne artistique principale de la Fondation. L'exposition Andree Putman, conçue en collaboration avec la Villa Noailles, illustre cette volonté de décloisonner les disciplines et d'inscrire la Fondation dans une dynamique pluridisciplinaire.

Forte d’une approche sur-mesure, elle imagine et conçoit des visites guidées exclusives, offrant des analyses pointues et personnalisées pour des institutions, groupes d’amis et mécènes de musées, ainsi que pour des comités d’entreprise.

Du 23 octobre au 20 décembre 2025

Pendant l'été 1997 on revient de la plage avec les enfants, une affiche annonce l'exposition Vasarely au château de Noirmoutier. Je dis vous allez voir ce sont des peintures hypnotiques, elles font super mal aux yeux, vous allez voir c'est génial. Mais dans l'expo, surprise, les tableaux ressemblent à des tableaux abstraits, genre comme à la maison. Légère déception des enfants. Alors que les parents, déçus en bien, découvrent le Vasarely d'avant l'art optique. C'est mon premier rendez-vous avec Victor.
En effet, dans les années 50 Vasarely est un peintre abstrait qui admire Magnelli et Herbin. Il observe les galets à Belle-Isle, les craquelures sur les carrelages du métro à Denfert, les lumières découpant les volumes cubiques d'un village méridional. Et il en tire trois cycles picturaux : Belle-Isle, Gordes-Cristal, Denfert. Trois séries qui parfois se croisent, se frôlent ou se mélangent. Dans les tableaux de cette période, les plages de couleurs en à-plat construisent une géométrie de formes anguleuses ou courbes : cloisonnées, empilées, imbriquées, parfois labyrinthiques. Sa pensée de la couleur est à l'opposé des couleurs théoriques des héros de l'abstraction, elle est loin de la couleur atmosphérique ou des gammes décoratives. C'est une couleur bien à lui, qui en impose par sa présence. Belle, bizarre, elle parle d'une voix grave, un peu assourdie. Elle improvise des accords improbables, provoque des voisinages inhabituels. Sans fragilité, comme entraînée aux arts martiaux, c'est une couleur qui aurait assimilé la force du contraste noir et blanc : noir contre jaune lumière, jaune moutarde, jaunes dorés. Noirs contre violines mauvais genre, roses louches, verts-outrances. Noir contre tons de terre, rouge à lèvres, orangés lumineux.

image : Pierre Mabille, Reprise Garam 2 (B), 2025, acrylique sur toile, 60 x 40 cm

Nouvelle adresse de Benjamin SEBBAN GALLERY

BENJAMIN SEBBAN GALLERY Carrer Docteur NECQUI N°10 Andorre La Vieille PRINCIPAUTE D'ANDORRE

+33 787 400 500

BENJAMÍNSEBBAN

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 Currents of Modernism |

Yakov Chernikhov (1889–1951), creating some 17,000 drawings throughout his life, remains one of the most prolific Ukranian artists and architects working in the Russian empire during the modernist period. Although often neglected in modernist histories, Ukrainian art flourished alongside more canonized art centers during the interwar years. Propelled by relaxed censorship following the 1905 Revolution and important exhibitions such as Kyiv's Lanka (1908), Ukrainian modernism in many ways predated Western Europe's widespread acceptance of the avant-garde following World War I. 

Born in Pavlograd, Ukraine, Chernikhov studied at the Odesa Arts Institute under Kiriak Kostandi and Genradii Ladyzhensky, later continuing his education at the Imperial Academy of Arts in St. Petersburg. It was there that Chernikhov developed a deep fascination with avant-garde movements such as Futurism, Constructivism, and Suprematism, which would influence his approach to both architecture and art.

Born in Pavlograd, Ukraine, Chernikhov studied at the Odesa Arts Institute under Kiriak Kostandi and Genradii Ladyzhensky, later continuing his education at the Imperial Academy of Arts in St. Petersburg. It was there that Chernikhov developed a deep fascination with avant-garde movements such as Futurism, Constructivism, and Suprematism, which would influence his approach to both architecture and art.

Image : Yakov Chernikhov, Untitled (from the series Aristografiya), mid 1920s. Gouache and ink on paper

In 1925, after graduating, Chernikhov founded his Experimental Laboratory of Architectural Forms and Methods of Graphic Art, where he taught and mentored students as an "artist-architect." His philosophy championed creative freedom, experimental design, and independent thinking – ideals that often put him at odds with the increasingly repressive Stalinist regime, which in 1934 officially declared socialist realism as the only acceptable art form. 

image : Yakov Chernikhov, Untitled (from the series Aristografiya), mid 1920s. Gouache and ink on paper.

STANLEY WHITNEY

Return to the Garden

October 2, 2025–January 17, 2026
Athens

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Gagosian is pleased to present Return to the Garden, an exhibition of new and recent paintings by Stanley Whitney, opening at the Athens gallery on October 2, 2025. This is Whitney’s first exhibition in Greece since his participation in Documenta 14 in 2017.

