Biographies d'artistes contemporains

Dora Maar
Tate Modern
Bankside
London SE1 9TG
https://www.tate.org.uk/
20 November 2019 – 15 March 2020
Open daily 10.00 – 18.00 and until 22.00 on Friday and Saturday
For public information call +44(0)20 7887 8888, visit tate.org.uk or follow @Tate #DoraMaar

Tate Modern presents the first UK retrospective of the work of Dora Maar (1907–97) whose provocative photographs and photomontages became celebrated icons of surrealism. Featuring over 200 works from a career spanning more than six decades, this exhibition shows how Maar’s eye for the unusual also translated to her commercial commissions, social documentary photographs, and paintings – key aspects of her practice which have, until now, remained little known.

Born Henriette Théodora Markovitch, Dora Maar grew up between Argentina and Paris and studied decorative arts and painting before switching her focus to photography. In doing so, Maar became part of a generation of women who seized the new professional opportunities offered by advertising and the illustrated press. Tate Modern’s exhibition opens with the most important examples of these commissioned works. Around 1931, Maar set up a studio with film set designer Pierre Kéfer specialising in portraiture, fashion photography and advertising. Works such as The years lie in wait for you c.1935 – believed to be an advertising project for face cream that Maar made by overlaying two negatives – reveal Maar’s innovative approach to constructing images through staging, photomontage and collage. Striking nude studies such as that of famed model Assia Granatouroff also reveal how women photographers like Maar were beginning to infiltrate relatively taboo genres such as erotica and nude photography.

Dora Maar, 1907-1997 The years lie in wait for you c. 1935 Photograph, gelatin silver print on paper 355 × 254 mm The William Talbott Hillman Collection© ADAGP, Paris and DACS, London 2019

Dora Maar, 1907-1997
The years lie in wait for you c. 1935
Photograph, gelatin silver print on paper 355 × 254 mm
The William Talbott Hillman Collection
© ADAGP, Paris and DACS, London 2019

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First major museum exhibition to focus on Édouard Manet’s late work, featuring more than 90
paintings and drawings, including Jeanne (Spring), 1882

At the Getty Museum, Getty Center
October 8, 2019 through January 12, 2020

LOS ANGELES—Édouard Manet (1832-1883) is best known today for provocative, large-scale paintings that challenged the old masters and academic tradition and sent shockwaves through the French art world in the early 1860s. In the late 1870s and early 1880s, he shifted his focus and produced a different, though no less radical, body of work: stylish portraits, luscious still lifes, delicate pastels, intimate watercolors, and freely brushed scenes of suburban gardens and Parisian cafes.

On view at the J. Paul Getty Museum October 8, 2019 through January 12, 2020, Manet and Modern Beauty explores for the first time in a major museum exhibition the artist’s last years, after his rise to notoriety in the 1860s and the formal launch of the Impressionist movement in the early 1870s. The exhibition will feature more than 90 works of art, including an impressive array of genre scenes, still lifes, pastels, and portraits of favorite actresses and models, bourgeois women of his acquaintance, his wife, and his male friends.
“Manet is a titan of modern art, but most art historical narratives about his achievement focus on his early and mid-career work,” says Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “Many of his later paintings are of extraordinary beauty, executed at the height of his artistic prowess—despite the fact that he was already afflicted with the illness that would lead to his early death. These works sparkle with an insistent – perhaps even defiant – sense of life. Presenting many iconic paintings, including our recently acquired Jeanne (Spring), alongside pastels and intimate watercolors, Manet and Modern Beauty takes a fresh look at this justly renowned and ever-popular artist.”

Jeanne (Spring), 1881. Édouard Manet (French,  1832 - 1883). Oil on canvas. Unframed: 74 × 51.5  cm (29 1/8 × 20 1/4 in.) Framed: 98.7 × 75.9 ×  9.2 cm (38 7/8 × 29 7/8 × 3 5/8 in.) The J. Paul  Getty Museum, Los Angeles. Accession No.  2014.62.
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Dates: October 18, 2019–February 9, 2020
Curator: Manuel Cirauqui, Guggenheim Museum Bilbao

All the information on the Guggenheim Museum Bilbao is available at www.guggenheim-bilbao.eus

- The idea of a “fourth dimension” is materialized in Soto’s dynamic and abstract works, especially in his large-scale participatory sculptures, the iconic Penetrables .

