Expressionnisme Abstrait L'EXPOSITION
3 février 2017 – 4 juin 2017

GUGGENHEIM BILBAO

À une époque trouble entre la Seconde Guerre Mondiale et les années free jazz bercées par la poésie de la génération beat, des artistes comme Pollock, Rothko et De Kooning mirent à mal les conventions en vigueur afin d’inaugurer une nouvelle étape de confiance vis à vis de la peinture. L’Expressionnisme Abstrait est le fruit de l’expérience commune d’une série d’artistes qui vivaient à New York en 1940 et, qui alors même qu’ils étaient amis et compagnons, avaient tous un style à part entière. Contrairement à ce qui s’était produit pour les précédents mouvements des Cubisme et Surréalisme, l’Expressionnisme Abstrait ne semblait pas adopter une formule figée. Cette diversité mit à l’honneur la liberté d’expression individuelle et artistique de chacun d’entre eux.

L’Expressionnisme Abstrait marqua un moment clé dans l’évolution de l’art du XXe siècle. Étonnamment, aucune grande exposition n’a été consacrée en Europe à ce mouvement depuis 1959. Avec plus de 130 peintures, sculptures et photographies issues de collections publiques et privées du monde entier, cette exposition ambitieuse comprend les chefs d’œuvre des artistes nord-américains les plus talentueux rattachés à  ce mouvement, comme Willem de Kooning, Arshile Gorky, Philip Guston, Franz Kline, Joan Mitchell, Robert Motherwell, Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko, Aaron Siskind, David Smith et Clyfford Still, ainsi que d’autres figures moins connues mais tout aussi révélatrices.

Cette sélection prétend réévaluer l’Expressionnisme Abstrait, et souligner que même s’il a été perçu comme un mouvement unifié, ce fut un phénomène extrêmement complexe, pluriel et polyédrique. C’est aussi l’occasion de mettre à mal l’idée selon laquelle l’Expressionnisme Abstrait avait uniquement rayonné dans la ville de New-York, ayant aussi inclus des artistes de la Côte Ouest comme Sam Francis, Mark Tobey et Minor White.

Jackson Pollock
Masculin et féminin (Male and Female), 1942–43
Huile sur toile
186,1 x 124,3 cm
Philadelphia Museum of Art. Donation de M. et Mme H. Gates Lloyd, 1974
Photo : Philadelphia Museum of Art
© The Pollock-Krasner Foundation VEGAP, Bilbao, 2016

Du 1er juillet au 1er octobre 2017, Jean-Pierre Raynaud est le cinquième invité du MAMO (Marseille Modulor) après Xavier Veilhan, Daniel Buren, Dan Graham et Felice Varini. Le cinquième point de vue singulier sur la Cité Radieuse du Corbusier, sa terrasse et son gymnase redevenu centre d’art par la volonté d’Ora Ito. « Avec le soutien de Longchamp, le MAMO poursuit son cycle d’invitations annuelles auprès d’artistes immenses, seuls capables de prendre le pouvoir sur des espaces imposants et de se mesurer à ce lieu hors du commun. Jean-Pierre Raynaud est une référence capitale de mon éveil à l’art. Sa maison bien sûr, sa stature et l’ensemble de son œuvre ont façonné une part de ma culture artistique. » résume Ora Ito.

« Je ne me sens pas en concurrence avec d’autres artistes, mais comme un invité au MAMO. Invité par le Corbusier à qui je dois faire une réponse aussi libre qu’il l’était lui même. Ce qui m’intéresse ce n’est pas de montrer des œuvres, mais de rencontrer cette architecture. En particulier cette terrasse classée où l’on ne peut pas tout faire.» précise Jean-Pierre Raynaud revenu du marché de l’art et de ses excès pour se consacrer au plaisir de la création pure.

L’artiste français a voulu un seul geste, une seule œuvre. Une flèche monumentale de 17 m posée à l’horizontale sur la terrasse en direction du gymnase « Je fais une exposition pour les oiseaux, pas pour les gens. Cette terrasse en altitude m’évoque un porte avion, une piste d’atterrissage pour soucoupes volantes, je veux la voir du dessus. La flèche noire comme une ombre pointera sur le MAMO qui renferme mon trésor, une série de pièces historiques importantes dans mon parcours. Cette flèche dit « c’est ici », l’événement est là, mais elle dit aussi « C’est moi ». Il s’agit de vanité au bon sens du terme. D’ambition et non de prétention. Je pose un signe sur cette architecture pour la confronter à mon échelle personnelle ».

