Exposition T'ang Haywen: Chemins de l'encre
à la Galerie Jean-François Cazeau et à la Pagode 
Vernissage le 24 mai 2024 dans le cadre du Paris Gallery Weekend 
du 24 mai au 17 juin 2024.
Vernissage à la galerie le 24 mai de 16h à 21h.

 Exposition T'ang Haywen Galerie Jean-François Cazeau

Grand maître de l'encre de la seconde moitié du XXe siècle, l'œuvre de T'ang Haywen (1927-1991) révèle un univers profond, plein de sensibilité et d'intensité. Sa production est focalisée sur le paysage et marquée par l'usage de l'encre. Fasciné par le travail de calligraphe de son grand-père et par l'œuvre de Shitao, grand calligraphe, poète et paysagiste de la dynastie Ming du XVIIe siècle, qui marque la rupture avec le style traditionnel chinois, T'ang décide de consacrer sa vie à la peinture. T'ang maîtrise l'art millénaire, fondamental de son pays – l'encre – et il suit les préceptes de la philosophie également millénaire du Taoïsme.

Un des trois grands peintres chinois à Paris après la Deuxième Guerre, T'ang fait partie de la vague d'artistes exilés qui trouvent à Paris les conditions propices pour l'exercice de leur art, dans ce qu'on appelle tout simplement l'Ecole de Paris. Quand il arrive à Paris, le monde de l'après-guerre qu'il retrouve est en frémissement. Les principes du machinisme et de la raison sont mis en question. Le climat du triomphe de l'abstraction lyrique et de l'expressionnisme abstrait, tous les deux puissant des sources de la calligraphie orientale sans les copier est fécond pour un artiste comme T'ang, qui est libre d'aller entre le sens et la forme, entre calligraphie et peinture. Ayant seulement les bases de la calligraphie traditionnelle enseignée par son grand-père, T'ang rejoint l'Académie de la Grande Chaumière au Montparnasse, une des plus réputés écoles d'art de Paris. Là il apprend également la manière occidentale de la peinture. L'art de T'ang se situe à la confluence de ces deux grandes influences, entre la Chine et la France. Considéré comme un des grandes artistes de cette période, T'ang présente tous les traits d'une figure marquante du mouvement.

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Alexander Calder, Marc Chagall, Edgar Degas, Fernand Léger, André Masson, Serge Poliakoff...

Exposition du Jeudi 25 Avril au 31 Mai 2024 - 2 rue St-Georges, Bruxelles

CHAGALL BENJAMIN SEBBAN GALLERY

BENJAMIN SEBBAN GALLERY Rue Saint-Georges 2, Bruxelles, Belgique

+33 787 400 500

www.benjaminsebban.com

AUGUSTE HERBIN « Parcours »

Du 16 mai au 12 juillet 2024

Auguste Herbin, "Adam et Eve", 1943 Huile sur toile, 73 x 92 cm Galerie LAHUMIERE

Auguste Herbin, "Adam et Eve", 1943 Huile sur toile, 73 x 92 cm

Nous sommes heureux de vous convier à l'exposition personnelle d'Auguste Herbin.

Vernissage jeudi 16 mai, de 18h30 à 20h30

Le parcours d'Herbin dans l'histoire de l'art est celui d'un artiste de la fin du 19ème siècle qui, parti de l'oeuvre de Cézanne et, avec la palette de Van Gogh comme première balise, devint dans la seconde moitié du 20ème siècle un phare pour de nombreux artistes quelques soient leurs nationalités, tant Paris de 1945 à 1955 fut la grande capitale de l'art abstrait international. Après 1945, son activité au sein du Salon des Réalités Nouvelles, l'engagement auprès de lui de critiques et de galeristes, ses talents de pégagogue contribuèrent à une meilleure connaissance de son grand œuvre : l'alphabet plastique. Auguste Herbin est l'artiste qui permit à l'art abstrait géomérique de se renouveler et de dépasser les synthèses constructivistes et néoplastiques. Cette conclusion abstraite éblouissante comme le disait Victor Vasarely, ne doit pas faire oublier qu'à chacun des mouvements qu'il traversa et dont il fut contemporain, en particulier le fauvisme et le cubisme, il laissa une œuvre magistrale qui le plaça d'emblée parmi les plus grands.

Céline Berchiche - Avril 2024

 
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Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics.  After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades.

Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
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2024-03-16- Gagosian to Present the First Exhibition to Focus Exclusively on Jean-Michel Basquiat’s Time in Los Angeles
Reuniting Nearly Thirty Works Produced near Venice Beach between 1982 and 1984
Curated by Fred Hoffman with Larry Gagosian, Made on Market Street Opens in Beverly Hills on March 7, 2024
 
Jean-Michel Basquiat, Hollywood Africans, 1983, acrylic and oil stick on canvas, 84 1/8 × 84 inches (213.5 × 213.4 cm), Whitney Museum of American Art, New York © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York. Photo: © Whitney Museum of American Art/Licensed by Scala/Art Resource, New York
 

Jean-Michel Basquiat, Hollywood Africans, 1983, acrylic and oil stick on canvas, 84 1/8 × 84 inches (213.5 × 213.4 cm),
Whitney Museum of American Art, New York © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York. Photo:
© Whitney Museum of American Art/Licensed by Scala/Art Resource, New York

BEVERLY HILLS, February 6, 2024—Gagosian is pleased to announce Made on Market Street, the first exhibition focused exclusively on works that Jean-Michel Basquiat produced in Los Angeles. Curated by Fred Hoffman with Larry Gagosian, the exhibition will be on view from March 7 to June 1, 2024. With exhibition design by Stefan Beckman, Made on Market Street features loans from the Estate of Jean-Michel Basquiat; Nicola Erni Collection, Steinhausen, Switzerland; the Broad Art Foundation, Los Angeles; Museum Brandhorst, Munich; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; and other public and private collections.
Between November 1982 and May 1984, Basquiat produced approximately a hundred paintings, numerous works on paper, and six silkscreen editions in Venice, California. For an artist closely affiliated with the New York art scene of the 1980s, Basquiat was extraordinarily prolific in Los Angeles

Made on Market Street reflects on this consequential era by bringing together nearly thirty works—several of which are among his most important paintings. Larry Gagosian notes, “Los Angeles has always been a great city for artists and Jean-Michel seemed to find it a refreshing change from New York. While the immensity of his talent was immediately apparent, it was nonetheless a highlight of my own career to work with him, to introduce him to Los Angeles, and to witness the amazing impact that his art and legacy have made on our culture.”

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C'est avec une immense joie que nous vous annonçons l'ouverture de notre galerie à Soho, à New York. Nous vous invitons dès a présent à venir nous rendre visite !
Du mardi au samedi 10h-19h - 85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 -  https://www.ameliemaisondart.com/fr/

With immense joy, we announce the opening of our gallery in Soho, New York.
We invite you to come and visit us!
Tuesday to Saturday 10am-7pm
85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 - https://www.ameliemaisondart.com/fr/

 

JAOUAD BENTAMA EXPOSITION DECHIRURES DE NEW YORK À PARIS

Du 27 au 30 mars 2024 - Le Molière - 40 rue de Richelieu, 75001 Paris

JAOUAD BENTAMA  -  https://www.jaouadbentama.com/  Video : https://www.youtube.com/watch?v=rlG_TwDoZjo

JAOUAD BENTAMA, peintre franco-américain d'origine marocaine vit et crée à New York depuis plus de 10 ans. Il intègre en 2017 en tant qu'artiste résident le centre "Mana Contemporary". A collaboré avec plusieurs collectifs d'artistes dans le Lower East Side et a présenté son travail dans de nombreux lieux culturels aux Etats Unis et en France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

Jouad BentamaJAOUAD BENTAMA, a French-American painter with Moroccan origin, has lived and created in New York for over 10 years. In 2017, he joined 'Mana Contemporary' as a resident artist. He has collaborated with several artist collectives in the Lower East Side and has presented his work in numerous cultural venues in the United States and France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

JAOUAD BENTAMA présente à Paris une trentaine d’œuvres autour du thème «DECHIRURES». Elles signent sa renaissance artistique après un accident qui l’a laissé pour mort.

JAOUAD BENTAMA presents about thirty works in Paris on the theme of «DECHIRURES».

They mark his artistic rebirth after an accident that left him for dead.

Ses «DECHIRURES» sont les stigmates d’une longue convalescence, une référence a ces pansements qu'on arrache, sans retirer la peine : "il y a des cicatrices qui ne se referment jamais et demeurent nos déchirures ". Les «DECHIRURES» sont une réflexion universelle sur la fragilité de la vie et le triomphe possible de l'espoir. (www.jaouadbentama.com)

His «DECHIRURES» are the scars of a long convalescence, a reference to those bandages that are torn off, without removing the pain: 'there are scars that never heal and remain our rips'. The 'DECHIRURES' are a universal reflection on the fragility of life and the possible triumph of hope. (www.jaouadbentama.com)

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Paul Delvaux Femme et  Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm

Paul Delvaux Femme et  Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm

PAUL DELVAUX EARLY WATERCOLOURS AND DRAWINGS FROM A PRIVATE COLLECTION

Linda and Guy Pieters are pleased to invite you to the private view of the exhibition on Saturday 30 March from 4 PM until 6 PM

exhibition from 31 March until 13 May 2024

The Office at Guy Pieters Gallery : https://www.guypietersgallery.com/en/home

Zeedijk - Het Zoute 755 – 8300 Knokke-Heist

Open every day from 11 AM until 6 PM

Closed on Tuesday and Wednesday

+32 50 80 00 15 - knokke'at)guypietersgallery.com

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Rosenberg & Co. is pleased to announce the opening of:
Marguerite Louppe
March 1–March 22, 2024
Rosenberg & Co. is pleased to present Marguerite Louppe, the third and final of our series of small-format exhibitions highlighting the work of three superlative artists from our collection. Previous exhibitions in the series featured seminal street photographer Fred Stein and notable Contemporary artist Aude Herlédan. Though undeniably distinct, these artists personify a dedication to pioneering forms of expression and meticulous consideration of composition. Through the examination of their seminal oeuvres we are able to investigate the shared artistic sensibilities that have traversed mediums to define art of the last century.
Marguerite Louppe, Téléphone, journal et vase. Oil on canvas
Marguerite Louppe, Téléphone, journal et vase. Oil on canvas.
Marguerite Louppe (1902–1988) was a French artist who synthesized Purism, Cubism, and Post-Impressionism in her paintings. She was born to a family of prominent engineers in the North of France and spent her childhood in Paris. Louppe attended a variety of art schools, including the Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière, Académie Scandinave, and Académie André Lhote. In particular, the Académie Julian fostered a spirit of independence and radicality that became internalized in Louppe's work.
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 Du 7 mars au 13 avril 2024, la Galerie Bessaud présente « Museaux », une exposition collective explorant l'univers animal à travers le regard de sept artistes internationaux. Pour rendre cet hommage encore plus vivant, la Galerie Bessaud propose de venir accompagné de son animal de compagnie et de transformer l'exposition en un joyeux terrain d'aboiements ! Le samedi 16 mars, la Galerie Bessaud accueillera la « Paris Sausage Walk », célèbre marche de teckels. 10% de tous les profits réalisés pendant cette après-midi seront reversés à l'association « Teckels sans doux foyer ». 
La « Paris Sausage Walk » à la Galerie Bessaud Samedi 16 mars de 14h à 19h

La « Paris Sausage Walk » à la Galerie Bessaud Samedi 16 mars de 14h à 19h

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 Exploring Avedon’s Genius as a Maker of Icons, the Exhibition Opens January 22, 2024
Richard Avedon, Brigitte Bardot, hair by Alexandre, Paris, January 1959, gelatin silver print, 24 × 20 inches (61 × 50.8 cm) © The Richard Avedon Foundation

Richard Avedon, Brigitte Bardot, hair by Alexandre, Paris, January 1959,

gelatin silver print, 24 × 20 inches (61 × 50.8 cm) © The Richard Avedon Foundation

Photography for me has always been a sort of double-sided mirror. The one side reflecting my subject, the

other reflecting myself.

Richard Avedon

PARIS, January 15, 2024—Gagosian is pleased to announce Iconic Avedon: A Centennial Celebration of Richard Avedon, at the gallery on rue de Ponthieu, Paris, from January 22 to March 2, 2024. The exhibition marks the centenary of Avedon’s birth in May 1923. Often attributed to his photographs, the word iconic applies equally to their maker, and is used here to illuminate his exceptional influence on culture today.

Soon after establishing his New York studio in the mid-1940s, Avedon developed an inventive, sophisticated, and instantly recognizable style. As a staff photographer for Harper’s Bazaar (1944–65), and later Vogue (1966–88), he produced many of the publications’ quintessential images. As Avedon’s reputation grew, the defining figures of the twentieth century—performers, writers, artists, intellectuals, and other notables—were drawn to see themselves through his lens. Avedon produced images that became synonymous with the legends of his sitters. Featuring his photographs of subjects both renowned and obscure, the exhibition highlights the innovative role Avedon played as a creator of icons.

