Dans un monde qui se métamorphose à une rapidité sans cesse croissante, peindre son époque c'est d'abord se mettre à sa disposition, s'en imprégner et laisser libre cours à sa pensée.

Ainsi, du réel au surréalisme, l'esprit chemine d'un point "de vue" à un autre, va vers l'inconnu, tel un explorateur guidé par son imagination, elle-même influencée par la sensibilité, l'inconscient et l’engagement. De là surgissent des images.

De formation psychanalytique, Zoé B se passionne pour l'humain.
Qu'est ce qui nous fonde ? Quelles sont les différentes dimensions, conscientes et inconscientes, qui nous animent ? Et au fond, qu'est-ce que la conscience ? Autant de questionnements qui alimentent depuis toujours sa démarche et ses recherches personnelles autant que professionnelles.
Formatrice et conférencière sur ces sujets pendant des années, elle fait le choix en 2018 de poursuivre son cheminement intérieur essentiellement par le biais de la peinture, qu'elle définit comme un vecteur de découverte et de connaissance de soi.

Pour cette artiste peintre autodidacte, laisser libre cours à l'expression de la créativité est une philosophie de vie, au même titre que méditer quotidiennement, marcher de longues heures dans la nature et savourer pleinement le seul fait d'être vivante.
La peinture participe ici d'un processus de recherche d'authenticité. A travers elle, Zoé B tente de saisir et de restituer ( si tant est que ce soit possible) cet autre en soi qui demande à être, avec la conviction profonde que cette même part, la plus essentielle de l'humain, nous reste à jamais inaccessible. Peu importe le nom qu'on lui donne (âme, esprit, enfant intérieur, Dieu!!), elle demeure retirée quelque part, à l'abri des turbulences de nos personnalités extérieures. Telle est sa quête de femme et d'artiste : saisir l'insaisissable, rencontrer ne serait-ce que furtivement cette dimension intérieure toujours silencieuse et mystérieuse ; tenter de restituer ces états d'être et du même coup les découvrir et les conscientiser sans les travestir avec des mots ni les réduire à des théories conceptuelles.
L'humain est au cœur de son travail et dans cette quête d'une individualité profonde, L'artiste tente d'en représenter toute l'universalité !

AC, pour Anna Coccia ARTISTE PEINTRE

« De mon imaginaire au votre »

Sur la toile Anna Coccia explore avec ses émotions, et joue avec les couleurs et l'imaginaire. Toutes ses œuvres sont issues de son univers et de son ressenti.

Anna explore et recherche en permanence de nouvelles façons de peindre, afin de laisser parler sa créativité.

Son parcours atypique car non académique lui laisse une grande liberté de réalisation, dont sa phrase fétiche « l’abstrait, ma liberté d’imaginer ».

Son style oscille entre le semi-abstrait et l’abstrait. Chaque toile invite au voyage imaginaire. Et toutes sont uniques.

https://almc420.wixsite.com/website

Anna Coccia « La terre asséchée « 1er prix en mars 2019,
au concours de Rome Mairie de Rome place Campidoglio toile acrylique 60x60 cm

La peinture d'Hervé Le Goaréguer est inspirée par le réel et emportée par le rêve.

Son expression abstraite ou semi-abstraite offre un humus fertile en pareidolies.

Son propos ? Saisir des mouvements et des rythmes, des contrastes et des ressemblances pour les façonner et les fixer sur une toile ou un papier, évoquant en cela un autrement de la réalité.

Le désordre et l'ordre existent sur un mode dynamique et complémentaire dans le quotidien de nos vies. Notre imagination ouvre des champs d'investigation infinis où la raison balbutie avant d'y déposer de nouveaux socles...

Hervé Le Goaréguer aime la poésie pour la lire et l'écrire et la photographie pour ce qu'elle apporte de durable à ce qui, instantané, accroche le regard.

Expositions :

Librairie « Les Mots en marge »,La garenne Colombes, Hauts de Seine, en 2012

Salon des Peintres médecins à Paris en 2011 et 2013 avec obtention du Prix du Public en 2013

Salon de Botsorhel, Côtes d'Armor, en 2017 et 2019

Salon du Petit Format de Bois-Colombes, Hauts de Seine, en 2019

Galerie Sonia Monti, Paris 8ème, en 2019

Présence sur Singulart depuis avril 2020

Hall de l'Hôtel de Ville de Bois-Colombes en novembre 2020
Exposition personnelle de dix sept peintures et quatre photographies

Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération.

Son pseudonyme

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm 

A travers les œuvres de CZ on décèle son savoir-faire plastique et graphique ; formé initialement aux Beaux Arts à Toulouse, CZ a poursuivi son parcours dans la création audiovisuelle durant de nombreuses années sur Paris et a développé jusqu’à aujourd’hui un univers personnel.