« La flèche c’est d’abord la trace de l’homme, l’un des signes les plus anciens de l’écriture que l’on retrouve sur les parois des cavernes. La flèche s’est aussi une arme et c’est aussi une direction. Enfin la flèche marque un lieu précis celui qui fait la différence. Aussi il n’est pas anodin qu’un homme l’accapare pour dire « ici », pour dire « je » suis celui qui marque, qui imprime sa trace pour capturer l’espace. L’ambition est immense, hors limite. Le lieu ainsi signé devient unique à travers ce geste artistique. » Jean-Pierre Raynaud, 2011

Portrait Jean-Pierre Raynaud crédit photo Philippe Chancel

Gérard SCHLOSSER
27/04/2017 - 27/05/2017
Galerie Laurent Strouk
galerie(at)laurentstrouk.com
www.laurentstrouk.com
2 avenue Matignon F-75008 Paris
Tel : (+33) 1 40 46 89 06 Fax : (+33) 1 40 46 89 04

De sa formation initiale d’orfèvre à l’Ecole des Arts Appliqués, le peintre français Gérard Schlosser (1931) a conservé une attention particulière au détail, une manière qui lui est propre d’assembler avec une infinie minutie des fragments d’images jusqu’à composer de petite scène avec ou sans personnages qui sont comme la trace d’une histoire qui se jouerait hors-cadre.

Les codes techniques du peintre sont toujours identiques et toujours recommencés. Une trame narrative supposée est plus ou moins suggérée par les titres incisifs, fragmentaires, au sens parfois équivoque : « Elle est belle », « Tu sais où il est », « C’est pas lui », « Fais pas le con », « C’est pas si mal », « Sur le mur »… Ils renforcent un flottement recherché qui suggère une histoire incertaine qui peut se prolonger hors du cadre. Ces petites voix qui se font entendre rappellent à chacun un moment de vie fugace, banal qui reste inscrit dans des souvenirs d’instants authentiquement vécus. Ces citations de vie, ces passages du temps ensevelis dans la mémoire revivent dans l’actualité de la peinture.

Avec sa dernière série de 27 tableaux présentée à la galerie Laurent Strouk du 28 avril au 27 mai 2017, Gérard Schlosser semble s’exposer dans un multiple jeu de miroirs quand il propose des personnages de dos qui s’inscrivent dans des fragments de toiles de Fernand Léger. Devant les œuvres du créateur du Modernisme, ces figures s’interrogent, nous interrogent et proposent une mise en abîme de la peinture.

Gérard Schlosser Une illusion 2016
Acrylique sur toile sablée 150 x 150 cm
Courtesy Galerie Laurent Strouk

Thibaut de Réimpré
« Morceaux choisis,
25 ans de fracas, de combustions et d’aventure »
du 18 mai au 17 juin 2017
Vernissage le jeudi 18 mai 2017
dans le cadre d’Art Saint Germain des Prés
Galerie ARCTURUS - 65 rue de Seine - 75006 PARIS Tél : 01 43 25 39 02
e-mail : arcturus(at)art11.com - web : www.art11.com/arcturus
facebook : www.facebook.com/GalerieArcturus twitter : twitter.com/GalerieARCTURUS
Instagram : www.instagram.com/galerie_arcturus

Cela fait plusieurs années que Thibaut de Réimpré n’a pas eu d’exposition personnelle  dans une galerie parisienne.

Suivant avec passion son travail depuis de très nombreuses années, j’ai  choisi avec lui de tourner notre regard vers l’aventure des 25 dernières années.

Sous le calme apparent et le sourire de Thibaut, bouillonne une profusion de forces telluriques, un fracas, un chaos de couleurs et d’enchevêtrements de lignes qui éclatent dans ses œuvres.

Ces morceaux choisis témoignent du dynamisme, de la constance, de l’engagement de son œuvre : le sujet central est « la peinture, ici et maintenant » comme le dit Philippe Piguet.

