Anna Weyant Gagosian GalleryAnna Weyant Biography

Born in 1995 in Calgary, Alberta, Canada, she is one of the most talented artists of her generation - Thanks to Larry Gagosian, great talent discoverer she is taking an important place among the great creators of our time.

Lives and works in New York, NY.    -   https://gagosian.com/

About Anna Weyant

The hapless subjects of Anna Weyant’s indelible paintings and drawings are recurrently tested by everyday circumstances, weathering what the artist has described as “low-stakes trauma.” In these precisely rendered scenes, figures—most often young and female—find themselves embroiled in tragicomic narratives with an ironic twinge, offering a dreamlike insight into the capacity of popular culture and social convention to manufacture and distort gestures, rituals, and signifiers of femininity. But far from presenting her protagonists as merely symbolic, Weyant remains sensitive to their human idiosyncrasies and contradictions, picturing characters who are endearing, mysterious, and wholly themselves. In her crystalline still-life compositions, meanwhile, everyday objects adopt an uncanny, portentous air.

Weyant was born in Calgary, Canada, in 1995. After earning a BFA in painting from the Rhode Island School of Design, she relocated to New York, then studied painting at the China Academy of Art in Hangzhou. Moving back to New York, she worked as a studio assistant while pursuing her own practice. Among her first exhibited works is a sequence of darkly cinematic canvases depicting a dollhouse—modeled after one that she owned as a child—and its young female inhabitants. A later series deconstructs the appearance of American suburbia in Lifetime’s made-for-television movies, casting it as a surreal realm in which violence and disaster lurk just beneath the surface. In her still lifes, Weyant depicts fruit, flowers, and other items in a similarly unsettling light; Lily (2021), for example, juxtaposes the titular bloom with a revolver bound in gold ribbon.

In these and other works, Weyant employs a somber, muted palette of deep greens, dusty pinks, and deep black. She also draws on art historical and present-day influences, from seventeenth-century Dutch masters such as Frans Hals and Judith Leyster to twentieth-century mavericks like Balthus to contemporary painters Jennifer Packer and Ellen Berkenblit. As revealed in her contributions to group exhibitions including and I will wear you in my heart of heart at FLAG Art Foundation, New York (2021); Artists Inspired by Music: Interscope Reimagined at the Los Angeles County Museum of Art (2022); and Women of Now: Dialogues of Memory, Place & Identity at the Green Family Art Foundation, Dallas (2022), Weyant displays a deep understanding and appreciation of her work’s roots and parallels while eliciting an immediate and emotional response.

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Gugli 61x88 cm. Sweet Song acrylique sur toileLAURENT GUGLI est né en 1959
Il a vécu et travaillé à Paris dans des années 80 aux années 2000
Tout laisse à supposer que Laurent GUGLI  doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau.

Tout a-t-il déjà été peint dans l’esprit du Pop Art ?  Laurent Gugli ne partage nullement cet avis.  Les références à ces grands artistes des années soixante semblent imprégner ses tableaux. Jésus Superstar, illustré par Andy Warhol en  reste le point de départ. 
    
Utilisant une technique facile, dans un style « vite fait bien fait », l’inspiration de l’artiste semble tourner autour du S.E.X.E. Car pour lui tout acte de création s’apparente à un acte sexuel : la création (l’origine) du monde, l’art africain, notre propre naissance… Tout laisse à supposer que Laurent Gugli doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau. « I paint with my sex » avait-il écrit sur une de ses toiles, exposant à l’époque dans un fast-food. Opérant à la limite du bon-goût, peignant de sulfureuses compositions, Laurent Gugli répète son obsessionnel : « L’Amour, c’est pas glamour, c’est H.A.R.D (dur) ».

 Le style Laurent Gugli est similaire à l’écriture lissée des artistes Pop. S’il ne renie pas leur influence sur son travail, il ne cherche cependant pas à dénoncer notre société de
consommation. Son passé de directeur artistique, doublé d’une curiosité effrénée pour la nouveauté et pour ce qui vient d’ailleurs l’ont irrémédiablement poussé à s’intéresser aux nouvelles icônes de notre société : Mickey, Bugsbunny ou encore Dragon Ball…, des personnages à la fois naïfs, mais aussi dotés pour certains d’une intelligence supérieure et de pouvoirs magiques, afin d’accomplir un destin plus mystique. L’artiste joue de cette iconographie supramédiatique (logos, personnages, typographies) et de son renouvellement pour créer « de la Dope pour illettrés ».
       
Mais si l’artiste s’inspire de cet univers régressif et infantile, parfois à la limite du vulgaire, qui envahit de plus en plus la planète, son art cherche avant tout à parler de notre intimité, de notre rapport ambigu à l’amour, mélange de romantisme naïf et de perversion. En «  honnête voyeur », c’est ce paradoxe intrinsèque de la nature humaine que nous raconte l’artiste à travers son œuvre. Un Pop Art introverti en quelque sorte.
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Culture Art & Vision X Lapostroff - Studio Kallico
Pour ce nouvel épisode de Culture Art & Vision X Lapostroff, nous vous emmenons à la rencontre de Lionel Sourisseau, plasticien peintre au style singulier. ?? ?? ??

