Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan
HAUSER & Wirth
Vieux Chalet, Gstaad

3 February – 28 February 2020

Opening reception: Sunday 2 February 2020 2 – 5 pm
Opening hours: Wednesday and Thursday afternoon by appointment

https://www.hauserwirth.com/ 

Opening at Vieux Chalet in Gstaad on the 2 February 2020, ‘Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan’ gives a remarkable insight into the work and life of Picasso. Ceramics and paintings by the artist are presented in tandem with vintage photographs taken by the legendary photographer David Douglas Duncan during a period of unprecedented access to the artist’s studio. The works on view, created concurrently with the photographs, can be encountered as an ‘intervention’ throughout the domestic spaces of the chalet. The photographs, some of which have never been exhibited before, give an intimate portrait of the artist at work and at home. The project has been organised in close collaboration with the artist’s son, Claude Picasso, and James Koch, Partner at Hauser & Wirth.

David Douglas Duncan was a renowned war photographer, photojournalist, and a self-described nomad. He was among the most influential photographers of the last century, capturing World War II, the Vietnam War, and photo essays for Life magazine which enabled him to roam the world. The resulting images filled more than 25 books, including eight on Picasso. Duncan’s first encounter with Picasso happened in February 1956 when he infamously rang the doorbell of La Californie, Picasso’s home in Cannes. The artist’s wife, Jacqueline, led him upstairs and he met Picasso in his bathtub, who allowed Duncan to photograph him. From that starting point, the photographer developed a lasting friendship with Picasso over the course of 17 years during which time he captured an astounding visual archive of the artist’s life at La Californie.

David Douglas Duncan
Picasso et céramique (oiseau)
[Picasso and ceramic (bird)]
1957, Villa La Californie, Cannes
Vintage gelatin silver print
35.4 x 24.4 cm / 13 7/8 x 9 5/8 in
© David Douglas Duncan
© Succession Picasso/DACS, London 2019
Courtesy the estate David Douglas Duncan 

Exposition à la GALERIE ETIENNE DE CAUSANS 25 rue de Seine 75006 PARIS DU 24 février au 4 mars 2020

Vernissage le 27 février 2020 et remake samedi 29 février 2020

Exposition à la MAISON BLANCHE 10 Avenue Montaigne 75008 PARIS DU 17 mars au 27 avril 2020 Vernissage le jeudi 19 mars 2020

ANTOINE ROEGIERS
Le carnaval des géants
01 février – 07 mars 2020
Vernissage samedi 1er février 2020 de 18h à 21h
SUZANNE TARASIEVE PARIS
7, rue Pastourelle -75003 Paris
T : + 33 (0)1 42 71 76 54

www.suzanne-tarasieve.com  / info(at)suzanne-tarasieve.com

Suzanne Tarasieve est heureuse de présenter la première exposition personnelle d’Antoine Roegiers à la galerie, intitulée Le carnaval des géants.

Artiste Belge qui vit depuis l’âge de 3 ans en France, pluridisciplinaire, il sort diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2007 avec les félicitations du jury et récompensé du Prix Roger Bataille.
C’est justement à l’école des Beaux-Arts qu’Antoine Roegiers entame ce travail sur les maîtres flamands qui l’amèneront à puiser dans les grandes oeuvres de Brueghel, Bosch, Rubens, mais aussi les peintres et graveurs belges du XIXe siècle Ensor et Rops. Il se sert de différents supports et techniques, parmi lesquelles les dessins à la plume ou à l’acrylique, le travail d’animation vidéo et la peinture à l’huile sur bois et sur toile.
Il dialogue ainsi avec les grands maîtres à plusieurs siècles d’intervalles par le prisme d’un regard contemporain. Il livre une version personnelle et drôle de ces géants de l’art et emmène le visiteur dans ses propres rêveries à l’intérieur de ces riches mondes picturaux.

Zoé B – 柔伊·B

Painter Artist and Psychiatrist, the inner world is for Zoé B an inspiration and Art its expression. Painting was her first therapy, soon fueled by a growing interest for psychology and symbolism while opening herself to spirituality, including the study of biblical texts and meditation. Such an introspective period led her to start an analysis and train to later become a Psychiatrist “in free awaken dream”. In her everlasting quest of sense, Zoé B discovered the symbolism of the Hebrew Letters. After a few years of study and personal research on the topic, she approached the Art of calligraphy in 2005 with renowned calligrapher Frank LALOU. Such an almost daily practice deeply influenced her painting which grew in terms of expression and accuracy. Whether it comes to painting, calligraphy, psychiatry or spirituality, the corner stone of her artistic statement is the try to understand and apprehend humanity in all its complexity. Her Artworks, definitely modern, amaze, surprise, and even disturb sometimes but always invite the viewer to let go and to the introspection.