Sa peinture est à la fois élégante et forte, elle pousse à s’abandonner au  simple plaisir de la peinture, d’en suivre les méandres, les matières et les couleurs dans un engagement complet du corps et de l’imagination. Elle pousse à la rêverie active, donne de l’énergie et de l’enthousiasme, elle nous rend, passionné de la vie.

Cette exposition constitue donc un moment important pour cet artiste, actif depuis 1974, qui a une place singulière dans le mouvement de l’abstraction lyrique.

Nous vous accueillerons avec plaisir sur rendez-vous à un horaire de votre choix afin de vous fournir tout renseignement / matériel complémentaire dont vous pourriez avoir besoin.

Anne de la Roussière (06 80 16 15 88)
Galerie ARCTURUS

Thibaut de Réimpré Acrylique sur papier, 100 x 100 cm, 1991

ALBERTO GIACOMETTI
Tate Modern
Bankside, London SE1 9TG,
Royaume-Uni

http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern

10 May – 10 September 2017

Supported by the Alberto Giacometti Supporters Circle, Tate Patrons and Tate Americas Foundation Tate Modern, Eyal Ofer Galleries

This summer Tate Modern will present the UK’s first major retrospectiveof Alberto Giacometti (1901-1966) for 20 years. Celebrated as a sculptor, painter and draughtsman, Giacometti’s distinctive elongated figures are some of the most instantly recognisable works of modern art. This exhibition will reassert Giacometti’s place alongside the likes of Matisse, Picasso and Degas as one of the great painter-sculptors of the 20th century. Through unparalleled access to the extraordinary collection and archive of the Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris, Tate Modern’s ambitious and wide-ranging exhibition will bring together over 250 works. It will include rarely seen plasters and drawings which have never been exhibited before and will showcase the full evolution of Giacometti’s career across five decades, from early works such as Head of a Woman [Flora Mayo] 1926 to iconic bronze sculptures such as Walking Man I 1960.

Born in Switzerland in 1901, Giacometti moved to Paris in the 1920s where he became engaged with cubism and latterly joined the Surrealist Group in 1931. Celebrated works such as Woman with her Throat Cut 1932 will reveal Giacometti’s engagement with surrealism as well as his powerful explorations of brutality and sadism. A wide range of the artist’s large scale sculptures will also be showcased alongside his drawings and books. Other works like Untitled (mask) 1934 will demonstrate his engagement with the decorative arts, while Man (Apollo) 1929 and The Chariot 1950 will show his preoccupation with Egyptian and African art. The exhibition will reveal how Giacometti, perhaps more than any other artist of his day, fused the ancient and the modern and broke down barriers between the decorative and the fine arts.

Alberto Giacometti Man Pointing 1947
Bronze 178 x 95 x 52 cm
Tate, Purchased 1949
© Alberto Giacometti Estate, ACS/DACS, 2017

SFMOMA PRESENTS DIANE ARBUS: IN THE BEGINNING IN THE NEW PRITZKER
CENTER FOR PHOTOGRAPHY JANUARY 21–APRIL 30, 2017

San Francisco Museum of Modern Art
151 Third Street
San Francisco, CA 94103

https://www.sfmoma.org/

SAN FRANCISCO, CA (October 27, 2016)—The San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) will present the West Coast debut of the acclaimed exhibition diane arbus: in the beginning, on view January 21 through April 30, 2017. Organized by The Metropolitan Museum of Art, diane arbus: in the
beginning considers the first seven years of the photographer’s career, from 1956 to 1962. Bringing together over 100 photographs from this formative period, many on display for the first time, the exhibition offers fresh insights into the distinctive vision of this iconic American photographer. The exhibition will be on view in the museum’s new Pritzker Center for Photography, made possible by the Lisa and John Pritzker Family Fund. SFMOMA is the only American venue other than The Metropolitan Museum of Art to present this exhibition.

A lifelong New Yorker, Diane Arbus (1923–1971) found the city and its citizens an endlessly rich subject for her art. Working in Times Square, the Lower East Side and Coney Island, she made some of the most powerful portraits of the 20th century, training her lens on the pedestrians and performers she
encountered there. This exhibition highlights her early and enduring interest in the subject matter that would come to define her as an artist. It also reveals the artist’s evolution from a 35mm format to the now instantly recognizable and widely imitated look of the square format she adopted in 1962.