Amoureux de couleurs chaudes et de poésie, Lionel Sourisseau a trouvé sa voie en passant de la peinture traditionnelle à la peinture acrylique. En posant un regard coloré sur le monde, ses œuvres étincelantes et bigarrées suscitent la curiosité et stimulent l'imaginaire.

Plus d'informations
Lapostroff (Espace de création artistique, artisanal et associatif de la Ville de Malakoff & Plateau Urbain : https://www.lapostroff.fr)

Réalisation : Sylvestre Bary
Musique : Benk Digga

Un projet Culture Art & Vision - 2020 - https://www.culture-av.fr

Isabel Margarita Haeussler 61 INCENDIO 2020  Téc mixta sobre tela 90x90cm    Isabel Margarita Haeussler´s pictorial work

The pictorial work that Isabel Haeussler has developed during the last thirty years started from figuration to slowly approach abstraction. Considering that at first her work focused on the observation of her environment, it is not surprising that current images evoke spatialities.  An atmospheric effect is very visible in them, as if they had some kind of relationship with the landscape.

Her use of language appears in the articulation of contrasts: there are antagonisms between smooth and rough, fast and slow, transparent and opaque, color and monochrome, light and shadow. This richness is shown by a gesture that is not hidden. The insistence of her hand, the trajectory of her gestures is marked by the imprint of her brush.

Pablo Ferrer

Profesor y director Magister Artes Visuales

Facultad de Artes

Universidad de Chile

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Roger LersyRoger Lersy, né en 1920, est peintre du XXe siècle français, lithographe et compositeur de musique classique, il a étudié à l'École des Arts Appliqués, Paris et au Conservatoire de Paris. Il a tenu sa première exposition à Paris en 1946. Pendant les années suivantes de son art a également été exposé à Londres, Genève, Los Angeles, Houston et New York. Il a remporté des prix comme le Prix des Amateurs d'Art (1953) et le Prix de la Ville de Marseille (1955). L'artiste a également illustré un certain nombre de livres d'art avec ses graphismes originaux, tels que, Bestiaire (1968) et multiformes (1977). Le travail de Lersy peut être divisée en deux périodes de l'expérimentation artistique. Avant 1960, l'artiste concentre surtout sur ​​les formes de l'art figuratif, en particulier la nature morte et du paysage. Après son travail décalées à des formes de l'expression abstraite. Il a passé de longues périodes à New York entre 1961 et 1968.

BIOGRAPHIE

Né le 2 avril 1920 décédé en 2004 xxe siècle. Français.

Peintre d'intérieurs, natures mortes, paysages, sculpteur, graveur, peintre de cartons de tapisseries. Polymorphe.

Son père étant décorateur, c'est naturellement qu'il entra à l’École des Arts Appliqués. Il eut ensuite une activité de décorateur, mais, parallèlement, il avait commencé à peindre et menait également des études musicales poussées, auxquelles il renonça en 1954, sauf pour son plaisir personnel. Il effectua un séjour aux États Unis, de 1961 à 1968.

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Oscar Katcharov

 Oscar KATCHAROV (né en 1924) : Huile sur toile dimensions 130 x 125 cm  signée en bas à droite et contresigné au dos et datée 1972, intitulé Moscou Trinité. Collection privée K . N. Paris

Soviet Literature" 1990
Irina Chepik

THE ARTIST'S SOLFEGGIO, OR TEN COLOURS OF THE RAINBOW

Oskar Kacharov's studio is in the centre of Moscow - at the down-town end of Gorky Street (now Tverskaya st.) No lush studio, though, rather modest and badly in need of renovation. But the district is surely prestigeous - look through the window and you're looking directly at the big clock on the central Post Office, and down below - the bustle in Gorky Street. The clock is ticking off time into eternity, the bustle and noise are distracting. But not for Kacharov - nothing can distract him. He's found of the incessantly milling crowds and permanent chaos of the capital. His studio is constantly filled with friends, pupils, fellow-artists, musicians, architects, theatre people.

Rezo Gabriadze, a talented playwright, artist and sculptor, working in film, drama and puppet theatre, once wrote to him, "Dear Oskar, I know few artists as dedicated as you are. That must be painfully hard. What I like about you as a person and a painter is your sense of measure, your nobility and artistry. Thank you for your warm tones and for your cold tones and for their correlation."

The words "painfully hard" are not merely lip service. Kacharov was never spoilt by fortune's favours. He is bubbling with the energy of resistance. He rejects attempts to place him, his views and his painting among the crop of discoveries permitted in the recent years by glasnost. he has never before craved success regardless of the cost involved and so has never been mentioned in the press for some 40 years.

Oskar Kacharov, the son of a doctor, was born in 1924, in Kiev. He remembers his father who was killed in the Second World War with tenderness and gratitude. His mother was a highly cultured woman who encouraged his artistic interests, and herself had great knowledge and understanding of art.