Avedon’s most incisive portraits manifest his uncanny ability to elicit the singular vitality of his sitters, inscribing their charged essences—even those of the already famous—in decisive frames extracted from the larger arc of living history. His portrayals of Marian Anderson (1955), Marilyn Monroe (1957), Bob Dylan (1965), and the Beatles (1967) are as indelible as they are timeless. “It’s not the way

I ,” Harold Brodkey remarked about his portrait by Avedon, “but the way I .” With an unerring eye, impeccable timing, and a prescient sensibility, Avedon vaulted the models Dovima (1955), China Machado (1958), and Penelope Tree (1967) to the pinnacle of their profession. He also recorded incomparable images of Charlie Chaplin (1952),

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Galerie AB Le mois du dessin à Paris Exposition de 1880 à nos jours
 Galerie AB Le mois du dessin à Paris Exposition de 1880 à nos jours

À l'occasion du mois du dessin à Paris, Agnès Aittouares vous invite à deux expositions d'œuvres sur papier d'une sélection de grands artistes du XIXe siècle à nos jours.

De 1880 à 1950 Espace Paris IX au cœur du Quartier Drouot 

De 1950 à nos jours Espace Paris VI dans le Quartier Saint-Germain-des-Prés

S'offrir une œuvre sur papier permet non seulement d'acquérir le chef-d'œuvre d'un grand maître, alors que sa peinture devient inabordable, mais également pénétrer au cœur de son intimité. Le dessin était à l'origine le plus souvent gardé à l'atelier, véritable architecture de l'œuvre créatrice. Dès le début du XXe siècle, l'art moderne en privilégiant les matières et les techniques en a fait un art à part entière. 

Le long de ce parcours chronologique vous découvrirez la sensibilité de ces artistes qui par le dessin nous révèlent un geste créatif touchant les courants majeurs de l'art moderne, comme le symbolisme de Félicien Rops, l'intimisme de Pierre Bonnard et d'Édouard Vuillard, le cubisme de Georges Valmier, le surréalisme de Salvador Dalí, l'abstraction lyrique de Hans Hartung ou encore l'expressionnisme abstrait de Sam Francis.

Ces deux expositions sont en partenariat avec le QAD (Quartier Art Drouot) et le Jeudi des Beaux-Arts.
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© Eaton Real Estate CorporationAprès Saint-Étienne, Paris, Lyon, Luxembourg, New-York, Genève et le Domaine de Panéry près d’Uzès, la galerie Ceysson & Bénétière est heureuse d’annoncer l’ouverture d’un 8e espace à Tokyo, sa première implantation en Asie. Ce nouveau lieu de 325 m², situé au 8e étage de la tour Cura Ginza, dans le quartier de Ginza, sera dirigé par Leslie You. La conception de ce nouvel espace sera confiée à l’architecte et designer Sophie Dries.

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On January 24, 2024, Opera Gallery London presented “Three Days in Dakar: A Dialogue with Ron Arad” moderated by Opera Gallery CEO Isabelle de La Bruyère featuring Ron Arad in conversation with Simon de Pury & Rolf Sachs. The panelists discussed Arad’s collaboration with Senegalese artisans–from metal workers to weavers–in Dakar, and how this journey impacted Arad’s creative practice and led him to create reworked versions of iconic pieces (such as his well-known 'The Big Easy’ armchair) using raw materials sourced in Dakar. Arad’s presentation also features a large-scale bookshelf piece titled ‘America Made in Africa’, ‘Salam Sofa’ and ‘Don’t Ya Tell Henri’ – all handcrafted using the metal from oil drums.

Opera Gallery opened their new gallery in the heart of London's historic Mayfair neighbourhood, at 65-66 New Bond Street on November 23, 2023. Ron Arad (British, b. Israel 1951) is acclaimed for his aesthetic and conceptual explorations of form, structure, and technology through the diverse nature of his work’s materiality and categorizations, from industrial design to sculpture to mixed media installations and beyond. The first major retrospective of his work titled ‘No Discipline,’ debuted in 2008 at the Pompidou Centre in Paris followed by the Museum of Modern Art in New York in 2009. In 2013 he was elected to the Royal Academy of Arts in London.

OPERA GALLERY

65 - 66 New Bond Street - London W1S 1RW

+44 (0)20 7491 2999

Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.

https://www.operagallery.com/ 

 Image : © Barthélémy Toguo / Courtesy Galerie Lelong & Co. & Bandjoun Station

Villa Swagatam, India Art Fair, 2024.

Barthélémy Toguo India Art Fair du 1er - 4 février 2024  - New Delhi, Inde  -  Villa Swagatam

A l'occasion de l'India Art Fair, l'Institut Français en Inde – dans le cadre du lancement de son programme de résidences Villa Swagatam qui encourage notamment les échanges entre artistes français et les métiers d'art indiens – , la Basu Foundation et la Galerie Lelong & Co. Paris New York présentent l'installation "Water Matters", fruit d'une collaboration inédite entre l'artiste franco-camerounais Barthélémy Toguo, la directrice de création Karishma Swali et les artisans de son école de broderie, la Chanakya School of Craft, basée à Mumbai.

Image : © Barthélémy Toguo / Courtesy Galerie Lelong & Co. & Bandjoun Station

Villa Swagatam, India Art Fair, 2024.

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Stanley Whitney GAGOSIAN ParisSTANLEY WHITNEY

Dear Paris

January 10–February 28, 2024

GAGOSIAN GALLERY 9 rue de Castiglione, Paris https://gagosian.com/

Gagosian is pleased to announce the exhibition of Stanley Whitney’s painting Dear Paris (2023) at 9 rue de Castiglione, Paris, from January 10 to February 28, 2024.

Inspired by the artist’s extended stay in the French capital, Dear Paris is the latest of Whitney’s lyrical abstractions. Balancing systematic structure and expressive spontaneity, he composed the painting in his characteristic manner, one roughly rectilinear block at a time, starting at the top left and progressing in rows across and down the canvas. Whitney forms each shape with energetic brushwork, choosing its vivid hues and shaping its boundaries in relation to its predecessors. The painting’s subtly shifting freehand geometry is further demarcated by linear bands between its rows that both divide and unify the composition.

Pursuing abstraction since the 1970s, Whitney established his mature style in the 1990s while living and working in Rome. The compositional framework he employs allows him the freedom to improvise, facilitating the emergence of surprising chromatic harmonies and dynamic visual rhythms. The artist’s wide-ranging influences include the polyphonic call and response of jazz, the transformative effect of light cast on historic buildings, the traditions of American quiltmaking, and artists from Henri Matisse and Piet Mondrian to Giorgio Morandi.

Whitney’s recent residency in Paris offered him the sustained opportunity to observe the city’s architecture and urban fabric, and to connect with its expansive cultural history. As he observes:

There’s a history of African Americans going to Paris that dates back to after the First World War. Jazz musicians, writers, and artists like Beauford Delaney, James Baldwin, and more recently, Ed Clark, went to Paris for a creative freedom they couldn’t find in the United States. I’ve always wanted to spend more time in Paris, and in 2023, I finally did so. It was incredible to be in the city where so many of the great artists of the twentieth century, artists who were integral to my development as a painter, had lived and worked. In Paris, there’s a play between different periods in a long history; you just don’t have that in the States.

Dear Paris coincides with Stanley Whitney: How High the Moon, the artist’s first comprehensive retrospective, organized by the Buffalo AKG Art Museum, New York. The exhibition will be on view from February 9 to May 27, 2024, before traveling to the Walker Art Center, Minneapolis (2024–25), and the Institute of Contemporary Art, Boston (2025). Spanning the entirety of Whitney’s career, How High the Moon traces the evolution of his practice through paintings, drawings, prints, and sketchbooks. VOIR DANS LIRE LA SUITE le texte en Français

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Sophie Leiser GalleryChers amis, 

J'ai le plaisir de vous présenter ce mois de février la nouvelle collection de Vébeca - Vero Aliot-Lopez - qui présente deux grands formats aux pigments bleu majorelle. On retrouve son graphisme signature - ptofils, bouches et yeux sur fond couleur, marine, vert, kakki, ivoire.

Aux cotés des acryliques colorées de Vebeca, la collection permanente des photographies de la galerie, et notre nouvel artiste plasticien Lou Raunier qui décline les petits soldats en Statue de la Liberté.

L'art fait partie de l'investissement "plaisir" tout en ayant un intérêt fiscal non négligeable. Je tenais à vous rappeler les conditions de cet avantage fiscal pour les entreprises. Petit mémo à garder en tête pour craquer sur l'oeuvre de vos rêves !

Artistiquement, 

Sophie Leiser             

MEMO AVANTAGE FISCAL 

Deux conditions :               

1- Facture de la galerie d'art  

2- Exposition au public ou aux salariés pendant 5 ans 

(Alternative : le leasing d'oeuvres d'art)

La déduction fiscale est étalée sur 5 ans (année de l'acquisition et les 4 années suivantes) par fractions égales. Ainsi, elle est égale chaque année à 1/5e (20 %) du prix de revient de l'œuvre. Si l'acquisition est réalisée en cours d'année, la déduction n'est pas réduite prorata temporis
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 Rosenberg & Co
Art Concret Reliefs | Léon Tutundjian September 28 – December 22, 2023
Léon Tutundjian, installation view
Léon Tutundjian, installation view

Léon Tutundjian, Sans titre, 1929. Relief on a two-leveled panel.The Armenian born artist Léon Tutundjian began his artistic education studying ceramics at the Istanbul School of Fine Arts. After arriving in Paris in the early 1920's, Tutundjian found work as a potter, which afforded him the financial ability to explore the Parisian avant-garde circles and cultivate his singular style. Throughout his lifetime, Tutundjian consistently fell back on his skills as a ceramicist for financial support, and despite seemingly abandoning pottery in his personal practice, the principles of ceramic production fostered a material dedication that remained central to his artistic practice throughout his oeuvre.

Tutundjian's emphasis on material is evident in the Tachisme techniques he explored in his early works on paper. This dedication, however, is most apparent in the wood and steel reliefs he created during the early stages of the Art Concret movement. Through these three-dimensional constructions, Tutundjian utilized a series of steel cylinders and bars to form cantilever compositions that exemplified a severe set of aesthetic ideals—later summarized by the Art Concret movements foundational text.

Image : Léon Tutundjian, Sans titre, 1929. Relief on a two-leveled panel.

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 amelie du chalard1

"Une forme se détache d'un fond par des couleurs tranchées et contrastées et par une ligne précise et exigeante. Aucun faux pas n'est toléré ni dans la couleur, ni dans le tracé.

Héritages de sa formation d'architecte, une discipline technique et artistique et une grande sensibilité. Tout dans sa peinture doit être observé à l'aune de ses années d'architecte et de l'impact visuel et poétique que les atmosphères et les paysages qui l'entourent ont pu avoir sur lui.

La forme m'évoque d'ailleurs toujours quelque chose mais je ne sais pas vraiment quoi. Une fleur ? Une faille ? Un ruban ? Cache cache avec mes sens, il y a quelque chose de l'ordre du jeu alors que tout semble finalement sérieux. Mais comme le dit Pierre Wat « Renoncer à reconnaître ouvre le regard » et regarder une oeuvre de Ludovic Philippon c'est s'échapper et laisser son imagination partir.

Les couleurs, assumées, sont remarquables par leur puissance : orange, jaune, rouge, bleu, vert, noir, etc. Elles participent de la tension, de la densité des tableaux. L'artiste parle d'ailleurs de « la voie de la couleur », comme si elles étaient le point de départ de son cheminement pictural.

A l'image de l'artiste,c'est une peinture intime et solitaire devant laquelle on souhaite rester seul, en silence.

A l'image de l'artiste,c'est une peinture humble, minimaliste et touchante."

Amélie du Chalard à propos de Ludovic Philippon

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Laurence JENK

Le POP UP JENK exclusif au Metropole Shopping Monte-Carlo est prolongé jusqu'au 17 février 2024. Vous pourrez y découvrir des sculptures Wrapping Bonbon spécial Saint-Valentin en plus des œuvres déjà exposées depuis début décembre.

The exclusive JENK POP UP at the Metropole Shopping Monte-Carlo is extended until February 17, 2024. You will be able to discover special Valentine's Day Wrapping Candy sculptures in addition to the works already exhibited since the beginning of December.

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Guy LECLERCQ Untitled (22.210), 2022 Huile sur toile, 120 x 100 cm © Luc Van MuylemGUY LECLERCQ

Épures et couleurs

Vernissage jeudi 7 décembre 
de 17h à 21h

DUTKO /  Quai Voltaire
17 quai Voltaire
Paris 7e
Exposition du 7 décembre au 13 janvier 2023
Ouvert du lundi au samedi, de 10h30 à 19h00

La Galerie Dutko présente du 7 décembre 2023 au 13 janvier 2024 les œuvres récentes de l'artiste belge Guy Leclercq. Ce deuxième solo-show réunit autour de la notion d'apparition une vingtaine de toiles créées entre 2022 et 2023.

Surprise en cet automne 2023, Guy Leclercq a ajouté la couleur à ses épures. Des couleurs vivantes mais attendries, lumineuses par leur portée chromatique et transparentes par leur douceur. Amoureux du pigment de lapis-lazzuli, qui lui donne du bleu souverain, Leclercq ne rechigne pourtant ni au vert, ni au gris, au noir, au rouge, au beige. Il nous offre, sur un plateau choisi, une gamme de couleurs bienvenues.  Discrètes dans leur profondeur sans emphase, mais bien présentes. 