自從柔伊·B (Zoé B) 受到精神分析的培訓以來，內心世界就是他的一個靈感來源及表達的藝術⽅式。繪畫作為他的第一個藝術治療，很快地便開啟了他對心理學及符號學的濃厚興趣。同時，藉由聖經⽂本的研讀和冥想，打開了他對靈性的⽣活。在這段時期的內省他進行了分析，而後在“自由醒夢”之中訓練心理分析專家。ZoéB在對意義的永恆追求中，發現了希伯來字母的象徵意思。經過幾年的學習與個人研究，在2005 年向著名書法家弗蘭克·拉魯 Frank LALOU 接觸了書法藝術。這個幾乎每日的操練影響了他的作品，使他的表現力與精準度都得到了提升。無論是繪畫、書法、精神分析還是靈性，他論述的基石都是試圖明白和理解人性所有的復雜性。他的作品充滿堅定的現代性，令人著迷、驚奇，儘管時而令人不安，但卻又總是能讓人放下與內省。

Eva Marc'h expose Salon des ARTISTES INDEPENDANTS dans le cadre de ART CAPITAL au GRAND PALAIS 11 février au 16 février 2020 Vernissage le 11 février 2020

Exposition à la GALERIE ETIENNE DE CAUSANS 25 rue de Seine 75006 PARIS DU 24 février au 4 mars 2020 Vernissage le 27 février 2020 et remake samedi 29 février 2020

Exposition à la MAISON BLANCHE 10 Avenue Montaigne 75008 PARIS DU 17 mars au 27 avril 2020 Vernissage le jeudi 19 mars 2020

Espace A VENDRE présente la première exposition personnelle, dans ses murs,
d'un jeune artiste suivi depuis ses études à la Villa Arson de Nice en 2011.

Quentin Spohn Carambolage au marché d'Anvers
Samedi 25 janvier 2020 - samedi 28 mars 2020
Vernissage vendredi 24 janvier 2020 - à 18h en présence de l'artiste

Pour l'occasion il déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste du lieu : Le Château

Focus sur l'artiste fin mars à Drawing Now 2020 au Carreau du Temple, Paris

Pour la première exposition de l’année 2020, Espace A VENDRE présente un solo-show enthousiasmant de Quentin Spohn. Cet artiste, qui a fait de la pierre noire son meilleur allié, présentera une série de nouveaux dessins sur papier dans le showroom et déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste d' Espace A VENDRE : Le Château

Formé à la Villa Arson, dont il est diplômé depuis 2013, Quentin Spohn enchaine depuis expositions et prix, confortant une pratique singulière, virtuose, fascinante. Triplement récompensé lors du salon Jeune Création en 2017 (lauréat des prix Filaf, Art Collector et Jennifer Flay), il a participé à des expositions à Nice (Villa Cameline, Villa Arson, Galerie de la Marine, etc.), Paris (Espace Niemeyer, galerie Thaddeus Ropac, Bastille Design Center, etc.), Bordeaux ou Marseille. Il a également fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à Paris (Premier Regard), Pékin, ou Nice (Le Dojo).

Dans le cadre de la commémoration du centenaire des Studios La Victorine, au 109 par la ville de Nice au Pôle de Cultures de la ville, 89 route de Turin. Exposition “La vie est un film” par Ben Vautier, un défilé de mode “Fashion Week”. Exposition du 15 juin au 19 octobre 2019, du mardi au samedi de 13h à 19h.
Visite guidée tous les samedis à 15h, entrée libre. Parking gratuit sur place.
Tramway : Arrêt Vauban puis correspondance bus 6 arrêt Abattoirs ou 10min à pied Train : Gare de Riquier et gare de Pont Michel
Vélo Bleu : Station route de Turin et station boulevard Vérany.