Diane Arbus, Stripper with bare breasts sitting in her dressing room, Atlantic City, N.J
© The Estate of Diane Arbus, LLC. All rights reserved.

Ce tableau de John Levee de 1959 a été vendu 32.000 US$ au marteau soit 40.000 US$ frais compris chez Sotheby's New-York le 2 mars 2017

This painting of John Levee of 1959 was sold 32.000 US $ to the hammer or 40.000 US $ expenses included in Sotheby's New-York 3 March 2017

John Harrison Levee Oil on canvas signed upper left side and dated 59, signed, titled APRIL IV and dated 1959 on the reverse
dimensions 51 1/4 by 63 3/4 in. 130.2 by 161.9 cm.

Provenance
André Emmerich Gallery, Inc., New York
Private Collection, New York
Sotheby's, New York, 30 June 1993, Lot 260A
Acquired from the above sale by the present owner
Sale SOTHEBY'S NEW YORK NR 172 - 02/03/2017

Konrad Klapheck
Derrière le rideau
6 avril – 13 mai 2017
Vernissage jeudi 6 avril à partir de 18h

Galerie Lelong
13 Rue de Téhéran, 75008 Paris
+ 33 1 45 63 13 19
www.galerie-lelong.com
info(at)galerie-lelong.com
Konrad Klapheck, né à Düsseldorf en 1935, a choisi d'intituler cette nouvelle exposition à la Galerie Lelong Derrière le rideau. « Il est des rideaux très différents et il faut distinguer entre le rideau qui se ferme, tiré par un vicomte mozartien voulant cacher les libertés qu'il prend avec la jolie femme de chambre, et le rideau qui s'ouvre sur une scène de théâtre ou un spectacle musical »  explique l'artiste. Et pour cause, sur les toiles récentes qui composent cet ensemble, il nous donne à voir tour à tour des artistes, instrumentistes ou contortionnistes, en représentation, rideau ouvert et des couples qui, rideaux fermés, affichent une certaine forme d'intimité. Mais Klapheck ne s'arrête pas à cette forme de dualité évidente qui veut que le rideau ouvert concerne la sphère publique et le rideau fermé la sphère privée. Il peint aussi des nus qui s'exposent devant le rideau, dans le cadre d'un cours de modèle vivant, par exemple, ou un musicien observant le public derrière le rideau, juste avant d'entrer en scène.

Pour cette exposition, Klapheck présente aussi quelques nouvelles machines, ces tableaux à la fois étranges et familiers qu'il peint depuis le milieu des années 50. On retrouve dans ces peintures, la même rigueur méticuleuse, la même surprenante et inquiétante étrangeté que dans ses peintures du XXe siècle, preuve qu'il n'avait pas tiré le rideau sur elles.

À paraître : Repères n°168 avec des textes de Kay Heymer et Konrad Klapheck.

Konrad Klapheck Derrière le rideau, 2015, acrylique sur toile, 130 x 100 cm

John Harrison LEVEE (né en 1924) Technique mixte sur panneau dimensions 185 x 132 cm Exposition Musée de Saint Lô

 John Harrison LEVEE (né en 1924)

L’incontournable second rôle prolifique du cinéma français

Par Fabrice Venturini.

Décédé en juin 2011, membre de La Comédie Française, père du cinéaste Philippe Garrel et grand-père de l’acteur Louis Garrel et de l’actrice Esther Garrel, Maurice Garrel aura marqué les esprits ; jusqu’à ses nominations tardives aux Césars pour « La discrète », de Christian Vincent, et « Rois et Reine », d’Arnaud Desplechin. Sans occulter ses deux nominations aux Molières : respectivement pour « C’était bien » et « Le visiteur »…

Père nécessiteux, il fut marionnettiste. Acteur, il côtoya les plus grands : Costa-Gavras, François Truffaut, Joffé, Clément, Cavalier, Deray, Piccoli, Chabrol, Lelouch, Godard etc. Son réalisateur de fils également : Philippe Garrel.