- In addition to a large number of mural pieces, the exhibition includes characteristic examples from other series, such as Virtual Volumes , Extensions , and Progressions .

- According to the artist, “In the Penetrables , the spectator walks through vertical threads or bars that fill the entire available space and make up the work. From that moment on, spectator and artwork are physically and inextricably entwined.”

- The exhibition includes Soto’s celebrated Sphère Lutétia (1996), installed by the Museum’s pond for the four months of the exhibition.

The Guggenheim Museum Bilbao presents Soto. The Fourth Dimension, a retrospective exhibition of the works of Jesús Rafael Soto (b. 1923, Ciudad Bolívar, Venezuela; d. 2005, Paris). Organized by the Guggenheim Museum Bilbao in collaboration with the Atelier Soto in Paris, the show brings together over 60 works, including several of Soto’s large-scale participatory sculptures called Penetrables , some of his most iconic and important contributions to the recent history of art. In addition, the show includes a large number of historic paintings and mural works, which help to understand the fundamental role Soto played in the development of Kinetic Art from the early 1950s to the end of the 1960s, and to appreciate the development of his artistic practice up to the first decade of the 21st century.

 

Jesús Rafael Soto Sans titre (Composition dynamique), [Untitled (Dynamic Composition)], 1950 Oil on canvas 73 x 92 x 2 cm Private collection © Jesús Rafael Soto, ADAGP, Paris / VEGAP, Bilbao, 2019

Jesús Rafael Soto
Sans titre (Composition dynamique), [Untitled (Dynamic Composition)], 1950
Oil on canvas 73 x 92 x 2 cm Private collection
© Jesús Rafael Soto, ADAGP, Paris / VEGAP, Bilbao, 2019

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Costume Institute's Spring 2020 Exhibition to
Present a Disruptive Timeline of Fashion History

Costume Institute Benefit on May 4 with Co-Chairs
Nicolas Ghesquière, Lin-Manuel Miranda, Emma Stone,
Meryl Streep, and Anna Wintour

(New York, November 7, 2019)  The Metropolitan Museum of Art announced today that The Costume Institute's spring 2020 exhibition will be About Time: Fashion and Duration, on view from May 7 through September 7, 2020 (preceded on May 4 by The Costume Institute Benefit). Presented in The Met Fifth Avenue's Iris and B. Gerald Cantor Exhibition Hall, it will trace more than a century and a half of fashion, from 1870 to the present, along a disruptive timeline, as part of the Museum's 150th anniversary celebration. Employing philosopher Henri Bergson's concept of la durée—time that flows, accumulates, and is indivisible—the exhibition will explore how clothes generate temporal associations that conflate the past, present, and future. The concept will also be examined through the writings of Virginia Woolf, who will serve as the "ghost narrator" of the exhibition. Michael Cunningham, who won the Pulitzer Prize for Fiction for his novel The Hours, which was inspired by Woolf's Mrs. Dalloway, will write a new short story for the exhibition catalogue that reflects on the concept of duration.

The exhibition is made possible by Louis Vuitton.
Additional support is provided by Condé Nast.

"This exhibition will consider the ephemeral nature of fashion, employing flashbacks and fast-forwards to reveal how it can be both linear and cyclical," said Max Hollein, Director of The Met. "As such, the show will present a nuanced continuum of fashion over the Museum's 150-year history."

Andrew Bolton, Wendy Yu Curator in Charge of The Costume Institute, said: "Fashion is indelibly connected to time. It not only reflects and represents the spirit of the times, but it also changes and develops with the times, serving as an especially sensitive and accurate timepiece. Through a series of chronologies, the exhibition will use the concept of duration to analyze the temporal twists and turns of fashion history."