REF IMAGE : Guy LECLERCQ Untitled (22.210), 2022
Huile sur toile, 120 x 100 cm
© Luc Van Muylem

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expo goareguer reboh« L’art est une respiration de l’esprit, son élévation vers une possibilité universelle» M.B   

Notre première exposition de l’année se profile et nous concentrons beaucoup nos espoirs sur ce souffle de rêves qui vient nous éblouir. Nous en avons bien besoin. Alors c’est pourquoi nous vous attendons nombreux autour de nos deux artistes de grand talent.

Hervé le GOAREGUER: - Peinture –  Une œuvre qui contient l’irisation lumineuse d’un vitrail.

et Raymonde REBOH: - Sculpture – 

Vernissage le Samedi 06 Janvier 2024 à 17h30

Durée de l’exposition du 06 au 19 Janvier 2024  - Ouvert de 14h à 18h – tous les jours (sauf le Dimanche et Lundi, jours pour lesquels cependant des RDV particuliers peuvent être convenus avec les artistes)

 Société des Poètes français - Espace Mompezat 

16 rue Monsieur le Prince 75006 Paris – métro Odéon – Téléphone : 01.40.46.99.82.

A bientôt donc autour du petit verre de l’amitié.

Très poétiquement vôtre.

(Merci de faire éventuellement suivre sur vos adresses amies.)

Michel Bénard – Responsable des expositions.

PS : Ne manquez pas de visiter notre site et notre blog.

Site :   societedespoetesfrancais.eu     Blog : www.societedespoetesfrancais.net

De nous soutenir également en devenant membres ou amis de notre société qui a plus de 120 ans.

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Gunter SachsExposition Gunter Sachs : Rétrospective Photographique Galerie Mark Hachem

Du 9 au 17 Novembre 2023

116 rue de Turenne, 75003 Paris

44 rue des Tournelles | 75004 Paris

T + 33 1 42 76 94 93 | E paris(at)markhachem.com | W www.markhachem.com 

La Galerie Mark Hachem s'associe avec la Galerie Joseph pour présenter une rétrospective exceptionnelle du célèbre photographe Gunter Sachs à l'occasion de la semaine de la photo à Paris. Cette exposition hors les murs se tiendra au 116 rue de Turenne, 75003 Paris, du 9 au 17 Novembre 2023.

Gunter Sachs (14 novembre 1932 – 7 mai 2011), également connu sous le nom de Gunter Sachs von Opel, était un photographe, auteur, industriel et chef d'un institut spécialisé dans la recherche sur l'astrologie. Sa carrière débuta dans le monde du sport avant de connaître une renommée internationale en tant que réalisateur de documentaires photographe et troisième époux de Brigitte Bardot.

D'origine allemande, Gunter Sachs est né dans le sud de l'Allemagne. Sa famille avait des liens étroits avec le monde de l'industrie automobile, son père étant le propriétaire de Fichtel & Sachs, une importante société de fabrication de roulements à billes, et sa mère étant la fille de Wilhelm von Opel, co-fondateur du constructeur automobile Opel. Au-delà de son rôle d'industriel, Gunter Sachs était un collectionneur d'art passionné. Sa collection comprenait des oeuvres d'artistes renommés tels que Andy Warhol, Salvador Dalí, Roy Lichtenstein et bien d'autres, ce qui témoigne de sa passion pour l'art contemporain.

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PIERRE SOULAGESPIERRE SOULAGES Peinture 162 x 114 cm, 17 avril 1972 Oil on canvas 162 x 114 cm | 63.8 x 44.9 in

"One day I was painting, black had invaded the entire surface of the canvas, without shapes, without contrasts, without transparencies.
In this extreme I saw in a way the negation of black.
My instrument was no longer black, but this secret light coming from black."

Pierre Soulages

We are deeply saddened to announce the passing of the artist Pierre Soulages. He was 102 years old, and leaves an immense legacy. Our condolences to his wife, Colette, who accompanied him for so many years. One of the greatest painters of our time, but mostly a soul in search of the absolute, through his relentless work on the depth and luminosity of the color black. This passion had seized him, as a child, in front of the prehistoric steles of the Museum of Rodez, where he was born. Or even, in Conques, the 11th century abbey, as a child, where years later he would create incredible stained glass windows (1992 - 1994). It was at that moment that the certainty of art and his vocation to paint had come to him. The architecture of the abbey of Sainte-Foy impressed him, just like a vision. Painting, engraving, lithography, he declined on all mediums his obsession with black, digging deep in what had marked his childhood. "The things that were fraternal to me, the earth, the old wood, the stones, the wet iron, all these rough things certainly marked me. I have always preferred them to pure and lifeless materials."

Light and darkness, rough and smooth, matte and shiny: Soulages was the painter of contrast, which found its incarnation in abstraction and his Outrenoir - beyond black, to light.
"Soulages was one of the most innovative painters of the 20th century, a remarkable artist and extraordinary person. He will be missed but his work will undoubtedly live on."

- Gilles Dyan, Opera Gallery Founder and Chairman
https://www.operagallery.com/

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Roger Schall Exposition Ombre & Lumière Galerie DurevJ'ai l'immense plaisir de vous inviter au vernissage de l'exposition

OMBRE & LUMIÈRE de ROGER SCHALL

le lundi 6 novembre de 18h à 22h

à la Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème

Pour recevoir votre invitation, merci de cliquer ici ou sur les images, 

j'aurai le plaisir de vous accueillir avec Cécile Schall, à très bientôt...

Eric Boudry, fondateur de la galerie ARGENTIC

"Cher(e)s ami(e)s de la galerie ARGENTIC, j'ai une grande nouvelle à partager avec vous qui avez découvert et aimé le travail de mon grand-père Roger Schall : je lance SCHALL Collection et vous invite à plonger dans l'univers de ce photographe qui a marqué l'histoire. Avec mon fils Lucas, nous commencons avec cette première exposition de photographies inédites que je suis ravie de vous présenter et qui, j'en suis sûre, vous plaira."

Cécile Schall

L'exposition est ouverte du samedi 4 au dimanche 12 novembre 2023, de 10h à 20h tous les jours.

Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème

Opera Gallery Madrid Saura Pintar como querer © Enrique PalacioOPERA GALLERY MADRID

14 September - 06 November 2023

Opera Gallery Madrid presents the exhibition Saura, Pintar como querer in collaboration with the Succession Antonio Saura and La Fondation Archives Antonio Saura from 14 September to 6 November 2023.

On 22 July, we commemorated the 25th anniversary of the passing of the esteemed artist, Antonio Saura. In honour of this significant milestone, Opera Gallery is proud to pay homage to one of Spain's most prominent artistic figures of the 20th century. The exhibition Saura, Pintar como querer meticulously curates a collection of his works, boasting over 50 pieces on paper and approximately a dozen captivating canvases. Within this remarkable assembly, we explore some of his renowned series, including "Auto-da-fé", "Heads", "Crucifixions", "Ladies", "Nudeslandscapes", "Crowds", "Shrouds", and "Goya's Dog". To further illuminate his creative journey, we proudly showcase 19 of his most iconic posters alongside these exquisite artworks.

Saura, Pintar como querer offers a comprehensive exploration of the diverse subjects that Antonio Saura passionately embraced throughout his career, catapulting him to national and international acclaim. This exhibition provides a unique opportunity to delve into the profound intellectual, emotional, and aesthetic underpinnings that shaped the vision of the El Paso group's founder—a collective that not only laid the groundwork but also conceptualized the post-war avant-garde movement in Spain. 

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Pablo Picasso dans son atelierExposition du 14/09 au 28/10/2023 

Galerie AB - Agnès Aittouares

14 rue de la Grange Batelière, 75009 Paris

5 rue Jacques Callot, 75006 Paris

Ouverte du lundi au samedi de 10h à 18h30

+33(0)6 14 42 96 83 | +33(0)1 45 23 41 16

Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - https://www.galerie-ab.com/

À l'occasion de l'ouverture de son nouvel espace à Saint-Germain-des-Prés et de la célébration du cinquantenaire de la disparition de Pablo Picasso, la Galerie AB - Agnès Aittouares vous propose une exposition d'une vingtaine de dessins réalisés entre 1942 et 1971. 

L'exposition « PICASSO. La force du trait » est accompagnée d'un catalogue.  

To celebrate the opening of our new space in Saint-Germain-des-Prés and the 50th anniversary of Pablo Picasso's passing, Galerie AB - Agnès Aittouares is delighted to present an exhibition showcasing Pablo Picasso's drawings created from 1942 to 1971.

Join us for the "PICASSO. La force du trait" exhibition, which is accompanied by a comprehensive catalog.

« Dans le travail de Picasso, la recherche de la formule définitive a pour résultat l'instantanéité et le besoin de la révélation immédiate. Quand Picasso s'applique, ce n'est pas à reproduire, mais à produire. Il veut convaincre dans l'instant par un seul trait, par un seul mot criant l'évidence. Il veut vaincre par la violence toute douceur et par la douceur toute violence. Toute œuvre commencée est fatalement pour lui une œuvre achevée. » Paul Éluard, Picasso. Dessins, 1952

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L' Autre Rive 12, 2022 - 2023 Pigments, liant et pastels sur toile de coton 187 x 183 cm © Virginie Bonnefon
L' Autre Rive 12, 2022 - 2023
Pigments, liant et pastels sur toile de coton
187 x 183 cm
© Virginie Bonnefon

La Galerie Dutko a le plaisir de présenter jusqu'au 21 octobre 2023 une exposition d'œuvres de l'artiste française Monique Frydman. Pour sa quatrième exposition personnelle avec la galerie, nous présenterons sa dernière série de peintures intitulée « L'Autre Rive », créée entre 2022 et 2023.

« Je voudrais quelque chose comme l'Orée du monde pour mes tableaux ». Ces mots, ce sont ceux de Monique Frydman datant du 2 décembre 1988, retrouvés dans ses carnets d'atelier à l'occasion de leur parution aux éditons de l'Atelier Contemporain en 2019.

Artiste majeure de la peinture abstraite, Monique Frydman a souvent évoqué le temps de la peinture et du tableau dans son œuvre. Quand commence une œuvre ? A l'Orée, comme quelque chose qui est en train de naître, de se dilater, à mi-chemin entre le désir et la maitrise. Il est toujours question du temps de peindre, et du temps de la peinture dans l'œuvre de Monique Frydman. Cette question, qui se posait déjà à l'artiste en 1988, est toujours d'actualité dans sa pratique.

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Virgin and Child with Saint Hanan and Saint Johanna the Baptist (after Leonardo da Vinci), Tirtzah Bassel, 61 x 82 cm, huile sur toile, 2023Tirtzah BASSEL | Little Deaths

Starting Sunday le dimanche 15 octobre, de 14h à 18h. 

Starting Sunday October 15, from 2pm to 6pm.

Exposition personnelle du 14 octobre au 25 novembre 2023

Solo show from October 14 to November 25, 2023

Le titre surprend, mais Tirtzah Bassel explique et donne immédiatement le ton de l'exposition : « ''Little Deaths" renvoie à un euphémisme pour parler de l'orgasme. » De l'orgasme féminin pourrait-on immédiatement compléter car le propos de l'artiste est de s'attaquer aux images et modèles forgés par le patriarcat. Pour cela, elle conçoit de nouveaux symboles et repense la question du genre, de la sexualité et des modèles sociaux. « Lorsqu'une femme connaît la source de son plaisir, elle évolue dans le monde d'une manière fondamentalement différente » partage-t-elle.

The title surprises, but Tirtzah Bassel explains and immediately sets the tone of the exhibition: «'Little Deaths" refers to an euphemism for the orgasm» The female orgasm to be precise, the artist's aim being to tackle images and models forged by patriarchy. For this, she designs new symbols and rethinks the issue of gender, sexuality and social models. «When a woman knows the source of her pleasure, she moves in the world in a fundamentally different way» she shares.

RX&SLAG, Paris

16 rue des Quatre-Fils,

75003 Paris

https://www.galerierx.com/fr

Photo : Virgin and Child with Saint Hanan and Saint Johanna the Baptist (after Leonardo da Vinci), Tirtzah Bassel, 61 x 82 cm, huile sur toile, 2023

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Jiang Zhi, Love letter n°25, 2014 Impression jet d’encre Image : 60 x 90 cm © Galerie Paris-BGuerlain présente sa nouvelle exposition Les Fleurs du Mal, une ode à l’œuvre de Charles Baudelaire. Cet événement artistique qui réunit plus de 25 artistes internationaux -émergents et figures majeures de la scène actuelle- se déroulera à la Maison Guerlain, située au 68 Champs-Élysées, du 18 octobre au 13 novembre 2023.

Les fleurs, symboles éternels de la beauté et de la sensibilité, montrent ici des ambiguïtés subtiles. Manifestations poétiques d’une sensualité éthérée, messagères de la nature, de l'art et des émotions humaines, elles révèlent aussi des aspects maléfiques. Chaque création exposée par la Maison Guerlain explore les frontières fragiles de l'existence et invite à une introspection profonde sur la dualité de la vie et de la mort, du spleen et de l'idéal, dans une quête de transcendance. 

Chaque artiste, dans une résonance subtile avec le thème, explore cette richesse de significations à travers une pluralité de médiums artistiques. Certaines créations sont inédites et sont produites spécialement pour cette occasion.

Avec cette 16ème édition depuis le lancement de ses expositions d’art contemporain avenue des Champs-Elysées, Guerlain explore une nouvelle fois les liens entre nature et création artistique, fondements de son engagement. 