A l’heure où ce dernier s’apprête à sortir son prochain film, à l’heure aussi où Louis Garrel incarnera Godard au cinéma, dans «  Le redoutable », de Michel Hazanavicius, la femme de Maurice Garrel, Huguette, ainsi que Fabrice Venturini, s’attellent à un projet commun : trouver un musée ou une galerie partenaire en vue d’un livre hommage et d’une exposition où s’illustrera la part méconnue du public de l’œuvre de Maurice Garrel. A savoir la trentaine de peintures qu’il laissa (et pour laquelle il n’eut pas le temps d’organiser une manifestation), des poèmes inédits, des photographies qui ne le sont pas moins, avec Albert Camus, Genet, Piccoli, et autres instantanés magnifiques…

-Appel à collaboration : merci à toute institution, musée ou galerie, qui témoignerait un intérêt à ce projet,
d’en faire part à l’adresse mail suivante : venturinimage.seconde(at)gmail.com

Photo de Maurice Garrel par Huguette Garrel

We regret to announce that the American painter in Paris, John Harrison Levee (born April 10th 1924), has died today (January 18th, 2017) in Paris.

Levee took a Master's degree in philosophy from the University of California Los Angeles before becoming an aviator in the Second World War. Following the war he decided to stay to work as a painter in Montparnasse, after studying at Académie Julian. Levee was a magnificent painter of force and guts and forthrightness. He exhibited a talent for gravitas with strong gestures rendered in blacks and strong colors, as well as a penchant for impasto surfaces. Intense in passionate emotions, the painter's work has a deeply moving deportment.  

John Harrison Levee https://en.wikipedia.org/wiki/John_Levee

http://hyperallergic.com/154011/three-americans-find-leeway-in-midcentury-paris/

Joseph Nechvatal et Patrick Reynolds

John Levee, "Composition" (1961) oil, 160x130 cm

Du 3 janvier au 28 février, venez admirer les 19 tableaux du peintre Lionel Sourisseau exposés à la Galerie du caveau de l'Union des Producteurs de Saint-Émilion lieu-dit Haut Gravet..

Informations pratiques :
La galerie est ouverte du lundi au samedi de 9h à 12h30 et de 13h30 à 18h.
Téléphone : 05.57.24.70.71 voir le site internet
Le vernissage aura lieu mercredi 11 janvier,

En ce début d’année, l’Union de Producteurs de Saint-Emilion a le plaisir et le grand privilège d’accueillir une exposition hors norme sous la houlette de Claude PERUSAT, marchand d’art Collectionneur de Libourne. L’exposition qui compte 19 toiles se tient à la Galerie du Caveau de l’UNION DES PRODUCTEURS jusqu’au 28 février inclus. « Des tableaux inédits réalisés pour cette exposition », note Claude Pérusat.

"Né le 20 octobre 1951 à Saumur, le même jour que Arthur Rimbaud, hasard ou coincidence il écrit de nombreux poèmes qui lui apparaissent comme des songes.
Cet univers poétique, ses connaissances du chamanisme, l'importance de la spiritualité, la place de l'âme dans l'art, l’amènent tout naturellement à la création picturale. Il aurait eu sa place dans le livre de René Huyghe "l'Art et l'âme" édité chez Flammarion en 1968.
On retrouve dans ses oeuvres la marque des grands artistes de notre temps : « une écriture parfaitement reconnaissable et identifiable » comme l’aurait fait remarquer Emmanuel David le marchand découvreur de Bernard Buffet, l'incarnation de la vie d'une époque. Sourisseau  est un artiste qui reçoit en permanence des images et des messages qui nous comblent de bonheur par la richesse de sa palette chromatique.  Ses peintures, colorées et au trait brut, sans artifices, parfois accompagnées de collages, ne sont pas sans rappeler les œuvres de Robert Combas, mais peut-être encore davantage le talentueux et regretté Jean-Michel Basquiat avec lequel il partage  le goût pour l’art haïtien que l’on retrouve en filigrane dans la plupart de ses tableaux. A nous de décripter la complexité et le mystère de la lecture de ses œuvres.

Article paru dans le Journal SUD-OUEST

Lien vers l'article Journal LE RESISTANT

A l’occasion de la grande retrospective au MOMA de New York, la jeune galerie d’art Moderne Benjamin Sebban Fine Art présente son premier Solo Show
consacré à l’artiste Francis Picabia.