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 PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David.PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David. Important artiste du XXème siècle découvert par le grand marchand Emmanuel David découvreur de Bernard Buffet. Cette oeuvre est une des plus importantes de l'artiste, très représentative du mouvement surréaliste et de la puissance du travail de Priking dont Emmanuel David disait de lui "C'est un poids lourd dans l'art comme Bernard Buffet"
Franz Priking (né Pricking) est un artiste peintre et lithographe né le 7 août 1929 à Mülheim (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 10 juin 19791 à Oppède (Vaucluse)

Biographie

La sensibilité picturale de Franz Priking est éveillée dès son enfance par l'éducation d'un père ingénieur en métallurgie (mort en 1947) passionné de Renaissance italienne et d'art baroque.

Franz Priking aborde la peinture au terme d'études de philosophie, s'orientant tout d'abord vers une abstraction lyrique « révélatrice d'une sensibilité en quête d'elle-même ». Les séjours qu'il fait ensuite au Bauhaus de Weimar (1948) et à l'Académie des arts de Berlin (où il est élève de Max Pechstein entre 1948 et 1953 et où Karl Hofer fait l'éloge de ses dessins) lui révèlent, avec l'expressionnisme allemand, une forme d'art plus conforme à son tempérament. C'est durant cette période qu'à Berlin, par l'intermédiaire du peintre Hans Tombrock, Priking se rapproche de Bertold Brecht, vivant dix mois dans la proximité du dramaturge.

En 1950, Franz Priking quitte l'Allemagne pour Paris, où il reste peu de temps, gagnant la Provence et s'arrêtant à Villeneuve-les-Avignon. Lors de sa première exposition française au Musée Réattu d'Arles, en 1952, il rencontre Pablo Picasso et va travailler pendant sept mois sous les conseils du maître à Vallauris. « J'étais profondément passionné par Picasso, par son principe de structure et d'organisation du tableau, évoque Franz Priking. Le thème m'importait beaucoup moins que le concept rythmique nouveau qu'il m'apprenait. Et surtout, j'abandonnais à ce moment la couleur vive que j'avais retenue de la période expressionniste, l'opposition des couleurs actives employées presque pures, et j'ai commencé à travailler la couleur de façon qu'elle devienne rationnelle... Les teintes sont devenues beaucoup plus terrestres, plus proches de la terre. »

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Miklós Gusztáv dans son atelier, Paris , 1931

La vente de la collection Jacques Doucet en 1972 a permis de redécouvrir l'Art déco aux  collectionneurs puis progressivement au grand public.

C’est à partir de ce moment que le sculpteur Gustave Miklos, figure emblématique de ce style, vénéré dans les années 1920-1930 et tombé dans l’oubli après la Deuxième Guerre mondiale, retrouve la place qu’il mérite sur la scène artistique internationale. Néanmoins, alors que ses œuvres sont devenues de plus en plus recherchées dans le monde, il est resté pratiquement inconnu jusqu’au début du 21ème siècle dans son pays natal, la Hongrie.

Bien que Miklos ait définitivement quitté Budapest en 1909, il a toujours porté la Hongrie dans son cœur. Beaucoup de faits témoignent de son attachement à ses origines hongroises. Toutefois ce sentiment, comme dans le cas de Joseph Csaky, n’était pas réciproque. Quelques éléments complétant l’étude biographique très élaborée de Christiane Patkai ( 1 ) permettent de démontrer cette triste réalité.

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Carlo Guarienti Autoportrait 1998

Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000.

Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans.

Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. 

Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2)

Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle.

Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde.

Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse  et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. 

A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne.

(2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias :  En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié.

Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa

(3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

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Ce texte expose la philosophie de la peinture et de la vie selon Michel Patrix
Ces images sont tirées du livre écrit par sa veuve "Il n'y a de jugement que dernier : le quotidien d'une femme de peintre", Annie Guevel, Editions Hubert Julia - 1984,
L'original se trouve dans le livre de bord de l'Artiste

Blaise Patrix
les ateliers pARTage
46, rue du fort, B1060 Bruxelles
gsm:+32 (0)4 78 56 31 33
http://www.blaisepatrix.com
patrix lettre1b
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Pierre JUTAND Baigneuses huile sur toile signée en bas à droite 115 x 145 cm Ancienne Collection Emmanuel David (Etiquette au dos)

Pierre JUTAND Baigneuses huile sur toile signée en bas à droite 115 x 145 cm Ancienne Collection Emmanuel David (Etiquette au dos) Collection Patrick Reynolds

Après une enfance vécue à Enghien-les-Bains, Pierre Jutand est élève de l'École Boulle à Paris. Il entre en 1955 à l'École nationale supérieure des arts décoratifs où il est élève de Jules Cavaillès avant de fréquenter l'atelier de Marcel Gromaire, puis, en 1956, d'obtenir deux bourses d'études, l'une au château de Collioure, l'autre aux Pays-Bas. En 1957, il poursuit ses études chez Maurice Brianchon à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il travaille ensuite la tapisserie avec Jean Lurçat, séjournant à plusieurs reprises auprès de ce dernier au château de Saint-Céré (Lot). Pierre Jutand se souvient : Lurçat ne peignait plus à l'époque mais faisait de la tapisserie, des grands cartons avec lesquels il est devenu célèbre. Il avait tellement de commandes qu'il prenait des élèves pour l'aider sur des périodes de trois à quatre mois. Appelé sous les drapeaux en 1958, Pierre Jutand effectue son service militaire en Algérie.