The exhibition’s title, Return to the Garden, evokes themes of arcadian innocence and harmony with nature. Unencumbered by preconceived subjects or narrative elements, these vibrant abstractions offer viewers the opportunity to engage with a heightened awareness of color and perception.

Whitney asserts the power of color through loose grids of roughly rectangular shapes, creating compositions of three or four rows separated by horizontal bands that traverse the canvas. Characterized by active brushwork, layered pigment, and jostling borders, each field is defined in relation to its neighbors and to each painting as a whole. In some works, he repeats variations of the same hues either between multiple blocks or extended across their lateral bands, establishing myriad formal connections and contrasts.

By sustaining this format, Whitney has developed a compositional framework from which to produce individual canvases full of unexpected, energetic harmonies between vivid colors and fluid gestures. Influenced by traditions including Abstract Expressionism and quiltmaking, his paintings additionally parallel the polyphonies and syncopation of jazz, forming compelling expressions of creativity and freedom.

Whitney also admires ancient Greek vase painting, particularly of the preclassical Geometric and Archaic eras (c. 900–500 BCE). Painted by hand and divided into banded registers, the abstract linear patterns of these early vases underly the compositions of later, more figurative styles. In looking to such ancient sources when developing his stacked compositions, Whitney draws upon an interest in archaic forms that similarly motivated both the Abstract Expressionists and earlier modernists.

IMAGE : Stanley Whitney On the Street Where You Live Oil on linen 60 x 60 inches (152.4 x 152.4 cm) © Stanley Whitney Photo: Owen Conway Courtesy Gagosian

Cette année, pour sa deuxième participation à FAB Paris, qui se tiendra au Grand Palais du 20 au 24 septembre 2025, la Galerie Jean-François Cazeau (stand C21) proposera un accrochage principalement axé sur le Nouveau Réalisme (mouvement actuellement mis à l'honneur dans l'exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten présentée jusqu'au 4 janvier 2026 au Grand Palais), tout en restant fidèle à l'éclectisme qui la caractérise. Les visiteurs pourront ainsi également découvrir des œuvres du Surréalisme et de l'abstraction d'après-guerre, ainsi que des maîtres chinois du XXe siècle, dont notamment une gouache sur papier de très grand format de Chu Teh-Chun, l'une des œuvres phares du stand.

Le travail de Niki de Saint Phalle, artiste politiquement engagée qui chercha toujours à gommer les frontières entre l'art et la vie, à ce que ses œuvres s'intègrent naturellement dans nos espaces quotidiens, sera mis en exergue à travers une sélection de ses sculptures-mobilier, de ses luminaires, ou encore de ses célèbres Nanas. Des pièces des autres membres du groupe des Nouveaux Réalistes - véritable avant-garde impulsée par Pierre Restany - ne manqueront pas dans l'accrochage : gouaches de Jean Tinguely (mari de Niki de Saint Phalle), éditions d'Yves Klein rendues dans son fameux IKB, fers soudés de César (œuvres uniques), peinture en relief des années '60 de Martial Raysse...

La galerie restant toujours fidèle à son penchant pour le Surréalisme et pour l'abstraction d'après-guerre, elle présentera également des toiles et sculptures des années '30 d'André Masson, ainsi que des gouaches de Pierre Soulages.

Mais l'une des œuvres phares dévoilée cette année par la galerie sera une gouache sur papier de très grand format de l'artiste chinois Chu Teh-Chun, de 260 cm de hauteur (260 x 150 cm), issue d'une performance de mars 1988 durant laquelle l'artiste peignit pour une audience accompagnée par le piano d'Alain Kremski et par des textes récités par Jean-Loup Philippe, acteur et metteur en scène de l'événement. D'autres œuvres de Chu Teh-Chun ainsi que de Zao Wou-Ki et T'ang Haywen viendront compléter ce petit focus sur ce trio d'artistes chinois de l'École de Paris d'après-guerre. 

IMAGE : Chu Teh-Chun, Sans titre, 1988 - Gouache sur papier, 260 x 150 cm
© ADAGP, Paris, 2025 - Courtesy Galerie Jean-François Cazeau, Paris

La Galerie Jean-François Cazeau a ouvert ses portes samedi 6 septembre 
Prochains événements de la 
RENTRÉE 2025 : 
FAB 2025 Fine Arts La Biennale au Grand Palais à Paris 20 - 24 septembre 2025 -