Exposition du 10 Janvier au 10 Fevrier 2017 à la galerie

Benjamin Sebban Fine Art
4, rue du Faubourg Saint-Honoré, Paris VIII.
Preview Lundi 9 Janvier 2017 de 14h00 a 21h00.

http://www.benjaminsebban.com/

+33 (0) 1 44 94 08 25

contact(at)benjaminsebban.com

L’exposition intitulée «PICABIA PICABIA PICABIA » sera consacrée à la période 1920/1940 .
Elle présentera des oeuvres rares de la période des transparences comme des portraits des années 40, Françoise Rosay, Ingrid Bergman, Yvonne Printemps ou encore un portrait incroyable de Marcel Duchamp en Rrose Sélavy.

Picabia Portrait d'Yvonne Printemps, 1943
Huile sur panneau 76 x 53 cm

De nombreux lecteurs nous ont fait part de leur connivence avec le dernier article " l'art émotion", car eux-mêmes avaient déjà ressenti cette émotion quand leur regard avait été attiré inconsciemment par une œuvre dont ils ne pouvaient se détacher.
Pourquoi ? Tout simplement parce que l'œuvre nous " parle " , nous incite à réfléchir sur nous-mêmes, le monde qui nous entoure, le passé d'où nous venons. Après le temps du regard émotion, vient celui du regard humaniste.
D'aucuns nous répondront : " l'œuvre d'art est une marchandise comme les autres, elle a un prix dans un marché libre et mondialisé, et les amateurs d'art ne sont que des spéculateurs". C'est vrai pour certains, ne le cachons pas, et laissons-les spéculer au risque de tout perdre, et l'émotion, et le regard, et l'argent.
Mais n'oublions pas que le bonheur du vrai collectionneur consiste à découvrir des créateurs qui ont un autre regard, à dénicher de nouvelles œuvres qui font parfois scandale, en cassant les codes établis par la recherche de nouvelles voies. Ce fut vrai fin XIXème début XXème dans le monde occidental comprenant la Russie, par la rupture avec l'art issu de la Renaissance. C'est vrai aujourd'hui avec les " regards neufs " ( Le monde 3/12/2016 ) du monde chinois ou des Caraïbes par le dépassement de l'art occidental .
En fait, à chaque fois, c'est un autre regard , une autre conception de l'humanité. C'est notre histoire et c'est l'histoire de l'art.

Françoise Forgerit
Agrégée d’Histoire

Ma Qun 2016 acrylique sur toile
164 x 114 cm

Du 4 octobre 2016 au 5 février 2017

Du mardi au vendredi : 10h30 – 18h
Samedis, dimanches et Jours fériés (sauf les lundis) : 9h30 -18h00.

Musée National Picasso
5 rue de Thorigny
75003 Paris
http://www.museepicassoparis.fr/
Du mardi au vendredi : 10h30 – 18h
Samedis, dimanches et Jours fériés (sauf les lundis) : 9h30 -18h00.

Picasso-giacometti
DiaLogue entre Deux maîtres

Du 4 octobre 2016 au 5 février 2017, le Musée Picasso présente la toute première exposition consacrée à l'oeuvre de deux des plus grands artistes du XXe siècle : Pablo Picasso (1881-1973) et Alberto Giacometti (1901-1966).

Grâce à un prêt exceptionnel de la Fondation Giacometti, cette exposition inédite, qui occupera le rez-de-chaussée et le premier étage de l'hôtel Salé, réunit plus de 200 oeuvres des deux maîtres provenant des riches collections du Musée Picasso et de la Fondation Giacometti, ainsi que des prêts de collections françaises et étrangères.

Un important travail de recherche, mené en commun dans les fonds d'archives du Musée Picasso et de la Fondation Giacometti, a permis de révéler des documents inédits, esquisses, carnets et annotations significatives. Ceux-ci éclairent les relations méconnues entre les deux artistes, relations à la fois amicales et formelles, et l'intérêt mutuel qu'ils se sont porté à des moments clefs de leurs carrières, en dépit de vingt ans de différence d'âge.