Catalogue La vie est un film
Texte Hélène Guenin et Elodie Antoine
Photographie François Fernandez
200 pages, 28,5 x 24,5 cm
Editions: In Fine, 2019
35,00 Euros

Galerie Eva vautier
2 rue Vernier
06000 Nice
France

« La peinture, on n'en parle pas, on ne l'analyse pas, on la sent », Bernard Buffet

La galerie Dil installée au 86 rue du Faubourg Saint-Honoré, juste en face du palais de l'Elysée, au cœur du nouveau quartier parisien dédié à l'art, propose des peintures et des dessins d'artistes reconnus du XXe siècle tel que Chagall, Veira da Silva, Vasarely, Mathieu, Lorjou. Elle présente un hommage permanent à Bernard Buffet, l'un des plus célèbres peintres figuratifs français de la deuxième partie du XXe siècle, et à Fernand Léger, l'un des principaux inventeurs du modernisme. La galerie Dil a participé à différents salons comme la Biennale, Art Elysées et salon belge.

Marc Boumendil

Galerie Dil

86 rue du Faubourg Saint-Honoré

75008 Paris

Tél : + 33 (0)1 47 63 06 14

www.galeriedil.com

Bernard Buffet, « Nature morte à la chaise »
Huile sur isorel de 1984 Dim. 35 x 27 cm

Catherine Mathivat Présidente des Deux Magots a le plaisir de vous annoncer le vernissage de l’exposition de EVA MARC’H Artiste Peintre« Regards de femmes » Vernissage et cocktail le mardi 12 mars à partir de 19h00 uniquement sur invitation à demander à l'artiste en adressant un mail à l'artiste
qui vous adressera une invitation : email : contact(at)eva-march.com
L’exposition se poursuivra jusqu’au 22 mars dans ce magnifique lieu emblématique de l'histoire de l'art.

LES DEUX MAGOTS
Café Littéraire
6 place Saint-Germain-des-Prés
75006 PARIS
www.lesdeuxmagots.fr 

http://www.eva-march.com/ 

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Animée depuis sa plus tendre enfance par la création, EVA MARC'H, commence à peindre à l'âge de 19 ans sans aucune formation artistique.

Ses premières peintures ont révélé les qualités d'un don artistique évident, incluant la perspective, la profondeur, l'équilibre, et surtout, la couleur.

Peintre autodidacte pendant dix ans, elle s'adonne à son talent, guidée par l'expression de son inconscient pour ses nombreuses créations.

A partir de 2000 pendant 7 ans, elle poursuit assidument des études d'art dont notamment aux ateliers des Beaux-Arts de Paris, où elle apprend le dessin et expérimente les nombreuses techniques picturales pour améliorer ses œuvres.

Eva MARC'H engage dans la peinture une réelle énergie qui se manifeste dans son travail avec une vitalité singulière. Son « don de la couleur » lui permet de transcrire ses émotions sur la toile, de manière spontanée et immédiate, sans retenue ni calcul révélant ainsi une capacité de création sans limite.

Ses débuts sont marqués par un style figuratif, toujours centré sur la couleur, en correspondance avec la réalité observée, revisitée par la vision du monde intérieur de l'artiste.

Il est particulièrement difficile de définir avec précision ce qu’est la peinture contemporaine. Ce que l'on peut en tout cas dire, c'est que l'art contemporain englobe de manière générale la totalité des œuvres qui ont été produites entre 1945 et nos jours. Cela prend donc en compte tous les styles et toutes les pratiques esthétiques possibles. À ce titre, Denis Laguet est incontestablement un peintre contemporain. À Rennes, une exposition lui est dédiée au Musée des Beaux-Arts. Qui est Denis Laget et que peut-on découvrir de son œuvre à Rennes ? C’est ce que vous allez apprendre de manière plus détaillée dans cet article.

Qui est Denis Laget ?

Jusqu'au 9 février 2020, le musée des Beaux-Arts de Rennes accueille une exposition entièrement dédiée au peintre contemporain Denis Laget. Né en 1958 à Valence, Denis Laget vit et travaille entre Paris et Tressan. Il a également été lauréat de la Villa Médicis à Rome (1989-1990). L'exposition met en lumière cet artiste qui est un grand nom de l'histoire récente de la peinture. Il est question de redécouvrir son œuvre dans son ensemble, mais aussi d'apprécier sa dimension historique ainsi que son évolution. Qui sait, cela vous donnera peut-être envie de faire l’achat d’une peinture contemporaine.