Alors qu'il est installé dans la rue de Lesdiguières à Paris, les premières expositions de Pierre Jutand au Salon d'automne lui valent d'être remarqué par la galerie Morantin-Nouvion où se produit sa première exposition personnelle à Paris en 1962. Peintre paysagiste, Jutand peint sur le motif, souvent avec le peintre Michel Pandel (1929-1978) - la disparition de cet ami dans un accident de deltaplane sera une grande épreuve affective - qui expose dans la même galerie.

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Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération.

Son pseudonyme
Ce pseudonyme a été choisi par l'artiste, il signifie en anglais, "Ravin", ce qui représente pour lui une cassure entre ce qu'il faisait avant et ce qu'il fait aujourd'hui sur toile. C'est aussi parce qu'en argot, il signifie "cool, top ou encore sympa". C’est également parce qu’en France c'est une chaîne de télévision pour enfants, Gulli (orthographe différente mais même prononciation). À cela s'ajoute le fait que Gully était le nom d'un personnage de BD de Makyo et Alain Dodier, édité chez Dupuis, qui l'amusait, un petit bonhomme d'une autre époque qui découvre la vie. Ces différentes idées d'un esprit "COOL", d'enfants devant un cadre (TV ou tableau), de petits personnages drôles d'une autre époque et de cassure pour un changement forment un ensemble qui définit parfaitement son travail et ses œuvres. Ce pseudo colle parfaitement à son art et à ses œuvres car c'est elles qu'il souhaite mettre en avant.

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm 

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Cinq questions à Kenjiro Okazaki par Sabine Vazieux
- Quand est née votre vocation d'artiste et qu'est-ce qui l'a déclenchée ?
Si je pouvais renaître dans ce monde, ce serait pour être artiste. Je me demande par quelle chance j'ai vécu aussi longtemps. J'ai pris conscience de ce qu"être en vie" peut signifier lorsque j'ai approfondi mes connaissances de l'œuvre de Brunelleschi, Massacchio, Caravaggio, Poussin, Blake, Shitao, Cezanne et Morikazu Kumagai. Leurs œuvres ont la particularité d'être, à la fois, hors du temps et ancrées dans le monde.

- Comment est née votre passion pour l'art renaissance ?
Ma mère était inventeur. Il a donc été normal que je m'intéresse aux artistes et aux penseurs de la Renaissance. Brunelleschi a eu une grande influence sur ma pensée et mon travail. J'ai même écrit un livre sur lui.

- Une époque, un artiste ou un courant qui vous a particulièrement marqué.
C'est l'instabilité du monde qui me marque le plus en tant qu'artiste; que ce soit Tchernobyl, Fukushima ou l'épidémie actuelle...
Le sentiment que c'est un hazard que je sois en vie aujourd'hui exacerbe ma sensibilité artistique. C'est comme sentir le temps qu'il fait tous les jours en sachant que cette sensation peut prendre fin du jour au lendemain.

- Qu'est-ce qui vous ressource ou vous inspire... (musique, littérature, architecture, nature, un lieu ....)
Tout ce qui est dans le monde.

- Une couleur fétiche ?
En japonais, le mot "couleur" = ? iro signifie différence.
Les couleurs vives imprègnent d'abord tout votre champ de vision, mais si vous continuez à regarder, cette impression se transforme en une profondeur qu'il vous est alors possible regarder à l'infini. J'aime aussi les couleurs des feuillages d'automne, qui nous donnent l'impression que la matière se fond dans la lumière, et dans l'air.

Kenjiro Okazaki, acrylique sur toile, 160 x 130 x 7cm, 2017 Kenjiro Okazaki, acrylique sur toile, 160 x 130 x 7cm, 2017
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lagasse 6483441hArtiste renommé, Karl Lagasse s’est fait connaître en 2009 grâce à ses sculptures One Dollar. La même année, Artprice le classait parmi les dix meilleurs sculpteurs du monde de moins de 30 ans. En 2012, la publication new-yorkaise Farameh le citait parmi les cinquante meilleurs artistes contemporains qui tiraient leur inspiration des icônes américaines traditionnelles dans son ouvrage FOR WHICH IT STANDS: Americana in Contemporary Art. Plus récemment, lors de l’Art Paris Art Fair 2016, le président de la république française a personnellement félicité Karl pour le succès de son One Dollar de bronze de 2 mètres exposé au Grand Palais.