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 clos des roses jenk3

Laurence JENK Le Clos des RosesLe domaine viticole de 10 hectares situé à Fréjus expose les œuvres de l'artiste jusqu'au 15 septembre. Le finissage "Closing Soirée Rose" aura lieu le 31 août.

Le vignoble du Clos des Roses incarne cette symbiose entre le vin et l'art. Comme les grands maîtres artistes inspirés par le divin nectar, ce domaine viticole évoque l'héritage millénaire où le vin était considéré comme une création quasi céleste, libérée des contraintes.

The 10-hectare wine estate located in Fréjus exhibits the artist's works until September 15th. The "Closing Evening Rose" will take place on August 31st.

The Clos des Roses vineyard embodies this symbiosis between wine and art. Like the great master artists inspired by the divine nectar, this wine estate evokes the thousand-year-old heritage where wine was considered an almost celestial creation, freed from constraints.

Les mythologies anciennes attribuaient au vin une essence divine, et aujourd'hui encore, il reste une source d'inspiration pour de nombreux artistes.

À l'image des sculptures mystiques de Laurence JENK, les vins du Clos des Roses sont une expression de créativité unique.

Chaque bouteille est une œuvre d'art à part entière, reflétant le talent et la passion des artisans qui les créent. Comme les bonbons de JENK, qui, bien qu'apparemment identiques, sont en réalité des pièces uniques, chaque vin de ce vignoble porte en lui une histoire et une personnalité qui le rendent exceptionnel.

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Leila Heller Gallery is pleased to present a selection of works by Melis Buyruk, Alaattin Efe, Naeemeh Kazemi, Maryam Lamei, Arash Nazari, and Behrang Samadzadegan for the 18th Edition of Contemporary Istanbul, booth T7-09.

Melis Buyruk is a Turkish artist born in Gölcük in 1984. Her large-scale floral ceramic sculptures depart from contained, categorical forms of pottery, and celebrate the traditionally feminized discipline. Buyruk graduated from the Ceramic Department of the Faculty of Fine Arts at Selçuk University in 2007, and has exhibited across Turkey, in New York City, and Dubai. Melis Buyruk identifies and subtly blends patterns of vegetation and the natural world, creating porcelain flower fields. They are disorienting, as they evoke both artificiality and illusion in a play on logic. While strikingly realistic and incredibly meticulous, the porcelain flowers are unfeasibly monochrome, hybrid, and eerily level, suggesting an alien environment. Fluctuating between boundaries of reality and surreality, her work reminds the viewer of our fractured and disjointed relationship with nature, and provokes a double consciousness.

Melis Buyruk, "Reflected Bloom," 2023, 223 x 185 cm , Stainless steel, porcelain
Melis Buyruk, "Reflected Bloom," 2023, 223 x 185 cm , Stainless steel, porcelain

Behrang Samadzadegan is an Iranian artist, curator, and professor. In his works, Behrang seeks to probe the possibility (or impossibility) of representing truth, identity, and history within the framework of aesthetic laws and to challenge the capacity of the image for displaying these concepts. As a scholar and curator, he enjoys discovering and studying new artistic phenomena and believes in rethinking and challenging the established rules and requirements of art. Painting has been Samadzadegan's main focus. The subject matters of his works are drawn from images and narratives of contemporary Iranian history, which he combines with fictional stories and the aesthetics of painting. His goal, however, is not to represent historical narratives. The image of history, he believes, is a personal matter created under the influence of visual and aesthetic stereotypes, a combination of confusion, chaos, and a futile quest for reaching unattainable truth.

Behrang Samadzadegan, "Fritillaria imperialis," 2022, 130 x 200 cm, Watercolor on paper
Behrang Samadzadegan, "Fritillaria imperialis," 2022, 130 x 200 cm, Watercolor on paper
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Vue d'exposition © Tanguy BeurdeleyJONATHAN MEESE

DOCTOR-DOC-DR.-„HIGH NOON" IS BACK!
(WONDERLAND DE LARGE)
Exposition du 2 septembre au 28 octobre 2023

Quatre ans après la série « Meese Haute Couture » qui rendait un hommage déjanté à Karl Lagarfeld, Jonathan Meese fait un retour spectaculaire à Paris avec « DOCTOR-DOC-DR.-„HIGH NOON" IS BACK! (WONDERLAND DE LARGE) », une exposition extravagante sur le pouvoir des contes et légendes, présentée à la galerie Templon rue Beaubourg du 2 septembre au 28 octobre 2023.

« Alice au Pays des Merveilles, le Magicien d'Oz, le Petit Chaperon Rouge, les Trois Petits Cochons, Lady MacBeth, Dr. No, Vincent Van Gogh, King Kong, Dracula, Fantomas, Parsifal... », égrenés comme une litanie, ces héros deviennent les étendards d'une nouvelle vision de l'art. Les peintures, toute en matière, tantôt dégoulinante, tantôt écrasée jusqu'à l'excès, mêlent visions de l'enfance et appels à la «révolution ». Ciment d'une culture collective, les contes, mythes et légendes sont pour Jonathan Meese le creuset de l'imaginaire occidental et une source d'inspiration fondamentale dans sa pratique : « Sans le conte de fée » explique-t-il, « nous ne pourrions construire de futur ». « Le monde entier est un conte de fée, le futur est quelque part notre monde merveilleux. Nous sommes acteur de cet avenir tout puissant. Et l'art détermine le futur. L'art est tout puissant. »

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LA LA LAND by Naeemeh Kazemi

September 7th to October 11th 2023 LEILA HELLER GALLERY http://www.leilahellergallery.com/
Naeemeh Kazemi Untitled (From the La La Land Series), 2022 59.1 x 78.7 in (150 x 200 cm) Oil on canvas
Naeemeh Kazemi
Untitled (From the La La Land Series), 2022
59.1 x 78.7 in (150 x 200 cm)
Oil on canvas
New York, NY – Leila Heller Gallery is pleased to announce artist Naeemeh Kazemi's solo show 'La La Land' opening on September 7, 2023.
Predominately a sculptor, Naeemeh Kazemi began painting in 2020 when the lockdown started since she could not get to her studio. She worked on these magical canvases in her one bedroom apartment in Iran,

which helped her escape the confinement of quarantine and transported her to fantastical places. Living in Iran, Kazemi has had to take creative approaches to her meanings through symbols, so as to not get in trouble with the Iranian government. Her themes of environmental and virus anxiety, feminism, and humanity are disguised in her enchanting paintings through tokens and motifs of the natural world, classical paintings, and quotidian objects.

In her most recent "La La Land" series, she depicts a world that is intertwined yet fragmented. It is as if familiar pieces float strangely in space. In her complex yet highly composed paintings, Kazemi ponders the questions "Could the whole history of the world be a mere misunderstanding?" and "Is it possible that man, with all his discoveries, developments, culture, religion, and global wisdom is just lingering on only to the outward of life?" This series reflects Kazemi's feelings and anxieties towards the world, exacerbated by the Covid pandemic quarantine instated since March 2020. She says, "I'm incredibly scared because I know we will soon annihilate this enlivening life- giving planet. A planet that soon gets a shell from skulls, bones, and dead machines. No one can do anything for her. We lost the game!" Kazemi creates an oasis sheltered from these fears in this series. A "La La Land," clearly fictitious, but serving as a safe haven from the uncertain world.


Her work aims to reflect her constant state of questioning, anxiety, and interrogation with herself. She says "tense dreamy moments occur, which rushes blood to my cheeks." The viewer can see these feelings depicted in the flourishing flora and fauna and bright, enchanting colors. But then, "a moment later, silent, unsure, tired, and depressed." These juxtaposed feelings are sensed in the canvas through the lingering portraits- eyes hidden, hands floating, and plants tangled in a web. Ultimately, through these symbols, themes, and meanings, Kazemi is questioning life itself. For Kazemi, her works are not set in a final reality. She explores the system of meanings and understands that it is constantly changing and new realities are born every day. While first brought upon by the uncertainties of social and personal health by the pandemic, her investigation of finding meaning in life remains true for past, present, and future generations.

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Takashi Murakami, 2020, The Name Succession of Ichikawa Danjūrō XIII, Hakuen, Kabuki Jūhachiban, 2023 (détail), acrylique et paillettes sur toile montée sur cadre en aluminium, (5 × 23,3 m) ©️ 2023 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.

Takashi Murakami, Understanding the New Cognitive Domain

du 10 juin au 22 Dec. 2023

Galerie Gagosian, Le Bourget

26 avenue de l’Europe

93350 Le Bourget

https://gagosian.com

Gagosian expose de nouvelles peintures et sculptures de Takashi Murakami au Bourget

L’exposition présente notamment une peinture monumentale inspirée d’un rideau de théâtre
Kabuki conçu par l’artiste
Un NFT spécialement conçu par l’artiste sera offert à la demande et gratuitement aux visiteurs

Takashi Murakami, 2020, The Name Succession of Ichikawa Danjūrō XIII, Hakuen, Kabuki Jūhachiban, 2023 (détail),
acrylique et paillettes sur toile montée sur cadre en aluminium, (5 × 23,3 m) ©️ 2023 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.

LE BOURGET, 24 Mai 2023 Gagosian a le plaisir d’annoncer Understanding the New Cognitive
Domain, une exposition d’oeuvres de Takashi Murakami à la galerie du Bourget, centrée sur ses peintures monumentales. L’exposition présente cinq oeuvres monumentales, des peintures de plus petit format ainsi que plusieurs sculptures. Il s’agit de la première exposition personnelle de l’artiste avec la galerie en France.

Understanding the New Cognitive Domain présente une nouvelle peinture monumentale de Murakami, mesurant 23 mètres de long sur 5 mètres de haut, inspirée de l’iwai-maku ou rideau de scène, qu’il a réalisé pour le théâtre Kabuki-za de Ginza à Tokyo afin de célébrer l’accession de l’acteur et producteur japonais de Kabuki, Ichikawa Ebizoˉ XI au nom d’Ichikawa Danju¯roˉ XIII, Hakuen. (Les noms de scène du Kabuki, qui indiquent le style et la lignée d’un acteur, sont transmis de génération en génération ; la famille Ichikawa a une histoire d’environ 350 ans.) Commandé par le réalisateur Takashi Miike, cette création de Murakami a été dévoilée au public en novembre 2022, à l’occasion de la première représentation d’Ichikawa Shinnosuke VIII dans le cadre du programme du Grand Théâtre Kabuki Kichirei Kaomise.

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Douglas KIRKLAND

Brigitte Bardot: ‘Doug My Darling…’

Exposition du 8 juin au 21 juillet 2023

Douglas KIRKLAND | Brigitte Bardot – Tir à la carabine, Viva Maria, 1965
Douglas KIRKLAND | Brigitte Bardot – Tir à la carabine, Viva Maria, 1965
Photographie originale - Tirage aux pigments d’encre
93 x 118 cm / 37 x 47 inch| Edition de 24 exemplaires

Du 8 juin au 21 juillet 2023, la Galerie GADCOLLECTION consacre une exposition à un des maitres de la photographie : Douglas KIRKLAND À travers une sélection de 18 photographies, dont certaines jamais montrées, l’exposition Brigitte Bardot : ‘Doug my Darling …’ est un hommage à l’une des plus grandes actrices qui a croisé la vie de ce photographe exceptionnel. La Galerie GADCOLLECTION compte parmi les plus importantes galeries françaises uniquement consacrées à la photographie.

UNE VIE EN IMAGES

"I have a philosophy. I do not want to make negative pictures about people, and so I do everything I can to help make them feel comfortable in front of the camera. That is what is going to control your picture, because you are alone if your subject is not with you. And that’s the simple answer to getting a good picture. »

Douglas KIRKLAND

Douglas KIRKLAND découvre la photographie au contact de ses parents, tous deux passionnés. Enfant, il s’évade à travers les images du magazine Life et affute son regard en parcourant les clichés qui peuplent ses pages. Il feuillette inlassablement l’hebdomadaire en rêvant de collaborer un jour pour cette prestigieuse publication.

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hashimoto marbieSAN FRANCISCO
Marbie
Good Love is Hard to Find

Hashimoto Contemporary is pleased to present Good Love is Hard to Find, a solo exhibition by Oakland-based artist Marbie. Continuing to draw inspiration from her friends and lovers through this collection of vibrant new collages and paintings, this is the multidisciplinary artist's second solo presentation with the gallery.
Opening Night Reception:
Saturday, July 8th
4pm - 7pm
The artist will be in attendance.

Hashimoto Contemporary SF
1275 Minnesota Street
San Francisco, CA 94107
(Google Maps)

Advance Collector's Preview:
An advance collector's preview will be made available online before the exhibition opens. If you would like to receive an advance preview please contact the gallery via the button below.

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Portrait de Sam Francis et Hans Hartung Galerie A & R FleurySam Francis x Hans Hartung | Beyond Limits Exposition du 26 mai - 8 juillet 2023

La galerie A&R Fleury est heureuse de vous annoncer sa prochaine exposition consacrée à deux grands maîtres de l’abstraction de l’après-guerre, Hans Hartung et Sam Francis

Hans Hartung et Sam Francis ont eu de longues carrières fructueuses. Ayant brièvement côtoyé les mêmes groupes d’artistes et les mêmes galeries à Paris, ces deux peintres ne se sont pourtant jamais croisés. Pour la première fois, leurs œuvres vont se côtoyer dans une exposition consacrée à déterminer la similitude de leurs ambitions, de leurs thématiques et de leurs approches artistiques dans l’expérimentation de la matérialité.