In celebration of the opening, The Costume Institute Benefit, also known as The Met Gala, will take place on Monday, May 4, 2020. The evening's co-chairs will be Nicolas Ghesquière, Lin-Manuel Miranda, Emma Stone, Meryl Streep, and Anna Wintour. The event is The Costume Institute's main source of annual funding for exhibitions, publications, acquisitions, and capital improvements.

Surreal, David Bailey (British, born 1938), 1980; Photo © David Bailey

Surreal, David Bailey (British, born 1938),
1980; Photo © David Bailey

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24 octobre 2019 - 24 février 2020
Léonard de Vinci
https://www.louvre.fr/
À l’occasion des 500 ans de la mort de Léonard de Vinci en France, le musée du Louvre conçoit et organise une grande rétrospective consacrée à l’ensemble de sa carrière de peintre.
L’exposition entend montrer combien Léonard a placé la peinture au-dessus de toute activité, et la manière dont son enquête sur le monde – il l’appelait « science de la peinture », fut l’instrument d’un art, dont l’ambition n’était autre que de donner la vie à ses tableaux.
Autour de sa propre collection de 5 tableaux, la plus importante au monde – la Joconde restera toutefois exposée dans le parcours des collections permanentes – et de ses 22 dessins, le Louvre rassemblera près de 140 oeuvres (peintures, dessins, manuscrits, sculptures, objets d’art) issues des plus prestigieuses institutions européennes et américaines : la Royal Collection, le British Museum, la National Gallery de Londres, la Pinacothèque vaticane, la Bibliothèque Ambrosienne de Milan, la Galleria Nazionale de Parme, les Gallerie dell’Accademia de Venise, le Metropolitan Museum de New York, l’Institut de France, …

La célébrité extraordinaire de cet infatigable curieux, perçu très tôt comme l’incarnation du génie et du savoir universels, l’aura presque surréaliste de la Joconde et la littérature considérable qui s’est accumulée de son époque à nos jours offrent une image confuse et fragmentaire du rapport de Léonard à la peinture.
Aboutissement de plus de dix années d’un travail ayant vu notamment l’examen scientifique renouvelé des tableaux du Louvre et la restauration de trois d’entre eux (la Sainte Anne, la Belle Ferronnière et le Saint Jean Baptiste), permettant de mieux comprendre sa pratique artistique et sa technique picturale, l’exposition s’efforce également de clarifier la biographie de Léonard sur la base d’une reprise de l’ensemble de la documentation historique. Elle rompt avec l’approche canonique de la vie du maître florentin selon six périodes chronologiques rythmées par ses déplacements géographiques, en faveur de quelques clés qui en ouvrent l’univers.
Émerge ainsi le portrait d’un homme et d’un artiste d’une extraordinaire liberté.

Leonard de Vinci exposition Musée du Louvre
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Exposition
Guy Bourdin
Zoom
18 octobre 2019 – 26 janvier 2020

Vernissage > Jeudi 17 octobre 2019 à 19 heures

En présence de Gérard Baudoux, Adjoint au Maire de Nice délégué aux Musées, à l’Art moderne et contemporain, au Développement du mécénat et financements culturels, représentant Christian Estrosi, Maire de Nice, Président de la Métropole Nice Côte d’Azur, Président délégué de la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur & de Samuel Bourdin, fils de Guy Bourdin

Musée de la Photographie Charles Nègre
1, Place Pierre Gautier – Nice

Du 18 octobre 2019 au 26 janvier 2020, la Ville de Nice vous invite à découvrir l’exposition « Guy Bourdin. Zoom » au Musée de la Photographie Charles Nègre. Le vernissage de l’exposition se tiendra le jeudi 17 octobre 2019 à 19 heures.

Guy Bourdin (1928-1991) est un photographe de mode et de publicité français. Cet autodidacte est né et a vécu à Paris où il a exercé son art des années 1950 à la fin des années 1980. Pendant plus de trente ans, il a repoussé les frontières de la photographie de mode contemporaine et son œuvre est toujours une source d’inspiration et de fascination. Il a consacré sa vie à une quête artistique qui s’est également exprimée à travers la peinture, les films et l’écriture. Créateur avant-gardiste, il fut sans aucun doute l’un des photographes de mode les plus influents du vingtième siècle. Fascinante et révolutionnaire, son œuvre continue d’inspirer ses contemporains et fait l’objet d’un véritable culte.