Karl a commencé son parcours artistique par des collages, à l’âge de 7 ans. Cette année-là, sa rencontre avec le sculpteur français César Baldaccini l’a poussé à poursuivre dans cette voie. Plus tard, il s’est aventuré dans le métro parisien, le tag et le graffiti devenant son mode d’expression de prédilection. Malgré tout, les collages restaient sa vraie passion. C’est l’artiste Yvaral Vasarely qui lui a suggéré d’intégrer ses tags à ses collages. En 2003, Karl préparait sa première exposition à Paris. Sa première exposition personnelle présentant ses Buildings s’est tenue en 2006, à la galerie Isy Brachot, à Bruxelles. Deux ans plus tard, Karl était de retour à Paris à l’Espace Pierre Cardin pour sa première exposition personnelle de peintures et de sculptures comportant des éléments vidéo et photographiques.

lagasse 6483441 4h


Par-dessus tout, Karl aime dévoiler ses nouvelles oeuvres lors d’expositions internationales : en 2011, au salon Art Monaco, il était représenté par la galerie Bel Air Fine Art, avec sa création Cryptogram One ; en 2012, il a présenté des One Dollar sur le thème « In God We Trust » lors d’une exposition personnelle à la galerie Artco France ; en 2016, son exposition personnelle à la galerie Atrium, à Marbella (Espagne), a été inaugurée par le maire de la ville qui a parlé de ses oeuvres à la presse internationale.

En 2010, Karl a été choisi pour représenter la ville de Deauville (Normandie) à l’occasion du championnat du monde équestre Horsemania, à Lexington (États-Unis), pour lequel il a réalisé une sculpture représentant un cheval en l’honneur de cette manifestation. De retour à Deauville, en 2012, Karl a offert à la ville Cryptogram One, bronze porteur d’un message de paix et d’amour, qui a été installé à l’entrée de la ville et inauguré par le maire, Philippe Augier. La même année, c’est en collaboration avec Corbis qu’il a réalisé une sculpture monumentale pour le soixante-cinquième festival de Cannes, en utilisant des photographies datant de 1945 à 2011 pour réaliser cette oeuvre qui a été exposée à l’hôtel Carlton, où les artistes présents au festival pouvaient la signer. C’est ce qu’ont fait notamment Alexandra Lamy, Gad Elmaleh, Bérénice Bejo, Marie Gilain, Michael Youn, José Garcia, Michel Hazanavicius, Nadine Labaki, Cuba Gooding Jr., Tim Roth, Matthew McConaughey et Zac Efron.

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Nous vous proposons de (re)découvrir la biographie de l'artiste d'origine coréenne Hur Kyung-Ae.
Hur Kyung-Ae est née en 1977 à Gwangju, en Corée du Sud. Depuis son plus jeune âge, elle utilise l'art et la couleur pour exprimer ses sentiments. Elle obtient plusieurs diplômes d'arts visuels en Corée, puis son attirance pour la culture et la langue française l'amène à poursuivre sa formation à Paris, où elle s'installe en janvier 2003.
Pour en savoir plus sur Hur Kyung-Ae qui expose dans les galeries de Françoise Livinec, cliquez ici

Françoise LIVINEC
Galerie Penthièvre 24, rue Penthièvre 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Galerie Matignon 29-33 av Matignon 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Ecole des filles 25, rue du Pouly 29690 Huelgoat
+33 (0)2 98 99 75 41

www.francoiselivinec.com

Hur Kyung-Ae Sans titre, 2018, Acrylique sur toile, 162 x 130 cm, Signé et daté au dos, FOP1118BP2
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Margo Drucker passed away peacefully on July 2, 2001.
Margo was 86 years old. Margo was born on November 14, 1914 in Berlin, Germany.
Margo left Germany for France in 1934, where she studied photography, then moved to Rome to join her father who had left to Germany because of her anti-Hitler activities. Margo remained in Rome until 1938, when Missouri and Hitler began to round up German expatriates. Margo fled to Aix-en Provence in southern France, where she lived with a group of painters on a chicken farm. Margo was arrested by the German puppet government of Vichy and incarcerated for deportation to Poland, in Guers, an internment camp around Marseilles. Margo remained in the camp for six months, and escaped the day before the scheduled deportation to Poland. In 1941, she received permission to immigrate to America, and arranged for passage on a ship leaving Lisbon to New York. Margo crossed the Spanish border 24 hours before it closed. Margo did not arrive in Lisbon until after the ship was scheduled to depart, but mercifully found the ship was delayed due to mechanical problem. The trip from Lisbon to New York took 6 weeks, and she arrived in New York City with $10.00 in her pocket.
While in New York she met and married Armand Drucker, a German immigrant, and in 1950 had a daughter, Doris Hannah Drucker. In mid 1950, Margo and Doris rejoined Armand in Paris, where they remained until 1960. While in Paris Margo became a well-known photographer, specializing in photographing the leading European painters and other artists of that decade. Many of her photographs were published on the artists' art book jackets.
In 1960 Margo and Doris returned to New York, and Margo remained in Nyack, New York until 1975 when she moved to Albuquerque to be close to her daughter and her family. While in New Mexico, Margo had a number of photographic exhibits in local galleries and religious institutions. Margo leaves behind an extensive portfolio of photographs, which chronicles an era of visual arts in European art, beautiful landscapes of Corsica and France, and many portraits of friends and loved ones taken over her long life.
Margo is survived by her daughter, Doris Drucker Duhigg, her son-in-law, John Duhigg, her grandchildren, Charles, Daniel and Katy Duhigg, all of Albuquerque, New Mexico. Margo is further survived by an abundance of step-relatives, all of whom brought great joy and meaning to her life.