Au soir de la guerre, Sam Francis et Hans Hartung ont choisi de vivre à Paris, berceau des grands mouvements de l’Avant-Garde. Dans la capitale de l’Art Informel, Hans Hartung s’affirme contre la tradition picturale formaliste et se tourne naturellement vers l’abstraction lyrique plutôt que géométrique. Sam Francis arrive à Paris en 1950 suite à l’obtention de la G.I Bill, une bourse d’étude qui lui permet de venir découvrir la peinture européenne.

Tous deux ont connu leur première reconnaissance artistique à Paris, dans les années d’Après-Guerre. En 1947, Hartung expose à la galerie Lydia Conti, un des lieux mythiques du mouvement de l’Abstraction Lyrique, où il rencontrera enfin le succès. Quelques années plus tard, en 1952, la galerie Nina Dausset consacrera la première exposition personnelle à Sam Francis dont la reconnaissance fut immédiate et internationale. Tous deux sont bien connus des grands personnages phares de l’École de Paris comme Michel Tapié ou Paul Facchetti, ont cotoyé les mêmes cercles d’artistes et les mêmes galeries, pourtant ces deux grands maîtres de l’abstraction d’après-guerre n’ont jamais eu l’occasion d’exposer ensemble.

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Fondation Lynda et Guy Pieters Exposition GEORGE SEGAL - WIM DELVOYE - BARBARA DE PAUWLinda et Guy Pieters ont le plaisir de vous annoncer l'exposition
GEORGE SEGAL - WIM DELVOYE - BARBARA DE PAUW du 21 mai - 27 juin 2023
Si vous souhaitez assister au venissage samedi 20 mai de 11h à 14h contactez la Fondation

Fondation Linda et Guy Pieters
Place des Lices - 28 Boulevard Vasserot – 83990 Saint-Tropez
www.fondationlgp.com  - info(at)fondationlgp.com
+33 4 22 84 01 89

Ouvert tous les jours
de 10h à 13h30 et de 14h30 à 18h
Fermé dimanche et lundi

Lien vers : https://www.guypietersgallery.com/en/home

Image : George Segal - Girl on a Green Kitchen Chair - 1964 - plaster with painted wood

Stanley William Hayter, Composition, 1951, huile sur toile, 83,5 x 64,5 cm STANLEY WILLIAM HAYTER
Colour in motion

Exposition rétrospective
Du jeudi 13 avril au samedi 13 mai 2023

Galerie Vazieux
5 bis rue du Louvre, 75001 Paris
contact(at)vazieux.com | vazieux.com site : http://www.vazieux.com

Sous le commissariat d’Agnès Thiébault, Historienne d’art, diplômée de l’École du Louvre en histoire de l’art, Expert en art moderne, École de Paris, et avant-gardes européennes.

L’exposition « Colour in motion » nous plonge au coeur de l’univers libre, novateur et énergique du peintre et graveur d’origine anglaise Stanley William Hayter.

Conçue comme une rétrospective, l’exposition retrace son immense carrière de peintre qui traverse le XXème siècle en tutoyant le surréalisme, l’expressionnisme abstrait et l’art cinétique. Durant toute sa vie Hayter a innové et s’est engagé dans les mouvements précurseurs tout en gardant en filigrane sa passion pour la couleur et la ligne.

Considéré comme l’un des plus grands graveurs de son siècle, son oeuvre peint, tout aussi colossal, reste encore peu connu du grand public. Cette exposition inédite rend hommage à cet immense artiste.

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Concorde Art Gallery Exposition Marilyn Jess Concorde Art Gallery et Pulse Video ont le plaisir de vous inviter au vernissage de la nouvelle exposition consacrée Marilyn Jess, en sa présence, le vendredi 12 mai à partir de 19 heures

Marilyn Jess, l'autre icône érotique française avec Brigitte Lahaie, a définitivement marqué les amateurs de films d'amour de la fin des années 70 au milieu des années 80. Une actrice libre, décomplexée, flamboyante, facétieuse... et touffue ! De la photo de charme au journal "bête et ménchant" Hara Kiri, dont elle fut l'égérie, des plateaux de films aux romans-photos italiens, Marilyn Jess a suscité les fantasmes de plusieurs générations de spectateurs et de lecteurs.

Dans le prolongement du livre Marilyn Jess, les films de culte, dédié à sa carrière, Concorde Art Gallery et Pulse Video vous proposent une sélection exceptionnelle de photographies érotiques renversantes, d'œuvres originales et des documents d'archives remarquables, également disponibles à la vente.

Vous pourrez bien sûr acquérir le livre, mais aussi des disques vinyls, des films en blu-ray et même une planche de skate à l'effigie de Marilyn Jess !

L'exposition Marilyn Jess Sex Pose est ouverte du 8 mai au 3 juin 2023 de 11h à 20h, du lundi au samedi et l'entrée est libre.

Concorde Art Gallery

179 Bd Lefebvre

75015 Paris

Accès au 1er étage

Métro Porte de Vanves

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oni, 2016 © Russell James / Courtesy of CAMERA WORK GalleryCAMERA WORK Gallery presents an exhibition of 40 works by Russell James from april 29th until june 17th 2023. The exhibition traces the evolution of the photographer since the beginning of his artistic career.

Russell James is one of the world's foremost fashion and portrait photographers, and is also known for the non-profit art project 'Nomad Two Worlds'. In addition to major works such as »Toni« and »Kendall Running«, there will also be exhibits that will be exhibited worldwide for the first time.

With this exhibition, Russell James and CAMERA WORK support the Toni Garrn Foundation. The foundation was established in 2016 and is committed to helping girls and young women in Africa. The foundation promotes the establishment and expansion of educational projects and associated infrastructure to provide girls with safe and consistent access to educational institutions.

Russell James
29 avril – 17 juin, 2023
CAMERA WORK Gallery
Kantstraße 149
10623 Berlin, Germany
https://camerawork.de/

 PHOTO : Toni, 2016 © Russell James / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

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 paris gallery weekend

Paris Gallery Weekend 2023
26 — 28 mai 2023
101 GALERIES D’ART VOUS OUVRENT LEURS PORTES PENDANT 3 JOURS FESTIFS
La nouvelle édition du Paris Gallery Weekend se déroulera du 26 au 28 mai 2023.
Ce rendez-vous s’est imposé au fil des ans comme un événement majeurdu panorama culturel et artistique français. Créé en 2014 à l’initiative de Marion Papillon et piloté par le Comité professionnel des galeries d’art depuis 2021,
Paris Gallery Weekend comptera cette année sur la participation d’une centaine de galeries franciliennes qui ouvriront leurs portes durant 3 jours pour faire découvrir près de 250 artistes au plus grand nombre.

Ouverts à tous.tes, gratuits et libres d’accès, les événements organisés à l’occasion du Gallery Weekend seront répartis dans de nombreux quartiers. Le Marais, Matignon, Belleville, Saint-Germain-des-Prés, ou encore Romainville serviront ainsi de décor à des promenades inédites et des découvertes pour tous les goûts.
Au programme : des vernissages, des rencontres avec les artistes, des performances ou encore des signatures d’ouvrages.
Collectionneur·euse.s et amateur.rice.s d’art seront invité.e.s à suivre les différents parcours de cette édition 2023 qui prendront la forme, comme chaque année, de promenades de quartiers ou de sélections thématiques. Des visites guidées seront également proposées au grand public sur inscription.

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Wrapping Bonbon 'Hommage à Picasso' Polyester 98 cm sur socle aluminium © JENK 2023EXPOSITION HOMMAGE A PICASSO

EXHIBITION TRIBUTE TO PICASSO

BARBIZON FRANCE 8/04-10/06/2023

Pour commémorer les 50 ans de la disparition de Picasso, JENK a été invitée par la Mairie de Barbizon à célébrer le Maître aux côtés d'une cinquantaine d'artistes d'art contemporain. Pour cette exposition commémorative exceptionnelle '50 Ans Déjà', JENK a créé une œuvre unique 'Hommage à Picasso' exposée depuis le 8 avril et jusqu'au 10 juin 2023 à l'espace Marc Jacquet à Barbizon.

To commemorate the 50th anniversary of Picasso's death, JENK was invited by the City Hall of Barbizon to celebrate the Master, alongside fifty contemporary artists. For this exceptional commemorative exhibition '50 Years Already', JENK has created a unique work 'Tribute to Picasso' exhibited from April 8th to June 10th, 2023 at the Espace Marc Jacquet in Barbizon

Wrapping Bonbon 'Hommage à Picasso'

Polyester 98 cm sur socle aluminium

© JENK 2023

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MAXWELL STEVENS Drum Circle, Central Park 2019 Oil on canvas 160 x 130 x 5,5 cm - 62,9 x 51,2 x 2,1 inMAXWELL STEVENS

Drum Circle, Central Park
2019 Oil on canvas 160 x 130 x 5,5 cm - 62,9 x 51,2 x 2,1 in

TRAIT D'UNION
Pepe HIDALGO & Maxwell STEVENS
Curated by Arin Frut
 Tbilisi, Georgia
April 22nd - June 21st 2023

Galerie bruno massa is thrilled to introduce to international audience TRAIT D'UNION with PEPE HIDALGO & MAXWELL STEVENS and curated by ARIN FRUT.

TRAIT D'UNION draws a line between two very different universes from North America, one is based on Spanish culture & dissipated folklore inherited by Pablo Picasso, Cubism or Juan Gris, the other one is more constructed and sophisticated with MAXWELL STEVENS's detailed oil, quasi-architectural, even for his abstracts.

PEPE HIDALGO is a Canadian artist with Spanish origins born in 1953 who lives and works in Delta, British Columbia, Canada. An important purpose in his work is that it can speak for itself. When we sit, look, and listen, we often find meaning and understanding in what is in front of us. Imagery, symbolism, color, texture, shape, and volume are used to express his thoughts and feelings. Many of his paintings narrate a story, experience, or thought he wants to share with the audience. Just as each individual has their interpretation of events, viewers have their own interpretation depending on their life experiences. Pepe's work is abstract and figurative narrative. For a painting to be narrative the artist needs to incorporate elements the viewer can identify, this allows them to participate in the narrative of the painting. The paintings are open so the viewer can penetrate the artwork and feel as if they are the creator themselves. This allows people to have different interpretations and give their own meaning to his painting. His objective is finally for people to have a personal and unique experience with his marvelous art.

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eronique Rieffel Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à ParisSitué au cœur de Paris, à deux pas du Louvre, de la Fondation Pinault et du Centre Pompidou, au cœur du 1er arrondissement, le 110 Honoré ouvre progressivement ses portes ces prochains mois. Scénographié au sein d'un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : le mois de mai 2023 est marqué par l'ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel, dédiée à l'art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d'artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde.

Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d'une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d'un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d'un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d'une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L'ouverture de l'ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023.

Déjà ouverte à l'heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l'équilibre alimentaire de chacun, promesse d'une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai.

« La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s'installer durablement à Paris s'inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel.

La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 HonoréInitialement créée en Côte d'Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l'art et qui s'engage aux côtés d'artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s'affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent.

Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu'elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l'international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde.

En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d'un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an.
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Siham DERRADJI Galerie Traits Noirs
 

Siham Derradji portraitSiham DERRADJI

ART MODERNE | ART CONTEMPORAIN

La galerie TRAITS NOIRS s’inscrit depuis une quinzaine d’années dans la dynamique historique de la seconde moitié du XXe siècle, reflétant les divers aspects et courants de l’abstraction.

La récente ouverture de la galerie sur le contemporain, nous fait découvrir les travaux de jeunes artistes généralistes qui se démarquent des effets de mode et des victimes de la « Crampe de Duchamp ».

La Galerie participe aux manifestations suivantes:

  • Art Paris Art Fair, Grand Palais
  • P.A.D, Paris
  • ARCO – Salon international d’art contemporain, Madrid
  • Feriarte, Madrid
  • Art Basel, Bâle
  • Art Élysée, Paris
  • Beyrouth Art Fair
  • Scope Basel, Bâle

Gallery TRAITS NOIRS since fifteen years is part of the historical dynamics of the second half of the 20th century, reflecting various aspects and current abstraction.

The recent opening of the gallery of contemporary photographers such as Nan Goldin and Cindy Scherman … make us discover the work of young artists that stand out from the effects of fashion and victims of “the cramp of Duchamp”.

The gallery participates in the following events:

  • Art Paris Art Fair, Grand Palais
  • P.A.D, Paris
  • ARCO – International Contemporary Art Fair, Madrid
  • Feriarte, Madrid
  • Art Basel
  • Art Élysée, Paris
  • Beyrouth Art Fair
  • Scope Basel
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SALVADOR DALI   ULTRALOCAL / ULTRAGLOBAL

Mayoral, Paris, Matignon

Exposition du 29 mars au 28 mai 2023

Du 29 mars au 28 mai 2023, la galerie Mayoral présente dans son espace parisien à Matignon une exposition monographique consacrée à Salvador Dalí. À travers une sélection d'oeuvres inédite, l’exposition témoigne de l’ambivalence entre le cosmopolitisme de l’artiste et son ancrage à Cadaqués, sa terre natale : deux aspects, qui semblent difficilement conciliables de prime abord mais qui s'incarnent toutefois dans son oeuvre et son personnage. En effet, Dalí nous prouve que c'est précisément son particularisme et la revendication de ses racines qui a rendu possible son universalisme. Sous le commissariat de Chus Martínez, Salvador Dalí,
ULTRALOCAL/ULTRAGLOBAL permet ainsi de redécouvrir l'univers artistique du célèbre peintre à la précision d'orfèvre, inspiré par la culture et le paysage - aussi poétique que singulier - de sa Catalogne natale mais aussi influencé par ses expériences internationales, notamment entre Paris, où il rencontre les Surréalistes, et les États-Unis, où il collabore avec des personnages à l'instar de Walt Disney.