Dotés de tempéraments différents, mais caractérisés tous deux par une grande liberté d'esprit et d'invention, Picasso et Giacometti partagent une fascination pour le lien entre Éros et Thanatos, comme pour le déplacement des limites de la représentation. De leur rencontre au début des années 1930 à leurs dialogues nourris dans l'après-guerre autour des querelles du retour au réalisme, les deux artistes n'ont cessé d'échanger sur leur création. Comme l'exposition le révèle, de nombreuses similitudes formelles et thématiques rapprochent leurs oeuvres de la période surréaliste. À partir de la fin des années 1930, tous deux vont transformer leur pratique et partager des questionnements sur l'art et sa relation au réel, auxquels le peintre-sculpteur et le sculpteur-peintre répondent par des solutions formelles différentes.

Crédits photos de couverture Dora Maar, Portrait d'Alberto Giacometti, 1936 © Succession Giacometti (Fondation Giacometti + ADAGP) Paris, 2016.

Dora Maar, Portrait de Picasso, Paris, studio du 29, rue d'Astorg
(appuyé à un mur), vers 1936, Paris © Centre Pompidou,
MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou,
MNAM-CCI © ADAGP ©Succession Picasso 2016

Bernard Buffet Rétrospective
14 octobre 2016 - 26 février 2017

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
11 Avenue du Président Wilson
75116 Paris
Tel. 01 53 67 40 00
www.mam.paris.fr

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris organise une rétrospective de l’oeuvre de Bernard Buffet (1928 - 1999), considéré comme l’un des peintres français les plus célèbres du XXème siècle, mais également l’un des plus discutés. À travers une sélection d’une centaine de peintures, l’exposition propose une relecture d’une oeuvre qui a été en réalité très peu vue.

Parce que le Musée d’Art moderne est le seul musée public possédant une collection importante d’oeuvres de l’artiste (entrée en 1953 par l’important legs Girardin et en 2012 par la donation Ida et Maurice Garnier), il était légitime de réaliser ce projet qui remonte aux premiers contacts pris avec son marchand historique Maurice Garnier (1920 - 2014), il y a près de dix ans, mais que la dimension restée longtemps polémique de l’oeuvre de Bernard Buffet avait retardé.

Aujourd’hui, avec la distance du temps, de nombreux artistes, professionnels et amateurs, reconsidèrent l’oeuvre, ce qu’elle pouvait avoir de déroutant s’étant en partie atténué. En balayant l’ensemble de l’oeuvre dans un parcours rétrospectif, mais très sélectif en raison de la grande productivité de l’artiste, l’exposition montrera la qualité et la variété insoupçonnées de ce qui restera peut-être comme une des oeuvres picturales les plus fascinantes du siècle dernier et dont l’influence sera peut-être une des plus considérables.

Bernard Buffet
Autoportrait sur fond noir, 1956
129,3 x 96,8 cm, huile sur toile
Collection Pierre Bergé
© dominique Cohas

ING corporate
Bruxelles • octobre 2016

Guggenheim Full Abstraction
ING Art Center 
Place Royale 6 – 1000 Bruxelles
19 octobre 2016 – 12 février 2017

Du 19 octobre 2016 au 12 février 2017, l’ING Art Center, à Bruxelles, présentera un impressionnant ensemble d’oeuvres d’art issues des collections Peggy Guggenheim à Venise et Solomon Guggenheim à New York. Parmi celles-ci, de nombreux chefs d’oeuvre représentatifs des courants de l’abstraction expressionniste d’après-guerre américain et européen, datant des années 1940 jusqu’aux années 1960, et surtout bon nombre d’oeuvres d’artistes rarement exposés en Belgique.

L’exposition retrace l’évolution de la scène artistique des deux côtés de l’Atlantique pendant trois décennies, des années 1940 aux années 1960, à travers les musées de deux collectionneurs américains, Peggy Guggenheim et Solomon Guggenheim. Placé sous la direction de Luca Massimo Barbero, conservateur adjoint de la Collection Peggy Guggenheim de Venise, l’événement est co-organisé par l’ING Art Center et la Fondation Solomon R. Guggenheim de New York. Elle offrira aux visiteurs une occasion exceptionnelle de voir associées des pièces des musées de Solomon et de sa nièce Peggy, pour une vision transversale sur l’oeuvre de certaines des plus grandes figures de l’art du XXe siècle.

Robert Motherwell Easter Day 1971