 

Margo Friters-Drucker Photo de Vasarely -Collection Privée B. Fabre photo argentique d'époque dimensions 19,7 x 14 cm avec le cachet de la phtotographe au dos 

Margo Friters-Drucker Photo de Vasarely
photo argentique d'époque dimensions 19,7 x 14 cm
avec le cachet de la photographe au dos
Collection Privée B. Fabre

Etablies en prévision de l’exposition rétrospective 1941-1973 intitulée "La liberté de peindre" qui aura lieu du 27 Mars au 26 Avril 2020  à Mers-les-bains, les notes qui suivent mêlent considérations historiques et confidences privées.

Elles vous familiariseront avec cet artiste dont la vivacité d’esprit, la culture étendue, la perpétuelle inquiétude, l’humour dévorant, la générosité de cœur, mais aussi les aspects les plus sombres de son tempérament, ont fortement impressionné ses amis et  proches.

  • « Pour des artistes tels que Michel Patrix, l'art est une aventure. C'est aussi une expérience vivante. Son activité est désintéressée. Elle se situe sciemment en marge des postulats de l'École de Paris. Elle traduit une volonté de choix qui s'écarte de la norme et une vocation qui échappe totalement à l'emprise de la mode. C'est une activité personnelle et individuelle qui côtoie l'anarchie. Elle n'est concevable que dans un pays libre qui se targue d'ignorer les contraintes esthétiques. Comme la plupart des peintres de sa génération, Michel Patrix subit (ou a subi) la puissante attraction du cubisme, mais il a adopté devant les découvertes de ses prédécesseurs une attitude nouvelle et indisciplinée. » - Waldemar George

Difficile en effet d’évoquer cette personnalité complexe, férue de philosophie, d’anthropologie, d’archéologie, de musique, d’histoire et de poésie.

Michel Patrix disait avoir été marqué par le fait de porter la version masculine du prénom de sa soeur ainée Micheline décédée en bas âge d’une méningite. Peut être est-ce dans le défi que sa naissance a représenté pour ses parents qu’il faut chercher les tendances héroïques de celui que ses collègues de la jeune peinture Parisienne des années 50 surnommait ‘l’increvable”?.  

Exposition Michel Patrix Mers Les Bains
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Le Musée Privé rencontre Christo par le-musee-prive

A l'occasion d'une exposition d'oeuvres préparatoires de l'artiste Christo dans la galerie Guy Pieters qui se trouvait à l'époque avenue Matignon à Paris, Patrick Reynolds, Directeur du Magazine Le Musée Privé, et Sébastien Lecca, plasticien et performer, ont eu l'opportunité de poser quelques questions à l'un des artistes les plus monumentaux et influents de notre époque.
Compte-rendu en images...

Une interview réalisée et préparée par André-Charles Idier

Remerciements à Christo, Guy Pieters et Isabelle Lelievre.

Guy Pieters Gallery
Albertplein 15
8300 Knokke-Heist
050/61.28.00

Guy Pieters Gallery Zeedijk
Zeedijk 753
8300 Knokke-Heist
050/62.33.80

Guy Pieters Gallery Offices
Edgard Gevaertdreef 10
9830 Sint-Martens-Latem
09/282.82.84


www.guypietersgallery.com

Christo Javacheff - photo de Patrick H. Reynolds

Christo Javacheff - photo de Patrick H. Reynolds

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Oleg GOUCOFF par Lydia HARAMBOURG ©

Historienne de l’art
Correspondant de l’Académie des Beaux-Arts,
Institut de France

Comment passe t-on de la sculpture à la peinture ?

Il semble que pour Oleg Goudcoff, les deux activités aient été consubstantielles de son engagement d’homme et d’artiste sans autre transcendance que celle d’un dépassement de soi inlassablement reconduit. Inébranlable et incorruptible, il quête l’indévoilable mystère de la création. L’expressionisme douloureux renfermé dans toute matière organique ou minérale se heurte à l’immatérialisme, tel que kandinsky le rêvait. L’enjeu existentiel d’Oleg Goudcoff se départit de tout automatisme esthétisé et passe par le risque permanent d’échouer, pire de chuter sans jamais renoncer à conquérir l’impossible, tel Sisyphe.
Voilà que l’œuvre nous apparaît aujourd’hui dans sa vérité. Ce moment rare qui est donné aux historiens de l’art, aux amateurs, nous saisit par le prodige d’une découverte qui nous conduit au seuil d’une révélation intacte.

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm - sans titre

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FIGURATION CONCEPTUELLE ET SYMBOLIQUE

Né le 13 octobre 1961 Stéphane Fradet-Mounier utilise principalement le métal et le bronze, et en complément la peinture. Son travail enferme une symbolique conceptuelle certaine à découvrir en côtoyant l'oeuvre. Son oeuvre nous interpelle sur le devenir humain, les échelles de couleur orange, symbole du progrès de l'homme qui cherche à s'élever, à aller toujours plus haut, et son contraire la rouille du métal symbole du viellissement et du temps qui passe, mais aussi tu temps qui élève l'homme par la connaissance. L'artiste nous fait réfléchir sur la dualité du monde qui avance en permanence entre le yin et le yang. A nous de découvrir la voie ouverte par l'artiste.