Guy Bourdin Vogue Paris, Mai 1970 © The Guy Bourdin Estate 2019 Courtesy Art and Commerce
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Au-delà de la peinture

29 June – 17 November 2019

https://www.fondation-maeght.com/ 

Du 29 juin au 17 novembre 2019, dans la lignée de l’héritage de Marguerite et Aimé Maeght et de leur fils Adrien, éditeurs d’art et imprimeurs, la Fondation Maeght propose, pour sa grande exposition estivale, un hommage au génie créateur de Joan Miró.
L’exposition Joan Miró. Au-delà de la peinture, dont le commissariat est assuré par Rosa Maria Malet, directrice historique de la Fundació Joan Miró, à Barcelone, offre au public de découvrir une partie essentielle de l’oeuvre de l’artiste : son exceptionnel oeuvre graphique. Cette exposition fait également écho à la rétrospective présentée cet hiver au Grand Palais, à Paris.

Le 12 juin 1925, le Tout-Paris assiste au vernissage de la première exposition personnelle de Joan Miró à la Galerie Pierre, récemment ouverte par le marchand d’art Pierre Loeb. Le lendemain, alors que la galerie est vide, Raymond Roussel va voir l’exposition avec Michel Leiris. Sachant combien Roussel était soucieux de préserver son intimité, Miró s’abstint de les accompagner, mais il fut extrêmement flatté lorsque son ami Leiris lui rapporta la réaction de l’auteur d’Impressions d’Afrique devant ses tableaux. « Ça va au-delà de la peinture », s’était exclamé le grand écrivain devant l’oeuvre difficilement classable de Miró1

1/ « Leiris m’a expliqué la réaction de Roussel. Il a dit à Leiris : “Ça va au-delà de la peinture.” J’ai beaucoup apprécié ce jugement. Il était très difficile de savoir ce que pensait Roussel », dans Joan Miró, Ceci est la couleur de mes rêves. Entretiens avec Georges Raillard, Paris, Seuil, 1977, p. 23.

Le Grand triptyque noir, 1969. © Successió Miró, Adagp Paris 2019. Photo Claude Germain / Archives Fondation Maeght. 
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Lucio Fontana
Sur le seuil

Dates : du 17 mai au 29 septembre 2019
Commissaires : Iria Candela, “Estrellita B. Brodsky” Curator of Latin American
Art, The Metropolitan Museum of Art, New York, avec Manuel Cirauqui,
Curateur, Musée Guggenheim Bilbao.
Musée Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2 - 48009 Bilbao, Espagne
https://www.guggenheim-bilbao.eus/

- Les premières oeuvres de Fontana des années 1930 et 1940 illustrent une trajectoire évoluant vers l’abstraction mais perméable aux courants esthétiques qui marquaient ces années complexes. En même temps, elles annoncent déjà la volonté de transgression des toiles lacérées qui domineront sa production ultérieure.

 - L’exposition présente une sélection extraordinaire d’oeuvres de la série iconique des Entailles (Tagli), ainsi que les tous premiers Trous (Buchi ), pièces que leur radicalité situe à la frontière entre peinture, sculpture et action artistique.

 - Avec ses Environnements spatiaux (Ambienti spaziali ) et ses expérimentations avec la lumière et l’espace, en recourant parfois aux tubes de néon, Fontana jette les bases du développement futur de l’art de l’installation et de l’oeuvre d’art immersive.

 

Lucio Fontana (1899–1968) Spatial Concept, Expectations (Concetto Spaziale, Attese), 1959 Oil on canvas with slashes 90.8 × 90.8 cm Olnick Spanu Collection, New York © Fondazione Lucio Fontana, Bilbao, 2019
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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

 Patrick Reynolds
Directeur de publication

 

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