Galerie Jean-François Cazeau

Niki de Saint Phalle (1930-2002), La Conversation, 1991, résine peinte et laquée 

Cette année, pour sa deuxième participation FAB Paris, qui se tiendra au Grand Palais du 20 au 24 septembre 2025, la Galerie Jean-François Cazeau (stand C21) proposera un accrochage principalement axé sur le Nouveau Réalisme (mouvement actuellement mis l'honneur dans l'exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten présentée jusqu'au 4 janvier 2026 au Grand Palais), tout en restant fidèle à l'éclectisme qui la caractérise.
Le travail de Niki de Saint Phalle, artiste politiquement engagée qui chercha toujours gommer les frontières entre l'art et la vie, à ce que ses œuvres s'intègrent naturellement dans nos espaces quotidiens, sera mis en exergue travers une sélection de ses sculptures-mobilier, de ses luminaires, ou encore de ses célèbres Nanas. Des pièces des autres membres du groupe des Nouveaux Réalistes - véritable avant-garde impulsée par Pierre Restany - ne manqueront pas dans l'accrochage : gouaches de Jean Tinguely (mari de Niki de Saint Phalle), éditions d'Yves Klein rendues dans son fameux IKB, fers soudés de César (œuvres uniques), peinture en relief des années '60 de Martial Raysse...

This year, for its second participation in FAB Paris, which will be held at the Grand Palais from 20 to 24 September 2025, the Galerie Jean-François Cazeau (stand C21) will present an exhibition focusing mainly on the Nouveau Réalisme (a movement currently honoured in the exhibition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten, on display until 4 January 2026 at the Grand Palais), while remaining true to its characteristic eclecticism. 
The work of Niki de Saint Phalle, a politically engaged artist who always sought to blur the boundaries between art and life, ensuring that her works fit naturally into our everyday spaces, will be highlighted through a selection of her sculpture-furniture, lighting fixtures, and her famous Nanas. Pieces by other members of the Nouveaux Réalistes group – a true avant-garde movement spearheaded by Pierre Restany – will also feature in the exhibition: gouaches by Jean Tinguely (Niki de Saint Phalle's husband), editions by Yves Klein rendered in his famous IKB, welded iron works by César (unique pieces), relief paintings from the 1960s by Martial Raysse, and more. 

For Jeff Koons's biographical information and exhibition history, 

 https://gagosian.com

Commanderie Sainte-Luce
07.07.2025 - 21.09.2025

À cette occasion, la galerie vous invite à une visite de l'exposition en présence de l'artiste, le mercredi 9 juillet à 16h.
Pour y participer, veuillez réserver en cliquant sur le bouton RSVP ci-dessous (le badge des Rencontres d'Arles sera exigé à l'entrée).

L'exposition d'Agnès Geoffray réunit des œuvres photographiques et textuelles inédites issues d'une recherche menée avec Vanessa Desclaux, curatrice de l'exposition, autour des archives des « écoles de préservation » pour jeunes filles en France (XIXe–XXe siècles). Ces institutions accueillaient des mineures placées pour des comportements jugés transgressifs. 
En dialogue avec des documents d'archives, les œuvres d'Agnès Geoffray donnent corps aux gestes de résistance, de fuite ou de révolte, et invitent à repenser les existences marginalisées de ces jeunes filles dont les corps ont subi l'emprise sanitaire, morale et éducative d'une entreprise carcérale qui ne disait pas son nom.

Hur Kyung-Ae

Vifs Éclats Exposition personnelle

Galerie Françoise Livinec

30 rue de Penthièvre, 8e Paris  -  www.francoiselivinec.com

Vernissage le jeudi 15 mai à partir de 18h

En présence de l’artiste Exposition du 16 mai au 28 juin 2025

À l’occasion de son entrée dans les collections du Musée Cernuschi, la galerie consacre une troisième exposition personnelle à l’artiste sud-coréenne Hur Kyung-Ae.

L’artiste dévoilera pour la première fois sa nouvelle série Pluies, aux côtés d’un ensemble de toiles retraçant les grandes étapes de son parcours. Formée en arts visuels à l’Université nationale de Chon-Nam puis à l’Université Sung-Shin en Corée, Hur Kyung-Ae poursuit son chemin artistique en France, où elle intègre l’École nationale supérieure d’art de Paris-Cergy en 2003, portée par son attachement à la langue et à la culture françaises.

  Née en 1977 à Gwangju, elle grandit dans un climat de tension et de répression, marqué par le massacre de Gwangju en 1980, survenu à la suite d’un soulèvement étudiant. La violence de cet épisode pousse sa famille à vivre dans l’ombre et le silence. Ce traumatisme, à la fois familial et collectif, marque durablement son imaginaire. Enfant, elle oppose à cette noirceur la vivacité des couleurs, devenues par la suite l’un des fondements de son travail plastique.