EXPOSITIONS
2010 Galerie la Rotonde Paris 18
     Montaz Paris 16
     JOAOGallery Paris 07 village suisse
     Bogo Gallery Pusan Corée du Sud
     Recycl'art, Esteponia/Marbella, Madrid
     Montmartre Gallery Pusan Corée du sud
     Galerie LE MUSEE PRIVE Paris

Stéphane Fradet-Mounier (1961) sculpture en métal Equilibre dimensions H 89 cm – L 73,5 cm – P 8 cm signée sur la base
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Francis Bacon est un peintre anglais né le 28 octobre 1909 à Dublin et mort le 28 avril 1992 à Madrid.

Son écriture reconnaissable fait de lui un des plus grands créateurs du XXème siècle, son oeuvre mélange la violence, la cruauté, la tragédie humaine.

L’œuvre de Francis Bacon se déploie en grands triptyques mettant en scène sa vie, ses amis, son admiration pour Diego Vélasquez, Vincent van Gogh ou Pablo Picasso, ou par des portraits torturés, comme pliés dans la texture de la toile, de ses amis Michel Leiris, Mick Jagger, etc...

Nous remercions le Musée Guggenheim de Bilbao pour cette biographie élaboré dans le cadre de l'exposition organisée au Guggenheim Bilbao en collaboration avec le Grimaldi Forum Monaco du 30 septembre 2016 au 8 janvier 2017.

Décennie 1910

Francis Bacon est né à Dublin le 28 octobre 1909, deuxième des cinq enfants de parents anglais installés en Irlande mais sans ascendance irlandaise.

La guerre d’Indépendance (1919–1921) et la guerre civile (1922–23) créent un climat de violence dans les zones rurales et les propriétaires terriens protestants sont durement touchés.

Francis Bacon Étude pour autoportrait (Study for Self-Portrait), 1976 Huile et pastel sur toile 198 x 147,5 cm Art Gallery of New South Wales, acquisition 1978 © The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés DACS/VEGAP, Bilbao, 2016 Photo : © Jenni Carter, Viscopy 

Francis Bacon
Étude pour autoportrait (Study for Self-Portrait), 1976
Huile et pastel sur toile 198 x 147,5 cm
Art Gallery of New South Wales, acquisition 1978
© The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés
DACS/VEGAP, Bilbao, 2016
Photo : © Jenni Carter, Viscop

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Lolochka est une des artistes majeurs du groupe Art Cloche fondé en 1981 véritable Bateau Lavoir des Temps Post-Modernes dont on commence à mesurer, avec le recul du temps, la véritable révolution artistique. Ces artistes venus de tous les pays ont joué un rôle essentiel dans l'histoire de l'art du XXème siècle, il nous est apparu important de les citer au début de la Biographie de LOLOCHKA afin de comprendre l'importance de ce mouvement : Beuys - Raynaud - Debord- Brelingard - Lolochka - Camargo - Smirnoff- Till - Daub - Rodier - Pawlowski - Rodrigues - Saban - Henri Schurder - Schlenther - Triton - Bob Shigeo - Vorobiov - Starck - Von Euge - Milovskaya - Yankel Pilar- Yane- Barbanti - Shigéo - Smimoff-Till - Hector Leuck - Zbona - Daub - Schlenter

Lolochka Nativité huile sur toile de 1989 dimensions 116 x 89 cm
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Alexandre Sacha Putov est un peintre expressionniste de l'Art-Cloche (né le 9 mars 1940 à Kamensk en Russie et mort en France le 18 novembre 2008).

Diplômé en architecture en 1969 à Moscou, il se consacre à la peinture et à la sculpture ainsi qu'à la gravure ; il expose à Moscou en 1973, puis exilé de l'ancienne URSS du fait de sa confession juive orthodoxe, et son refus de correspondre à l'art officiel, il s'installe à Haïfa en Israël où il est naturalisé. Marié, il donne naissance à un fils en Israël (David). Sa période israélienne est reconnaissable de par le style graphique employé et certaines réminiscences des paysages d’Haïfa ou de la culture orientale

À partir de 1986, il poursuit son œuvre en France et arrive au squat du mouvement Art-Cloche rue d'Arcueil à Paris, il y fréquente d'autres artistes squatteurs et certaines stars collectionneurs et artistes comme Serge Gainsbourg ou Ginzburg et Coluche ou Colucci dans Les Restos du cœur car il arrive sans le sou. Un marchand s'intéresse à ce groupe et met des artistes en salle de vente à Drouot dont le commissaire priseur était Cornette de Saint-Cyr. Ses œuvres sont en général des compositions expressionnistes aux couleurs ocre ou aux tons très expressifs, paysages urbains décalés, mais aussi maternités graphiques aux couleurs acidulées à partir de la naissance de ses enfants, d'où ressortent une inspiration de l'iconographie russe tant connue et adulée dans toute la Russie.