Salvador Dalí au barretina à Cap de Creus, 1955. Photo Robert Descharnes, © Descharnes & Descharnes sarl 2023 Objet scatologique à fonctionnement symbolique (Le Soulier de Gala), 1931/1973, assemblage surréaliste, épreuve d’artiste (édition de 8 +2) © Mayoral 2023
Salvador Dalí au barretina à Cap de Creus, 1955. Photo Robert Descharnes,
© Descharnes & Descharnes sarl 2023
Objet scatologique à fonctionnement symbolique (Le Soulier de Gala), 1931/1973,
assemblage surréaliste, épreuve d’artiste (édition de 8 +2) © Mayoral 2023
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David Nash, Red Dome, 2022, pigment on paper, 57 x 76 cm © David Nash / Courtesy Galerie Lelong & Co.Galerie Lelong & Co.
38 avenue Matignon, Paris, France
David Nash
January 12 – March 4, 2023
38 avenue Matignon, Paris, France

12 janvier – 4 mars 2023 Vernissage le 12 janvier à 18h

Photo : David Nash, Red Dome, 2022, pigment on paper, 57 x 76 cm © David Nash / Courtesy Galerie Lelong & Co.
 

To open 2023, Galerie Lelong & Co. is exhibiting a collection of recent works by the British artist David Nash. For 50 years, he has been guided by a creative instinct obedient to his preferred subject: trees. Often taking the form of sculptures – sometimes monumental, sometimes humbler in format – David Nash adapts to the form dictated by the trunk or branch to conceive his sculptures and installations. The other facet of his oeuvre, drawings on paper, similarly embodies this close awareness of the material. Although he does not eschew plant forms altogether, in this exhibition he favours minimal abstractions with rich colours that sing joyously.

David Nash (born in 1945 at Esher, England) lives and works in Blaenau Ffestiniog in North Wales. He has been a member of the Royal Academy since 1999. His work, widely represented in the major museums of Europe, America, Australia and Japan, has been the subject of retrospectives at the Yorkshire Sculpture Park and at Kew Gardens in England, as well as at the National Museum Cardiff and at Towner Eastbourne.

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EVA MARC’H, artiste contemporain

EVA MARC’H, artiste contemporain Expose à nouveau au GRAND PALAIS EPHEMERE PARIS dans le cadre de ART EN CAPITAL 2023 au Salon des artistes indépendants

Exposition du 14 février 2023 au 19 février 2023

EVA MARC’H a commencé à peindre il y a 30 ans. « J'ai l'impression de naître chaque matin. Tous les jours, on apprend sur les autres, sur soi, sur notre quête dans ce monde. C'est cette quête que je retranscris dans mes œuvres guidés par l’inconscient. ».

« Pour moi, l'acte de création, c'est d'abord une forme de lâcher-prise. Il faut se laisser aller pour exprimer sa créativité, faire confiance à son corps, à son geste et être dans une conscience positive »

EVA MARC’H expose deux œuvres dans le cadre de l’exposition au Grand Palais, légères et qui révèlent la beauté de la Nature à travers l’Energie de la Couleur.

EVA MARC’H exposera prochainement à la BIENNALE DE FLORENCE en octobre 2023

Contact : contact(at)eva-march.com site internet  www.eva-march.com

EVA MARC’H MIND WIND 1 - 116 X 89 cm  Acrylique-HUILE PRIX 12 000 Euros EVA MARC’H MIND WIND 2 - 116 X 89 cm  Acrylique-HUILE PRIX 12 000 Euros

EVA MARC’H MIND WIND 1 - 116 X 89 cm 

Acrylique-HUILE PRIX 12 000 Euros

EVA MARC’H MIND WIND 2 - 116 X 89 cm

Acrylique-HUILE PRIX 12 000 Euros

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Sooyoung Chung; detail of "Where Is My Banana" 2022, Acrylic on linen, 150 x 150 cm, 59 x 59 in, (SYC 22.001)Over the Influence Presents Sooyoung Chung's Solo Show
Asia Now
OVER THE INFLUENCE
https://overtheinfluence.com/
HONG KONG | LOS ANGELES | BANGKOK | PARIS

OTI GALLERY :
Over the Influence Gallery was founded in Hong Kong in 2015 and expanded to Los Angeles in 2018 and Bangkok in 2022. We are thrilled to announce our forth gallery location in Paris opening with the show of Thai artist Gongkan. The gallery represents an international roster of emerging and established artists working across different mediums and disciplines. OTI is dedicated to championing artists who challenge traditional approaches to studio practice and presents a dynamic program that explores the intersection of contemporary art, architecture, design, music, fashion, and other forms of visual expression.

ASIA NOW :
For the 2022 edition of Asia Now, Over the Influence would like to present for the first time a solo show exhibition that invites all of us to rethink about our relationship with our everyday objects.
The artist present individual bodies of work that speak in conversation with one another, creating an exhibition that is witty and playful. The show allows viewers to escape into the same fantasy world we did as children, with the humour and satire that adulthood necessitates.

THE ARTIST | SOOYOUNG CHUNG :
For the artist Sooyoung Chung, from South Korea this series presents her most recent series of works and direction in her creative process. In the past year, the artist worked exclusively in linen canvas and focused on this series titled “ Biographical Object”. Each work has a simple number as a reference of our daily objects. Chung’s paintings in this series work in conjunction to each other to create a feeling of one painting - so much so that one can even see pieces as an unique wall of ordinary objects. This intentional choice continues to show how intertwined these series are. His pieces feature 2D versions of the artist's 3D figures.

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Francine Holley, sans titre, 1956, gouache sur papier, 34 x 22 cmFrancine Holley
Une abstraction musicale
13.01.23 - 25.03.23

VERNISSAGE
Jeudi 12 janvier 2023
17:00-20:00
En présence de Kitty Holley, fille de l'artiste
LA PATINOIRE ROYALE
Galerie Valérie Bach
15 rue Veydt - 1060 Brussels T+32 2 533 03 90
contact(at)prvbgallery.com
www.prvbgallery.com
De 1937 à 1945, Francine Holley (Liège 1919, Bruxelles 2020) s'initie simultanément à la musique (premier prix de piano au Conservatoire de Liège) et aux arts plastiques, à l'Académie des Beaux-Arts de sa ville natale.

En 1946, elle se fixe à Paris et fréquente les ateliers d'André Lhote et Fernand Léger, puis ceux de Jean Dewasne et Edgar Pilet, ce qui l'amène naturellement à réaliser vers 1950 ses premières œuvres abstraites. Elle participe, en Belgique, aux mouvements Art Abstrait, Art Construit et Formes, animés par Jo Delahaut. À la recherche d'une géométrie souple et dynamique sur des fonds strictement en aplats, l'artiste évoque, à partir des années 1980 surtout, la rythmique de portées musicales, ou bien la calligraphie arabe, ou encore quelques signes totémiques. L'austérité de la structure en armatures monumentales et hiératiques qui arpente l'ensemble de l'œuvre, incite l'artiste à pratiquer un chromatisme lumineux.

Texte de Serge Goyens de Heusch

La galerie est ravie de présenter en solo show une sélection d'oeuvres de Francine Holley, au 1er étage de ses espaces, du 13 janvier au 25 mars 2023. Nous avions présenté son travail dans l'exposition "Painting Belgium, Abstractions en temps de paix (1945-1975)" fin 2019 puis dans "Belgium Women, Peinture belge abstraite d'après-guerre" fin 2020.

Toute l'équipe de la galerie se joint à moi pour vous souhaiter une année 2023 débordante de bonheur, de belles surprises et de prospérité.

Nous nous réjouissons de vous retrouver prochainement!

image : Francine Holley, sans titre, 1956, gouache sur papier, 34 x 22 cm

Valérie Bach

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Barakat Gallery New London Location

Dear Friends, Clients, and Patrons,

After almost 20 years, earlier this month we moved out of our Gallery on 58 Brook Street to make way for the re-development of the entire block.

We have not gone much far away though, and we relocated in a much larger space down the road in 31 Brook St, W1K 4HF, Mayfair, London.

In the last few months we have been considerably busy organising this move, and I am sure that the collectors and art lovers who are reading this email will understand the challenges and the excitement of organising a new space.

For my entire life I have always treasured antiquities for their ability to tell stories and in the last few months during the move our curators and staff have treasured the opportunity to caress every single artefact readying it for the move. It has been an incredibly inspiring experience as we have been able to think about every artefact anew, and we are looking forward to share our enthusiasm with you.

Personally, I hope to be able to welcome many of you personally in the new location.

Wishing each and everyone of you to be in the best of health,
Fayez Barakat
President

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KARINE TAILLANDIER GALERIE MAKOWSKI PARISKarine TAILLANDIER
Vernissage de l'exposition à la Galerie Makowski Paris
le samedi 15 octobre à partir de 16 h
7 rue de Chaumont 75019 PARIS
Entrée libre.

La Galerie Makowski Paris et Karine TAILLANDIER sont heureux de vous convier au vernissage de l'exposition de Karine TAILLANDIER.

Karine a 50 ans, mi-Parisienne, mi-provinciale.
Journaliste puis créatrice d’une agence de communication à 28 ans, elle accompagne aujourd’hui des entreprises dans la création d’activités, le développement de projets. Pas de formation artistique, même si elle a depuis des années la passion de la photographie. Parmi ses activités, l’accompagnement d’un label artistique - galerie d’art parisienne, B’ZZ, dédiée à l’art africain contemporain.

Elle a commencé à dessiner en 2016. Après un « léger » incident de parcours ;). Une jolie maladie qui «lui a offert ça, et c ‘est déjà pas mal». Comme un robinet qui se serait ouvert. Il coule à flots aujourd’hui et semble intarissable. Pourquoi ? Parce qu’à ce moment-là, les mots, dont elle vient et qui sont en grande partie son métier, lui ont semblé inadaptés à ce qu’elle a eu besoin de transmettre de son vécu, de ses sentiments. Trop complexes. Trop lourds pour ceux qui les recevraient.

Alors elle s’est mise à raconter sa vision du monde en images.

Ce sont des histoires courtes, qui lui viennent de ses rencontres, de ce qu’elle voit, de ce qu’elle vit, de ce qu’elle ressent du monde et des gens. Ce sont « ses aventures ».

Elle travaille sur ordinateur, avec son index qui trace directement sur le pad. Ce sont des dessins où les personnages sont souvent d’un seul trait. Jaillis de son imaginaire malgré elle, finalement. Elle n’a jamais pris aucun cours, elle apprend donc en dessinant. Et elle adore ça.

Parfois un peu «manga», noir et blanc ou de multiples couleurs, on dit de son travail qu’il est abstrait figuratif et souvent plein de poésie autant que de dureté. Comme de jolis paradoxes.

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Stems Gallery & Strouk gallery are pleased to present
ALLISON ZUCKERMAN

"A Taste of Mille-Feuilles"
21.10.22 - 12.11.22
Opening October 20th 2022 from 5 to 8 pm
2, Avenue Matignon 75008 PARIS FRANCE

Zuckerman Strouk1m
Artist, Allison Zuckermann in her studio, with artworks from "A Taste of Mille-Feuilles" show

Allison Zuckerman's large scale canvases take a selection of female- orientated images from art history and, through the application of oil and acrylic paint, crystal rhinestones, and embedded archival CMYK ink, fuse them together in collage. Her work juxtaposes colourful pop imagery with a historical aesthetic. Through this marriage of epochs Zuckerman seeks to reclaim female figures from a male-dominated art historical canon, and does so with palpable excitement, humour and love.

Allison Zuckerman (b. 1990 Harrisburg, PA) lives and works in New York, NY.

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David Hockney, August 2021, Landscape with Shadows, Twelve iPad paintings comprising a single work, printed on paper, mounted on Dibond, Edition of 25, 108.2 x 205 cm (42.5 x 80.75 Inches), © David Hockney
David Hockney, August 2021, Landscape with Shadows, Twelve iPad paintings
comprising a single work, printed on paper, mounted on Dibond,
Edition of 25, 108.2 x 205 cm (42.5 x 80.75 Inches), © David Hockney

David Hockney
20 Flowers and Some Bigger Pictures
November 3 – December 22, 2022
Galerie Lelong & Co.13 rue de Téhéran and 38 avenue Matignon
Paris, France
Opening on November 3 from 6pm Vernissage le 3 novembre à partir de 18h

"I think it's what we need today.
New looking fresh pictures of a very beautiful world."
David Hockney

Five of the world's leading galleries are coming together to present 20 Flowers and Some Bigger Pictures, an unprecedented international exhibition by David Hockney. The global exhibition will be jointly presented this fall and winter across five cities: Annely Juda Fine Art in London; Galerie Lelong & Co. in Paris; GRAY in Chicago; L.A. Louver in Los Angeles; and Pace in New York.