Les sujets chers à Denis Laget sont les sujets classiques que l'on retrouve régulièrement dans l'histoire de la peinture. Des portraits, des natures mortes, des paysages, des fleurs, ou encore des vanités sont ainsi déclinés par séries, le tout dans une atmosphère bien particulière. La peinture contemporaine de Denis Laget permet de transformer un simple bouquet de fleurs en image quelque peu funeste.

Mais la peinture contemporaine de Denis Laget a également quelque chose de très banal, notamment dans le choix des formats, qui sont modestes. Ce qui ressort indéniablement de la peinture contemporaine de l’artiste, c’est la fonction même de la toile, qui est palette avant de devenir tableau. La peinture en elle-même, sa matérialité et l’influence du jeu de lumière sont des éléments chers au cœur de Denis Laget.

«Prisonnier»
17 octobre au 30 novembre 2019
Vanities Gallery Paris space https://www.vanitiesgallery.com/
Zhao Yinou, femme artiste vivant à Beijing, présente le résultat d’une réflexion durant 7 ans dans un hôpital psychiatrique à Beijing. L'artiste tente d'entrer dans un monde où l’humain est marginalisé. Dans ce contexte, telle une vision circulaire, ils sont pris au piège de la folie et d’une peine psychologique sans fin, ils ne peuvent ni trouver de sortie pour se libérer, ni changer de chemin, ni se protéger, alors comment définissons-nous le "normal" et “ l’anormal". Existe-t-il un droit de définir "normal" et “l’anormal"? Si les dessins à l'hôpital sont le produit d’un sentiment intuitif, alors la création est le passage de l'artiste dans ces mondes "normaux" et "anormaux". Le monde est rempli d'une atmosphère anxieuse, car chacun est désireux de se libérer de ses propres entraves.

Sortez! disait Nietzsche, dans cette inquiétude existentielle que l’artiste exprime, nous y verrons souvent la collision, la souffrance dans de telles oeuvres! Mais n’est-ce pas le reflet de notre propre enfermement?
Les oeuvres de cette exposition sont principalement composées de matériaux composites à base de bois.
Les artistes aiment créer un moyen de créer des sculptures sur bois invisibles et obstructives. Par leur solidité et leur application, les oeuvres ont davantage d'impact visuel.

YOYO MAEGHT PRÉSENTE
AKI KURODA EN SON ATELIER
VENDREDI 22, SAMEDI 23 ET DIMANCHE 24 NOVEMBRE 2019 DE 11H À 19H

Pour découvrir les cheminements de la création d'Aki Kuroda,la genèse de son travail, ses influences culturelles entre Japon et France, ses préoccupations artistiques et ses projets.

Une chance unique de pénétrer dans son atelier parisien où seront présentées ses peintures les plus récentes ainsi qu'une sélection d'œuvres sur papier et estampes.
Uniquement sur réservation, en précisant la date choisie, auprès de :
info.akikuroda(at)gmail.com

Adresse de l'atelier communiquée par retour mail après inscription.

Haïti -Cuba Outsiders

15 Novembre - 21 Décembre 2019
Chaque Guyodo, Bofil, Crispin, Montebravo, Torres, Sanchez, Peterson, Charles, Romain, Getho, Levy, Lesly

Vernissage le 15 Novembre à partir de 18h

Chaque artiste cubain, à sa manière, nous entraîne dans son quotidien tout en suggérant avec pertinence ses fantasmes dans les scènes les plus familières. Figurative par nature, cette peinture a traversé les siècles, sans jamais se soucier des règles du classicisme ni se départir de cette façon simple et poétique de porter témoignage de son vécu.

Les couleurs utilisées, toujours franches, éclatantes et gaies reflètent parfaitement la luminosité de la Caraïbe et se dressent comme un paravent, occultant les tragédies qui ont profondément marqué les populations antillaises.

Galerie Polysemie
12 rue de la Cathédrale, 13002 Marseille
Mardi au samedi : 10h-12h30 / 14h-18h30
Tél : 04 91 19 80 52
www.polysemie.com
contact(at)polysemie.com

Pablo Atchugarrry, Georg Baselitz, Lita Cabellut, Alexander Calder, Marc Chagall, Niki de Saint Phalle, Andy Denzler, Jean Dubuffet, Sam Francis, Simon Hantaï, Keith Haring, Hans Hartung, Fernand Léger, Georges Mathieu, A.R. Penck, Pablo Picasso, Marc Sijan, Pierre Soulages, Frank Stella, Manolo Valdés, Tom Wesselmann.