Au squat il fréquente et se lie avec Ody Saban artiste reconnue et ils effectuent ensemble à deux mains des gravures. Puis, en 1987, il rencontre Sylvie Gottraux avec laquelle il donne naissance à ses deux enfants, Louise en 1993, et Vassili en 1997.Dès lors son travail devient d'une façon plus générale plus aérien et plus stylisé et plus positif. Jean-Charles Riz, un grand collectionneur éclairé, se charge de sa promotion, cède parfois des œuvres et devient un marchand malgré lui, il le fait connaître et reconnaître comme un grand peintre notamment grâce à l'avènement d'internet et de son site Artpulsion en l'incorporant parmi les autres artistes de sa collection dont notamment le célèbre artiste d'Art brut Jaber.

Alexandre Sacha Putov huile sur toile 82 x66 cm signée en bas à droite et datée 91
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Bernard LOCCA (1926–1997) huile sur papier 65 x 50 cm signée en bas à droite et datée 70, intitulée "Masque humain". Bernard LOCCA (1926–1997) huile sur papier 65 x 50 cm signée en bas à droite et datée 70, intitulée "Masque humain".
Collection Privée Sceaux

Bernard LOCCA (1926–1997)

About the artist:

The painter Bernard Locca was born in Saint -Brieuc in 1926. Montmartre portraitist Son of Italian immigrants, after going to the Fine Arts, he made his classes in Montmartre in fifty years when he opened his first shop. Man of the people , there gladly bite the kids in Paris , the daubers , the costermongers . He became over the years a recognized artist and especially a renowned portraitist . He met Bernard DIMEY , Marcel Ayme and Gen PAUL who become close friends as well as FIP , BREL or Maurice Chevalier . Then handed over brush constantly at work , his signature is valuable. Enlightened collectors appreciate . It performs custom portraits of Simone Signoret , Mime Marceau , Valery Giscard d'Estaing . And Charles Aznavour , Auguste Le Breton , Jean YANNE or his good friend Christian BERNADAC become loyal fans. Exhibitions in the United STATES The President of the United States, Lyndon B. JOHNSON, acquired one of his finest works of the moment at which he made ​​the New York Times. His paintings are then exposed between Paris , New York and Chicago. Its customers to name the movie producer Frank Ross , the actor James Stewart , Henry Ford II , and many others ... But in parallel , homesick the taps . Illustrations of the newscast Back in Paris , he became artistic adviser TF1. He collaborated with his friend Roger Gicquel in the illustration of news. From 1971 to 1976 he sketched a stroke the faces that make the news . Brittany Despite of this success, Bernard Locca , which simply considers " a good worker in the work of art " remains committed to his beloved Britain. It is a modest and friendly man, a loyal friend , and he did not rat a chance to find his buddies thirty years been Binic or even in St Brieuc . His hometown btw will acquire a portrait of the writer Louis Guilloux with whom he has forged links with a real mutual respect. A formidable cartoonist "We often share the same artistic emotions," says the novelist Auguste Le Breton who knows since the sixties. " his portraits were executed hot exellents ! was a perfectly dreadful cartoonist." Illustrations He produced illustrations for " Ballad of Reading Gaol " of Oscard WILDE, " Mary- Anne " by Daphne Du Maurier Albin Michel . Most recently he participated in the illustration full of Hervé Bazin with Jean CARZOU works , Jean JANSEM , Leonor FINI BRAYER Yves Alain BONNEFOIT etc ... Modestly, he said: " I ​​have no other pretensions to be a witness painter that I love, moved by life, and hopefully beyond fashion I 'd just leave a small track . so that we can , perhaps , follow my trail. " Bernard Locca died Oct. 9, 1997.

patrix1954 100x81g
Michel Patrix huile sur toile de 1954 dimensions 100 x 81
ancienne Collection Emmanuel David
Collection Patrick Reynolds
Comme nous l'a indiqué Blaise Patrix ce tableau est noté dans le catalogue de la main de mon père sous le titre : "le guéridon aux pieds galbés" 40 F ref 239 avec en description :
table à ouvrage à gauche feuillage mimosas-verre.pommes poires - (Hteur) chaise à droite avec torchon violet."
 

J'ai découvert il y plus de 25 ans, Michel Patrix qui est un des artistes les plus importants dans l'histoire de l'art des années 40-50  grâce à Emmanuel David auquel je rendrai hommage sur ce site en publiant un essai de biographie. Michel Patrix est né le 25 mai 1917 à Cabourg dans le Calvados et décédé le 4 mai 1973 à Gonneville-sur-Scie en Seine-Maritime. Après avoir étudié à Castelsarrazin et obtenu son baccalauréat, il se fixa à Bordeaux, où il exerça divers « petits métiers ». Il a été mobilisé dans l’Armée française de 1937 à 1941, et après avoir été démobilisé, il est « monté » à Paris afin d’exercer sa passion pour la peinture et d’y consacrer tout son temps.

Il senti le besoin de maîtriser parfaitement la technique picturale et fréquenta avec assiduité l’Académie de l’Atelier André Lhote, auprès duquel il découvrit sa propre écriture imprégnée de l’influence cubiste alors prégnante sur l’Ecole de Paris.

Il rencontra, ainsi dès 1943, les jeunes artistes du groupe de l’Échelle dont il ne se séparera plus, y prenant d'ailleurs aussitôt une position dominante, écoutant avec eux les conseils amicaux d'Othon Friesz.:

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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

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Directeur de publication

 

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