Cette même couleur est soumise à un protocole rigoureux qu’elle développe dès ses premières années en France. Elle applique sur la toile plusieurs couches de peinture acrylique, puis en altère la surface – par grattage à l’aide d’un couteau, ou parfois par déchirure – pour faire émerger une autre forme d’expression, souvent prolongée dans d’autres médiums comme l’installation ou la sculpture. Ses œuvres ne cherchent pas à représenter le réel : elles relèvent d’un processus d’accumulation et de soustraction, où la matière devient langage.

Avec Pluies, Hur Kyung-Ae amorce un tournant. Sa palette s’adoucit, son approche picturale gagne en retenue. À l’aube de ses cinquante ans, l’artiste tempère son geste au profit d’une pratique plus méditative.

9 avril - 31 août 2025 Fondation Louis Vuitton, Paris

Au printemps 2025, du 9 avril au 31 août, la Fondation invite David Hockney, l'un des artistes les plus influents des XXᵉ et XXIᵉ siècles.

Bigger Trees nearer Warter, Winter, 2008

Sarah Sze

March 25–May 3, 2025
Hong Kong

Opening reception: Tuesday, March 25, 6–8pm
March 25–May 3, 2025
7/F Pedder Building, 12 Pedder Street, Central, Hong Kong

Sarah Sze's first solo exhibition in Asia features new large-scale mixed-media paintings alongside a new series of hanging sculptures.

Gagosian is pleased to announce Sarah Sze’s first solo exhibition in Asia, and her sixth with the gallery, opening in Hong Kong on March 25, 2025. The exhibition features new large-scale mixed-media paintings alongside a new series of hanging sculptures.

In her latest exhibition, Sze explores how we make meaning from the never-ending stream of images that saturate contemporary life. Woven together from elements of her visual vocabulary—a bird, a wolf, a hand, a sunset—Sze’s new works destabilize the boundary between two and three dimensions, as imagery repeats across media, flowing from painting to sculpture and back again. Through this pictorial call-and-response, Sze prompts meditations on time, memory, and perception.

Sze continues to develop her unique approach to painting as an image-making system in this exhibition. In a method that is at once recursive and generative, she uses elements of past paintings as a starting point, layering gestural brushstrokes, colored tape, torn paper with printed images, and other elements into compositions that confuse the digital and the analog, the tactile and the immaterial. In Rip Tide (2025), a collaged image of a bird soars over a vibrant sweep of pink, orange, and gold paint echoing a flock of birds ascending toward the painting’s upper register. Sze’s striking compositional methods allow recurrent imagery to appear and disappear, evolve and disintegrate—always existing in a state of flux, much like memory itself.

I offer you this work by Sam Francis, a great artist of the action painting movement.

Né en 1923 en Californie, Sam Francis est un représentant de l'expressionnisme abstrait américain, et de l'Action Painting. Ce mouvement relève d'une création picturale issue d'une gestuelle spontanée et immédiate.

 Aviateur pendant la Seconde Guerre mondiale, Sam Francis est blessé lors d'un accident d'avion et commence à peindre durant sa convalescence. Par la suite, il s'inscrit à l'École des Beaux-Arts de Berkeley, puis suit les cours de l'artiste Clyfford Still. Il lui fait découvrir l'importance de simplifier les formes et d'explorer la couleur, afin de s'affranchir de toute forme d'art figuratif.

En 1949 Sam Francis s'installe à Paris et fréquente l'Académie Fernand Leger. Il rencontre le critique d'art Pierre Schneider et les artistes :  Henri Matisse,  Al Held, Joan Mitchell et Jean- Paul Riopelle.

De retour aux Etats Unis son intérêt pour la représentation de la lumière le conduise à explorer le dripping, une technique initiée par l'artiste Jackson Pollock. Par la suite, sa rencontre avec Mark Rothko le poussera à explorer la couleur et la décomposition des figures par la technique de la dissolution.

En 1957 un voyage à Tokyo enrichi ses recherches picturales  qui le  pousseront à développer un travail vertical qui rappelle le format des  kakemono et une simplification des formes évoluant dans l'espace.

Ses oeuvres seront représentées à partir de 1956 par la Martha Jackson Gallery à New York, 1964 par la Galerie Fournier à Paris, 1965 par la Galerie Beyeler à Bale et dans de nombreuses collections privées et publiques telles que le Centre Pompidou à Paris, La Tate Gallery à Londres, Le Solomon R. Guggenheim Muséum à New York, le Moma à New York, Le Tel Aviv Muséum of Art en Israel ou le Tokyo Fuji Muséum au Japon. 

L'œuvre de Sam Francis a laissé une empreinte durable dans le monde de l'art, tant par sa maîtrise technique que par son exploration de la couleur, du geste et de l'expression émotionnelle. Son approche innovante de la peinture non figurative continue d'inspirer et de captiver les amateurs d'art du monde entier

REF photo : 

Sam Francis (1923 - 1994) Sans titre ( SF63-046)

acrylique sur papier de 1963 signée, datée et située à Los Angeles au dos 90x63 cm