PRACTICAL INFORMATION :

Grand Palais - Avenue Winston Churchill - 75008 Paris
Booth B18

13-17 September 2019
From 11 am to 10 pm (6 pm on September 17)

https://www.operagallery.com

OPERA GALLERY
62 rue du faubourg Saint-Honoré space.png
75008 Paris
France
33 (0)1 42 96 39 00

Arnulf Rainer
Recouvrements
10 octobre – 16 novembre 2019
Au Salon
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h

Dès les années cinquante, Arnulf Rainer s’est manifesté par des gestes radicaux, délibérément anti-académiques, dans un milieu artistique autrichien alors très conservateur. L’un de ces gestes est l’Übermalung, c’est-à-dire le recouvrement énergique, partiel ou total d’une image préexistante.

From the 1950s, Arnulf Rainer was known for his radical, deliberately anti-academic approaches in an Austrian art world that was still very conservative. One of these is Übermalung, or the energetic and partial or total covering of a pre-existing image.

La suite d’oeuvres du milieu des années 70 présentée au Salon de la galerie appartient à cette famille des Übermalungen. Ce sont des photographies, montées sur bois ou sur aluminium, qui ont été recouvertes par l’artiste de peinture noire ; on ne distingue pratiquement plus rien de l’image sous-jacente. La nouvelle forme suscite alors parfois un titre : Crâne, Fruit, Tas, Panneau, Tablier… ou bien Rainer laisse le regardeur en inventer un. Ces petites peintures noires sont chargées d’une puissance émotionnelle et dramatique intense qui évoque une sorte de minimalisme expressionniste dont la devise pourrait être « less is more ».

The set of works from the mid-70s presented in the Salon belong to this family of Übermalungen. They are photographs, mounted on wood or aluminium, which have been covered in black paint by the artist: it is almost impossible to see anything of the underlying image. The new form sometimes inspires a title: Skull, Fruit, Heap, Panel, Apron…or Rainer lets the viewer come up with their own. These small black paintings are charged with an intense dramatic and emotional potential which evokes a sort of expressionist minimalism, the slogan of which could be “less is more”.

BENJAMIN SEBBAN GALLERY
à le plaisir de vous inviter à sa nouvelle exposition

Autour d'un Déjeuner...
Hommage à l'Art moderne
Chagall, De Chirico, Derain, Lam, Léger, Moore, Moreau, Picabia, Picasso

Vernissage le 05 Septembre à partir de 17h00.
2 rue saint Georges 1050 Bruxelles

Pour son exposition de rentrée, la galerie Benjamin Sebban présentera des chefs-d’œuvre marqués par l’empreinte indélébile de l’Art moderne. Du symbolisme à la seconde école de Paris en passant par Picasso. D’un nu intimiste, empreint de poésie, signé Edgar Degas aux touches délicates de Gustave Moreau, une place importante sera attribuée aux grands représentants de l’Art moderne, Marc Chagall, Fernand Léger, Wifredo Lam ou encore Henry Moore… Une  huile de Pablo Picasso, Le Déjeuner sur l’Herbe, viendra quant à elle, résumer l’audace, la créativité et la virtuosité d’un des artistes les plus célébrés du XXème siècle. Réalisé en 1961, ce Déjeuner sur l’herbe fait partie d’un corpus de 27 toiles, variations autour de l’oeuvre majeure de Manet. D’une grande sensualité, cette toile est un intime témoignage des préoccupations de son auteur durant une période clé de sa carrière de peintre ainsi que dans sa vie d’homme.

ACTUALITES EVA MARC’H

Après avoir exposé aux DEUX MAGOTS, l’artiste peintre EVA MARC’H, a été sélectionnée pour exposer au prestigieux SALON D’AUTOMNE du 10 octobre au 13 octobre 2019.
Vernissage le mercredi 9 octobre à 18 h.