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La Galerie Jean François Cazeau présente Nicolas LefeuvreNicolas Lefeuvre
face aux Maîtres Modernes : Picasso, Matisse, Masson.

A l'occasion de la huitième édition d'Un Dimanche à la galerie oragnisée par le Comité des Professionel des Galeries d'Art depuis 2015, la Galerie Jean-François Cazeau a le plaisir de vous présenter sa nouvelle exposition qui a lieu du 1 au 19 octobre 2022, dans son espace dans le Marais. Cette journée d'ouverture commune des galeries d'art, invite le public dans un ambiance conviviale à découvrir les expositions phares de la rentrée.

L'exposition a pour but de rapprocher la production contemporaine de Nicolas Lefeuvre des Maîtres Modernes. Un discours commun empreint d'une audace, d'une recherche de libération du geste exprimé dans la fonction expressive et symbolique de la couleur, du rythme des formes. Geste comme acte réflexif à l'origine de l'œuvre, l'exposition invite à découvrir un dialogue sur l'abstraction et une expérience esthétique subtile.

The exhibition aims to bring the contemporary production of Nicolas Lefeuvre closer to the Modern Masters such as Masson and Matisse. A common discourse characterized by an audacity, a search for liberation of the gesture expressed in the symbolic function of the color, the rhythm of forms. The exhibition invites to discover a dialogue on abstraction and a subtle aesthetic experience.

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1 Lucas Dvorak Fencers 2, 2015 Photograph 23 3/5 × 31 1/2 in 60 × 80 cm Editions 2-7 of 7

1 Lucas Dvorak Fencers 2, 2015 - Photograph 23 3/5 × 31 1/2 in 60 × 80 cm Editions 2-7 of 7

 WHAT

JM Art Management present an exclusive online Artsy exhibition for Czech art and fashion photographer Lukas Dvorak. The show is replete with Dvorak's passionate, erotic, and intense photography.

Lukas Dvorak captured photos of the surrounding nature, considering it his best source of inspiration and contrast. Dvorak believes that women should be exposed in the same way as nature does, demonstrating how one might act without needing to put up a front. This thought serves as the return to the birth of Venus, a reference to the original woman.

Lukas combines his models' beautiful, feminine curves with an astonishing, raw, and untamed backgrounds by presenting them with breathtaking scenery. His scenes provide a sense of simplicity and purity through the interaction of nature and nudity.

The artist characterizes his style as straightforward. Primary, straight lines must control the three aspects of lighting, position, and facial expression. His works show little sign of the enormous effort frequently required to achieve the correct pose. As he noted in an interview, respecting the woman's beauty is the first thing to do to capture her in her most spectacular and finest form. The most crucial criterion for Dvorak is a natural appearance; he shows his images in a timeless, pure style, devoting himself to the female nude with poise and creativity. The models have a natural appearance and a strong sense of character.

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Kevin Sabo - Maliboob, 2022 acrylic, pencil on canvas, 30 x 24 in.

LOS ANGELES
SOMEBODY
group exhibition 10 September - 1 October 2022

Hashimoto Contemporary is pleased to present Somebody, a figurative group exhibition curated by Dasha Matsuura. Each of the eight artists featured explore abstraction and stylization of the human form, depicting the physical and emotional within their subjects.

Capturing the essence of ourselves, peers and family have been at the root of art practices throughout history. From hyper-realism to abstracted forms, the artists highlighted in Somebody illustrate familial histories and memories, current internal states and hopes for the future. Grappling with identity, the inherent value of the subject and their presence within the painted space, each work moves beyond the physical body to unpack the human experience.

Utilizing their work to paint the reality they see or would like to see, the artists affirm and underscore the importance of representation or reflection of one's self in art. Painting is used as a means to record the influential and everyday, to allow reverence that you are someone worth documenting and inhabiting space. That you are Somebody.

Participating Artists:
Liz Flores | Lanise Howard | Kathryn Kampovsky | Hanna Lee Joshi | Marianna Olague | Kevin Sabo | Emma Steinkraus | Shingo Yamazaki

Opening Night Reception:
Saturday, September 10th
4pm to 7pm

Hashimoto Contemporary Los Angeles
2754 S La Cienega Blvd.
Los Angeles, CA 90034

https://www.hashimotocontemporary.com/

SUMMER PROJECT ROOM 2022

ATLAS DES MONDES RÊVÉS
Sylvain Polony GALERIE VALERIE DELAUNAY Vues de l'exposition Atlas des mondes rêvés / © loicmadecphotographeSylvain Polony

Exposition du 28 juillet au 10 septembre 2022
Réouverture de l'exposition, le mardi 30 août 2022.

Nous espérons que vous avez passé de très belles vacances d'été et serons heureux de vous accueillir dès le mardi 30 août pour vous faire découvrir l'exposition de Sylvain Polony.

Vues de l'exposition Atlas des mondes rêvés / © loicmadecphotographe

GALERIE VALERIE DELAUNAY
42 rue de Montmorency
75 003 Paris
contact(at)valeriedelaunay.com / Tél. : + 33 (0)6 63 79 93 34

Du mardi au samedi de 13h à 19h et sur rendez-vous

Site de la galerie : https://www.valeriedelaunay.com/

For its second edition, Bienvenue Design returns to the heart of Saint-Germain-des-Prés, to the mythical Hotel La Louisiane.

From September 8 to 11 during the Paris Design Week, Bienvenue Design brings together galleries and design studios and allows its exhibitors to reinvent the hotel room spaces.

© Room 36 — Crosby Studios by Harry Nuriev
© Room 36 — Crosby Studios by Harry Nuriev
In this edition, designer and architect Harry Nuriev and his firm Crosby Studios will produce a series of furniture pieces and take over room 36 for a global design set. It will be the first room in the hotel to be commissioned entirely to a designer. After the public opening, it will be available to accommodate future hotel guests who desire a fresh, personal interpretation of this historic venue, once an oasis for the arts and bohemia.
Featured Exhibitors : PAF ATELIER — FIRMAMENT Std. & RAFAEL DE CARDENAS — LA BOCCA DE LA VERITA — MANUFACTURE DE COULEUVRE — TOKIO. — ZOE RUMEAU — JN MELLOR CLUB — CILUZIO par AAMA Design — MAISON MARTIN MOREL — ATELIER CONSTANT — HIROMI — LIA ROCHAS — HOMAAR — GALERIE PRADIER-JEAUNEAU — REMIX GALLERY — MAXENCE DE BAGNEUX — MAISON VERRSEN — CROSBY STUDIOS BY HARRY NURIEV
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LD Tohshimitsu Imai (1928-2002) huile sur papier,  circa 1960, dim 48,5 x 62,5 cmLa galerie Louis & Sack présente
LE GESTE ET LA MATIERE
Peinture japonaise d'après-guerre et céramique contemporaine d'Asie
17 > 26 juin 2022
22, rue de Seine
75006 Paris
www.louis-sack.com

Du 17 au 26 juin 2022, la galerie Louis & Sack rend hommage au geste et à la matière à travers une exposition faisant dialoguer la peinture japonaise d'après-guerre et la céramique contemporaine d'Asie.

Pour l'occasion, la galerie Louis & Sack investit un magnifique espace situé 22 rue de Seine, au cœur de Saint Germain des Près, où sont mises en regard les œuvres des grands peintres japonais d'après-guerre tels que Toshimitsu Imai, Key Sato, Kumi Sugai, Akira Kito et Akeji et les créations nouvelles des céramistes contemporains comme Seungho Yang, Kei Tanimoto, Yukiya Izumita et Freeda Miranda et Akashi Murakami.

Fondée en 2020 par Rébecca Sack et Aude Louis Carvès, la galerie est spécialisée dans les artistes asiatiques de la Nouvelle Ecole de Paris et l'abstraction, notamment japonais des années 1950 à 1980. Venus se joindre au foisonnement créatif parisien des années 1950, ces artistes ont apporté un souffle sans précédent au développement de l'abstraction en Occident.

Le mélange des techniques, des formes et des matières est au cœur de cette rencontre esthétique Orient-Occident que la galerie Louis & Sack s'attache continuellement à mettre en lumière.

Exposition ouverte tous les jours
De 11h à 19h
En entrée libre

IMAGE : LD Tohshimitsu Imai (1928-2002) huile sur papier, circa 1960, dim 48,5 x 62,5 cm

Venet Bernar Portrait
Bernar Venet receives Artist of the Year 2022 award
from the American Friends of Museums in Israel

Linda and Guy Pieters would like to congratulate Bernar Venet on receiving this award last week.

Past honorees include Jaume Plensa, Tony Cragg, James Rosenquist and Jeff Koons.

For many years, the American Friends of Museums in Israel has honoured outstanding living artists whose work has commanded the admiration and respect of the global art community.

https://www.guypietersgallery.com/en/home

Argentic Roger Schall

17 et 18 mai : 12h-18h  –  19 et 20 mai : 12h-19h30  –  21 et 22 mai : 10h-18h

Mairie de Vincennes : 53 bis Rue de Fontenay, 94300 Vincennes
Metro : ligne 1 Château de Vincennes  –  RER A Vincennes

N'hésitez pas à contacter Eric Boudry ARGENTIC / mail : argentic(at)argentic.fr / téléphone : 0033 (0)6 08 90 51 33.

di tanea loft1hLa Galerie Loft a le plaisir d'accueillir une nouvelle sculpture dans la collection ART FOR ALL : "AUBE" de Francesco Marino Di Teana !

« Cette œuvre est la forme la plus parfaite et la plus harmonieuse réalisée par Marino di Teana. L'équilibre qui s'établit ici entre masse et espace est inégalable : nous constatons l'effet produit par deux moitiés rapprochées mais non face à face, que sépare un espace qui, dans leur intervalle, devient géométrique, informe et atemporel car la forme lui est donnée par le contraste des masses opposées.»

Tomás Alva Negri, in Marino di Teana, ed. de Arte Gaglione, Buenos Aires, 1987.

 

 

Marino Di Teana dans la forge de son atelier de Périgny, 1965 © Pierre Joly & Véra Cardot

Marino Di Teana dans la forge de son atelier de Périgny, 1965 © Pierre Joly & Véra Cardot
Artiste érudit et prolifique, à la fois peintre, sculpteur, architecte, poète et philosophe, Marino di Teana construit son œuvre à partir des concepts de la logique tri-unitaire et de la sculpture architecturale.
Plan pour une structure pouvant être réalisée à plusieurs échelles
À partir des années 1960, Marino di Teana entame un véritable travail d'exploration autour de la forme du cercle. Il s'attache dans un premier temps à les décomposer avant de réaliser en 1977 la sculpture Aube, exemple le plus parlant de sa théorie tri-unitaire « 1 + 1 = 3 ».

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marini di teana bruxelles1hHORS LES MURS • BRUXELLES
Save the date

En collaboration avec la Galerie CASTIGLIA, la Galerie LOFT a le plaisir de vous convier au premier solo show de Marino Di Teana à Bruxelles du Samedi 21 mai au jeudi 30 juin 2022.

VERNISSAGE
Samedi 21 mai de 17h à 20h

à la Galerie CASTIGLIA
15 rue Lanfray, 1050 Ixelles, Belgique

Exposition
du 21 mai au 30 juin 2022

À la fois peintre, sculpteur, architecte, poète et philosophe, Francesco Marino Di Teana est un artiste Italo-argentin qui a marqué la sculpture des années 1950-60 par ses théories sur la logique tri-unitaire et la sculpture architecturale.

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rose madone3hROSE MADONE
TRANSITION
EXPOSITION Du 22 AVRIL AU 22 MAI 2022
GALERIE MARTINE EHMER
200 RUE HAUTE -
1000 BRUXELLES
+32 473 59 02 85
martine(at)martineehmer.com
https://www.galeriemartineehmer.com
Du jeudi au dimanche, de 11h à 18h. Ou sur rendez-vous

POUR SA PREMIERE EXPOSITION À BRUXELLES, DU 22 AVRIL AU 22 MAI 2022, ROSE MADONE ABORDE LE THÈME DE L'ÉVOLUTION COMME ÉLÉMENT ESSENTIEL À LA CONDITION HUMAINE. ELLE MET EN LUMIÈRE LE PROCESSUS DE TRANSFORMATION, CE PASSAGE PROGRESSIF D'UN ÉTAT À UN AUTRE, S'OPÉRANT AU NIVEAU PERSONNEL, COLLECTIF, MENTAL ET PHYSIQUE.

C'EST UNE RECHERCHE DE L'ÉQUILIBRE QUI SE RÉVÈLE, UN VOYAGE PERSONNEL. L'ARTISTE INVOQUE « L'ESSENCE DE L'HOMME » PAR LA DANSE SPONTANÉE DE SES GESTES. LES NUANCES DE TERRE S'ALIGNENT SUR LA TOILE, ELLES RENTRENT EN PHASE. À L'IMAGE DE L'ÊTRE HUMAIN EN HARMONIE AVEC SON EXISTENCE.

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urbaines

Urbain.es, une exposition sur la femme et ses représentations dans la Cité vues par le prisme de l’art urbain, c’est le projet ambitieux porté par la Condition Publique de Roubaix sous le commissariat de Magda Danysz. Après le succès de Street Generation(s) – 40 ans d’art urbain en 2017, évènement qui avait fait date en rassemblant 43 000 visiteurs, la Condition Publique et la galerie Danysz renouent avec leur collaboration pour proposer un parcours exceptionnel : 29 artistes, près d’une centaine d’œuvres, dont une partie créées spécialement pour l’occasion, se déployant sur un espace total de 1 500 m2. Un rendez-vous donné aux Roubaisiens et Roubaisiennes, ainsi qu'aux visiteurs de tous horizons, pour découvrir l’étendue et la richesse d’une autre histoire de l’art, dans laquelle la place des femmes dans la société et les engagements des artistes n’ont eu de cesse d’entrer en résonance ces cinquante dernières années.