Continuant ses pérégrinations oniriques, il ouvre son laboratoire pour nous faire partager un monde insolite rempli de symboles à portée psychanalytiques.

Art brut, outsider, underground, … aucun mouvement établi n’arrive à définir sa démarche artistique.

Certains voient dans ses œuvres une apparenté à Picasso, d’autres à Basquiat, mais là encore, la définition reste subjective et approximative.

Art atypique, polymorphe et libre.

SEXED SYMBOLS

Les termes "sexed symbols" furent introduits dans les années 90 par l'affichiste Roger Nashville, pour désigner les éléments de son installation artistique urbaine (Birmingham/USA), constitués d'une série de panneaux signalétiques factices et décalés.

Diane Sloor, sa démarche artistique

Son talent inné pour la couleur l'a d'abord conduite à l'aquarelle. Amoureuse inconditionnelle d'art pictural depuis son plus jeune âge, Diane SLOOR a choisi de consacrer la plus grande partie de son temps à la peinture dès 2009. Mais comment d'exprimer ses pensées, qui seront gravées dans la toile, quand les idées sont par essence changeantes et profondément liées aux intuitions du moment, de la main ?

Il lui est alors venue après maintes heures de travail, une technique, sans doute le fruit d'un heureux hasard, d'utiliser un exercice ancestral :  le palimpseste (du grec ancien « gratter de nouveau ») ; ne sachant au début, que peu dessiner et étant naturellement attirée par l'abstraction. Les teintes mates ou soyeuses circulent et cherchent leur place.   La toile se dénude ou se remplit au gré de son processus de transformation. Les nombreuses couches chromatiques atteignent ainsi la lumière. Inspirée par ses lectures elle s'efforce dans ses réalisations, d'aussi bien peindre que "dépeindre".

Diane Sloor les fleurs perdues huile sur toile 100 x 100 cm Collection Privée

Tout l'univers du Music hall et du Théatre émane des toiles de Aude Allonville. Elle nous emporte dans ce monde troublant du spectacle, peuplé de créatures de la nuit, de plaisirs et de rencontres surprenantes. Une véritable révélation artistique avec une écriture forte et reconnaissable, en un mot une artiste.

Aude Allonville a l'honneur d'être sociétaire du Salon des Artiste Français. elle a été lauréate du concours Association Mécénat 2000

"A travers ma peinture, je réinvente le monde... mon monde afin de faire évader le spectateur par l'esprit."

Patrick Reynolds

Oleg GOUCOFF par Lydia HARAMBOURG ©

Historienne de l’art
Correspondant de l’Académie des Beaux-Arts,
Institut de France

Comment passe t-on de la sculpture à la peinture ?

Il semble que pour Oleg Goudcoff, les deux activités aient été consubstantielles de son engagement d’homme et d’artiste sans autre transcendance que celle d’un dépassement de soi inlassablement reconduit. Inébranlable et incorruptible, il quête l’indévoilable mystère de la création. L’expressionisme douloureux renfermé dans toute matière organique ou minérale se heurte à l’immatérialisme, tel que kandinsky le rêvait. L’enjeu existentiel d’Oleg Goudcoff se départit de tout automatisme esthétisé et passe par le risque permanent d’échouer, pire de chuter sans jamais renoncer à conquérir l’impossible, tel Sisyphe.
Voilà que l’œuvre nous apparaît aujourd’hui dans sa vérité. Ce moment rare qui est donné aux historiens de l’art, aux amateurs, nous saisit par le prodige d’une découverte qui nous conduit au seuil d’une révélation intacte.

Rivé aux ressacs chaotiques de la matière, Oleg Goudcoff s’est emparé pareillement des grands espaces de la toile et du papier au beau grain chaud pour y coucher les apparences ravies à la Nature aussi puissamment que le font, le vent dans les branches, l’éclat de la pierre, la terre pétrie, les lumières éphémères.
Qu’attendait-il d’un geste qui se réinventait en permanence ? Figuratif ou non figuratif ? L’attente était ailleurs pour celui qui visait à restituer la forme de l’informe sans davantage chercher à donner un équivalent informe de l’informe. Très tôt une certitude l’habite, que le monde visible est un réservoir où choisir des éléments présupposés authentiques de la vie et du monde cosmique comme si de cette réalité, de celle de leur matière résultait nécessairement l’authenticité de l’esprit.

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm - sans titre

Un art fait de sensibilité, un merveilleux travail sur la matière, la lumière, les textures et les couleurs dont la profondeur des variations chromatiques nous font voyager vers l'intérieur de nous-mêmes et favorisent notre évasion vers la quintessence de la pensée matérialisée dans les toiles de l'artiste.

Patrick Reynolds