Rappel historique du SALON D’AUTOMNE :

Salon d’art historique, doté d’une renommée internationale, il s’impose comme le rendez-vous incontournable des artistes d’aujourd’hui, issus des cinq continents.
Créé en 1903, au Petit Palais à Paris, par quelques amis en réaction à l’académisme régnant, le Salon d’Automne s’est imposé comme acteur et témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : Fauvisme, Surréalisme, Cubisme, Art abstrait, Nouvelle Figuration... C’est dans les sous-sols du Petit Palais, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps.

Contact : contact(at)eva-march.com / 06 11 61 24 38
www.eva-march.com

PAINTING BELGIUM
Abstraction in Peace Time (1945-1975)

44 Belgian painters of the Abstraction, from Alechinsky to Wyckaert
-
Opening on Thursday 05 September, 5 to 9pm
during the Brussels Gallery Weekend
(September 05 - 08, 2019 / extended opening hours 11am to 7pm)

Exhibition from 06 September to 07 December 2019

The upcoming exhibition presented at La Patinoire Royale | Galerie Valérie Bach in Brussels, and curated by Serge Goyens de Heusch, show an exceptional overview of the Belgian Abstraction between 1945 and 1975.

The last large-scale exhibition devoted to this Abstraction in the Belgian painting was carried out in 1985 at the Centre Culturel du Botanique in Brussels, it was important to improve knowledge regarding the Belgian Abstraction.

For the very first time in nearly forty years, rich and qualitative collection of this period and this expression has been gathered, showing 44 artists and more than 250 paintings.

La Patinoire Royale - Galerie Valérie Bach · 15 RUE VEYDT · Brussels 1060 · Belgium
32 2 533 03 90
www.prvbgallery.com 
contact(at)prvbgallery.com
La Patinoire Royale / Galerie Valérie Bach <info(at)galerievaleriebach.com>;

Jean Tinguely

BRICOLAGES & DÉBRI(S)COLLAGES
Exposition du 13 septembre au 20 octobre 2019
Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois
33-36, rue de Seine
75006 Paris
T.+33(0)1 46 34 61 07
www.galerie-vallois.com 
info(at)galerie-vallois.com

Du 13 septembre au 20 octobre 2019, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois rend hommage au génie créateur de Jean Tinguely, artiste majeur du 20e siècle, en présentant un ensemble exceptionnel de sculptures animées ou lumineuses, réalisées dans les années 70.
Après avoir dévoilé les Méta Reliefs et Méta Matics des années 50 en 2012, puis une sélection rare des sculptures dite de « la période des fous » des années 60 en 2016, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’intéresse aux travaux des années 70, décennie qui a vu exploser la couleur, la fantaisie, les projets fous comme le Cyclop de Milly-la-forêt, les processions de carnaval et tant encore.

Jean Tinguely Hommage a Dada – Max
1974 Éléments en métal, taille-haies électrique, plumes
105 x 44 x 31 cm
Pièce unique © André Morin
Courtesy NCAF et Galerie GP & N Vallois, Paris

La galerie Bessières présente

À l'occasion du Solo Show de Stephen Ormandy, une performance sera réalisée le dimanche 23 Juin à 17h,

par Valérie Petit Jeuffroy, danseuse contemporaine et pédagogue, formée à la musique classique et aux arts plastiques.

“Stephen Ormandy  - Les formes sont des couleurs”

Du 16 mai 2019 au 30 juin 2019

Chuang Che (1934 Pékin)
Suspendre l’Éphémère

Vernissage Jeudi 16 mai à partir de 17h
16 mai - 26 juin, 2019
Galerie Sabine Vazieux
5 bis rue du Louvre,
75001 Paris
mardi-samedi 12 - 19h

Chuang Che grandit au sein d’une famille de lettrés. Son père, calligraphe de renom, est aussi vice-directeur du musée de la cité interdite. En 1948, il participe activement au convoyage des oeuvres du musée vers Taipei. Chuang Che a 13 ans quand il assiste à cette formidable épopée. Tout au long de son oeuvre, la peinture traditionnelle chinoise restera une source d’inspiration inépuisable. Dès 1954,
Chuang Che intègre le département des Beaux-Arts de l’université normale provinciale de Taïwan, où il rencontre Chu Teh-Chun, qui y enseigne.