La Condition Publique
14 place Faidherbe
59100 ROUBAIX
https://laconditionpublique.com/

Artistes : Yseult YZ Digan, eL Seed, Guerilla Girls, Maya Hayuk, Icy and Sot, Invader, Mark Jenkins et Sandra Fernandez, JR, Kubra Khademi, Lady Pink, Madame, Miss.Tic, Miss Van, Mode 2, Robert Montgomery, Eko Nugroho, Obvious, Quik, Edmond Marie Rouffet, Magda Sayeg, Saype, Swoon, T-Kid, Aya Tarek, Amalia Ulman, Zevs

Commissariat d’exposition : Magda Danysz, accompagnée de Stéphane Guerreiro

  • · « Cette exposition interroge les liens entre la femme et l’espace public : aussi bien la façon dont des femmes artistes s’emparent aujourd’hui de ces espaces communs, partagés, pour y intervenir artistiquement ; mais aussi la façon dont les artistes, quel que soit leur genre introduisent la figure de la femme dans leur travail de rue. »

- Magda Danysz

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Artists and Their Books

Exhibition extended through April 29, 2022

Ubu Gallery is pleased to announce that the exhibition Artists and Their Books has been extended. Viewing is by appointment only through April 29, 2022.

Hans Bellmer, Study for Histoire de l'œil. Nouvelle version ["Story of the Eye. New version"] by Georges Bataille, 1946, Hand-colored vintage gelatin silver print, 4 5/8 x 4 1/2 inches (11.8 x 11.5 cm)

Hans Bellmer, Study for Histoire de l'œil. Nouvelle version ["Story of the Eye. New version"] by Georges Bataille, 1946, Hand-colored vintage gelatin silver print, 4 5/8 x 4 1/2 inches (11.8 x 11.5 cm)

UBU GALLERY
416 EAST 59 STREET NEW YORK NY 10022 T: 212.753.4444
HOURS: BY APPOINTMENT ONLY FACE COVERINGS ARE REQUIRED
info(at)ubugallery.com - https://www.ubugallery.com/

Artists and Their Books

On View

Illustration has often been considered the stepchild of literature, strictly an accompaniment which at best serves as a diversionary respite from the intellectual and emotional triumph of words. But along with the more immediately apparent 20th Century revolutions in the plastic arts, film, performance, music and literature, a quiet but equally profound alteration has taken place in the world of illustrated books and publications. Ubu Gallery’s current exhibition, “Artists and Their Books”, is an attempt to gain the recognition of a wider, informed audience for this essential melding of art and literature. We are presenting drawings, collages and photographs created explicitly for or in connection with books and publications produced from the 1920s to 1960s, with a heavy dose of Surrealism. Some of these books and publications are unique, some limited edition, some mass produced. But virtually all of the art generated fcr these books and publications was created by “fine” artists and is exceedingly rare, significant and collectible. Practically every ma|or artist of the 20th Century has collaborated in the creation of one or more of such works and often these artists supplied their own unique voice as well, rivaling the achievements of recognized literary giants. In many cases, illustration has occupied such an important place in the total oeuvre of the artist that no student of art history, connoisseur or astute collector can afford to turn a blind eye.

Hans Bellmer, Man Ray, Claude Cahun, Georges Hugnet, Jindrich Štyrský and Unica Zürn are among the heavyweights on view.

ARTISTS
Hans Bellmer, André Breton, Janusz Maria Brzeski, Claude Cahun, Marcel Duchamp, Charles Henri Ford, Jindrich Heisler, Georges Hugnet, Man Ray, Eddy Smith, Jindrich Štyrský, Unica Zürn

ANTONIO SEGUI CONTEUR D'HISTOIRES GALERIE LOFT
« Je n'ai pas la prétention de faire des discours sociaux, mais il y a toujours un peu de ça parce que cela fait partie de moi, mais s'il n'y a pas d'humour, ça ne m'intéresse pas. Je suis né à Cordoba, et celui qui vient de Cordoba s'il n'a pas d'humour, il est perdu... »
C'est cette envie de sourire autant qu'un sentiment doux-amer que laisse aujourd'hui Antonio Seguí dans nos cœurs. En apprenant la nouvelle de son décès c'est d'abord la tristesse que j'ai ressentie, de savoir que je ne verrai plus ce grand homme et formidable artiste dont les œuvres ont toujours accompagné mon parcours de galeriste. Je repense aussi au bonheur que j'ai eu de le voir il y a à peine quelques semaines avant son départ pour l'Argentine avec la même joie de vivre qui le caractérise depuis plus de trente ans que nous travaillons ensemble.
Antonio Segui, Historias para contar, 2019, Acrylique sur toile, 100 x 100 cm
Antonio Segui, Historias para contar, 2019, Acrylique sur toile, 100 x 100 cm
Malgré une certaine nostalgie, c'est avec d'autant plus de fierté que je prends conscience de la chance que j'ai eue d'avoir pu partager avec lui le lancement de la nouvelle édition de l'Homme pressé de la collection Art For All, et c'est avec beaucoup de tendresse que je me remémore les futurs projets de collaboration que nous avions évoqués ensemble ce jour-là. Je sais qu'il aurait aimé qu'on se souvienne de cette image d'un homme pétillant et dynamique, un éternel artiste possédant une grande soif de création.
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Portrait de ERROVernissage le 10.03.22
Simultanément dans nos deux espaces: Galerie Laurent STROUK
- 2 Av. Matignon 75008 Paris
- 5 rue du Mail 75002 Paris

GUDMUNDUR ERRO

Pionnier du mouvement de la Figuration Narrative Erro est à la fois pop et baroque, il désire jouer avec les images, les détourner de leur quotidienneté banale pour les insérer dans un contexte méticuleusement préparé.
Tout commence à la fin des années 50 avec des ciseaux et de la colle...Publicités, journaux, affiches, propagandes politiques, bandes dessinées, il récupère tout ce qu'il voit, tout ce qu'il lit. Il découpe, il assemble et compose un collage comme une esquisse du tableau à venir.
Ce qui l'intéresse avant tout c'est notre culture visuelle et politique. De Mao Zedong à la guerre du Golfe il raconte ce que tout le monde connaît et peut reconnaître...les figures de despote, le monde et ses conflits, la guerre des images.

En 1963 il arrive à New York et initie la série des Scapes, un flux ininterrompu d'images qui saturent la surface du tableau. Ainsi une narration infiniment complexe se met en place et laisse au spectateur sa liberté d'interprétation. « La peinture est un moyen de tenter de découvrir la signification d'un monde confus » nous dit Erro.

A bientôt 90 ans, Erro investit la Galerie Strouk en reprenant ses sujets de prédilections : les supers héros de la pop culture américaine, les mangas japonais et toujours ses hommages à Fernand Léger et Pablo Picasso.
Riche d'une quarantaine d'œuvres et de collages, l'exposition se déroulera simultanément dans nos deux espaces du 2 avenue Matignon et du 5 rue du Mail du 11 mars au 23 avril 2022.

Voir Biographie ERRO sur WIKIPEDIA

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Happy Valentine's Day

Roman marble Cupid or Eros, Ca 1st to 2nd Century AD. The winged god riding a dolphin, holding its dorsal fin with his left hand, the dolphin resting on a base and baring its teeth. A lovely and large ancient sculpture with good original polish and encrustation. Size is 27 inches (68.6cm) high, 17 inches wide. Provenance: Ex Mr. And Mrs. Kenneth Gladstone, New York City acquired from Galerie Francois Antonovich, Paris France, 1984Dear Ancient Art Lover,

In Classical Greek mythology the god of love, Eros (Roman Cupid), was the love child of Aphrodite, goddess of beauty, passion and procreation, and Ares, the infamous god of war. It was Eros who lit the flame of love and desire in the hearts of gods and humans. There are many theories as to why, throughout antiquity, Eros was often depicted riding a dolphin: in antiquity, as today, dolphins were perceived as affectionate towards humans. They were also symbols of divine protection and guidance, and may have represented how swiftly love moves.

Art for Eternity is proud to present a noteworthy, high quality new acquisition. This Roman marble rendition of Eros, riding a dolphin, is a perfect Valentine's gift for you or your beloved. We also have an array of beautiful ancient gems and jewelry selected for the occasion.

And to make it easier we offer:

Free gift-wrapping.
A personalized message enclosed in an envelope
Free shipping
Hassle-free option to return gifts

With strength, courage, art and ἔρως from your friends at Art For Eternity,

Howard Nowes & Dara Mayers, Directors

Art For Eternity | 303 East 81st Street, New York, NY 10028

logo gal ab h

gal ab1hRendez-vous à Bruxelles !

Chers amis,

Nous sommes heureuses de vous inviter à la BRUSSELS ART WALK, BRAFA, dans notre galerie temporaire au cœur des Sablons, 22 rue Watteeu à Bruxelles du 17 au 20 février 2022.

Nous partagerons une coupe de champagne avec vous le jeudi 17 février à partir de 18h00.

Nous présenterons :

Un important ensemble d'œuvres de René Guiette provenant de la collection de Rudolf Stadler.

Une sélection d'œuvres d'artistes belges : Christian Dotremont, Félix Labisse, Joseph Lacasse, René Magritte, Henri Michaux, Geer Van Velde...

Et nos dernières acquisitions :

Alexander Calder, César, Sam Francis, Hans Hartung, André Marfaing, Antoine Schneck, Bernar Venet, Etienne Viard, Zao Wouki,...

À très vite !

Agnès et Odile

Galerie AB
Agnès Aittouares
14 rue de la Grange Batelière, 75009, Paris
+33(0)6 14 42 96 83 / +33(0)1 45 23 41 16
galerieab(at)gmail.com - https://www.galerieab.fr/

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Béatrice Casadesus Aurore, 2021, Acrylique sur toile / Acrylic on canvas Triptyque / Triptych 220 x 420 cm / 86.6 x 165.3 in. ©Agence Phar
Béatrice Casadesus Aurore, 2021, Acrylique sur toile / Acrylic on canvas Triptyque / Triptych
220 x 420 cm / 86.6 x 165.3 in. ©Agence Phar

Exposition du 12 février au 2 avril 2022

Dutko l'Ile Saint-Louis
4 rue de Bretonvilliers
Paris 4e

La galerie Dutko a le plaisir de présenter du 12 février au 2 avril 2022 une exposition personnelle de l’artiste française Béatrice Casadesus. Pour sa cinquième exposition dans la galerie,nous présenterons une vingtaine d’oeuvres récentes, réunies pour la première fois. Un texte d’Anne de Staël accompagnera le catalogue de cette exposition.

Dans un entretien récent pour les archives de l’école des Beaux Arts de Paris, Béatrice Casadesus revient sur son parcours dans cette institution où elle a été élève puis professeur. Admise au début des années 1960 au concours d’entrée en peinture, c’est en sculpture qu’elle poursuit ses études. Ce qui l’amènera à côtoyer des architectes et, par la suite, à réaliser de nombreuses commandes publiques dont ‘’Le grand livre des pas’’ qui se déploie sur les quatre niveaux de l’escalier principal de l ‘École de danse de l’Opéra construite par Christian de Portzamparc.

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'Keith Haring, Art in action Opera Gallery ParisKeith Haring, Art in action', an immersive solo exhibition at Opera Gallery Miami running until December 19. Undeniably one of the most influential artists of his time, the exhibition draws inspiration from the various iconic spaces Haring inhabited. Beyond just drawings, Keith Haring's art opened dialogue on love, sexuality, war, politics, AIDS and drug awareness. Conversations that continued throughout his prolific art career.

"Art is nothing if you don't reach every segment of the people"
Keith Haring

27 Nov. - 19 Dec. 2021

Opera Gallery is delighted to present ‘Keith Haring: Art in Action’, an immersive solo exhibition that celebrates Haring and his legacy, by remembering the spaces and places made special by Haring and his iconic drawings. Undeniably one of the most influential artists of his time, Haring shook up the art world one street drawing at a time and the buzz never really went away.

This is remembrance, an ode to an 80s New York full of possibilities, dreams and unstoppable creativity. Right in the center of this booming street culture was a group of artists who believed in art as a response to life itself, as a means of representing its grandness and intricacies in the frenetic rhythm of the time. Keith Haring was an integral part of this movement by occupying and engaging with underground scenes, creating art for causes that were close to humanity.

The streets and subway stations were Haring’s canvases, as he started devoting himself to lining the walls with his unmissable imageries and universal line-work, alive with playful kinetic energy. The idea was simple - to bring art closer to people, to create a pictorial vocabulary that can be comprehended by all, regardless of age, language and background. Beyond just drawings, Haring’s art symbolised his stance on post-modern currents of the time and opened dialogues on love, sexuality, war, politics, AIDS and drug-awareness - conversations that continued through his prolific art career. The result was like a light in darker times, inspiring a whole generation of people to believe in art, life, and how both intertwined.

Keith Haring, Art in action Opera Gallery Paris
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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

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Directeur de publication

 

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