Chuang Che comes from a family of scholars. His father was a well-known calligrapher and curator of the Palace Museum in Beijing. In 1948, he played an active role in the transfer of the Palace Museum’s works to Taipei. Chuang Che was fourteen when this important event took place.
Throughout his career, traditional Chinese painting has remained an inexhaustible source of inspiration. In 1954, Chuang Che entered the
department of Fine Arts at the Taiwan Provincial Normal University, where he met Chu Teh-Chun, who was a teacher there.

La galerie les Yeux Fertiles a le plaisir de vous inviter à découvrir
Jean-Pierre Vielfaure 1930 – 2015
EXPOSITION 19 AVRIL - 18 MAI

GALERIE  LES  YEUX  FERTILES
27 rue de Seine 75006 Paris  -  
+ 33(0)1 43 26 27 91 
http://www.galerie-lesyeuxfertiles.com/

contact(at)galerie-lesyeuxfertiles.com
du mardi au vendredi de  14h à 19h  
le samedi de 11h à 13h et de 14h à 19h

Jean-Pierre Vielfaure     
(1930 Alger - 2015 Ivry)
Son père libraire, papetier et imprimeur, et sa mère musicienne lui transmettront le gout pour l'impression, le livre, la lecture, l'écriture et le dessin.
La famille quitte l'Algérie en 1938 pour Rodez où Jean-Pierre commence à dessiner en autodidacte.

Première exposition, des dessins sur le thème des Paysages du Rouergue, en 1950 à Rodez. De ces années aveyronnaises, notre artiste se souvient de ses admirations pour Max Ernst, Robert Motherwell et Gustav Klimt, de ses rencontres avec Pierre Soulages.
En 1952, il s'installe à Paris entre Éméville (Oise) et Montparnasse.

CALIFORNIA DREAM
JEFF DIVINE & FRANCOIS FONTAINE photographies
Two Visions in Surf Photography
May 9th - June 8th
July 1st - July 31st

A.Galerie
4 rue Léonce Reynaud  
75116 Paris
+33 6 20 85 85 85  www.a-galerie.fr   - @AGalerieParis

Biographie California Dream : Jeff Divine - François Fontaine

JEFF DIVINE
Jeff Divine est né en 1950 à San Diego et a grandi à La Jolla en Californie. Passionné de surf, il commence à prendre ses premières photos de surfers dans les années 60. En 1971 « Surfer Magazine» l’engage et l’envoie dans le monde entier couvrir les meilleurs spots de surf. Il restera photographe 35 ans pour « Surfer Magazine » et le « Surfer’s Journal ». Jeff Divine possède aujourd’hui l’une des plus grandes collections de photographies de surf de 1970 à 2009.

American Modernism 1915 - 1985
May 1 - June 28, 2019

GRAHAM SHAY 1857, INC.
34 East 67th Street, Fl. 3
New York, NY 10065  
212.535.5767
www.grahamshay.com

“American Modernism, 1915 - 1985,” framing numerous pivotal moments in American art, when tastes shifted from representational art to gestural then geometric abstraction and beyond. The exhibition features selections that are as diverse as America itself.

Covering the greater part of the twentieth century, the exhibit highlights examples from some of the century’s most respected artists. Broadly speaking, the works in this exhibition can be divided into two groups: representational and abstract. Works that disparate in style, however, can offer surprising similarities. A traditional scene of a house on a hillside by Bertram Hartman is dramatically different than Sewell Sillman’s pared-down minimalist canvas, whose title, The Palace (Version 2), merely suggests an edifice. Similarly, Benedict Tatti’s roughly hewn marble Head of 1960 is far more literal than Kimber Smith’s abstract painting Face with Pink Background of 1980, which requires a leap of imagination to discern facial features. And while Walt Kuhn’s Young Woman with Crown and Cornucopia of 1937 seems to have nothing in common with an untitled abstract painting from 1956 by Theodore Stamos, both works share a concern with color, form, and a figure/ground relationship.

The selected works include paintings, watercolors, and drawings, and, as the Gallery is known for specializing in sculpture, we are presenting examples
in a variety of styles and materials, including cast bronze, carved stone and fabricated objects.

Vernissage de l'exposition "BRUTS et RAFFINES" le jeudi 16 mai 2019

Dans le cadre de sa promotion de l'art Outsider aux côtés de l'abstraction, son orientation "historique", la galerie vous propose de réserver la date du jeudi 16 mai pour le vernissage de l'exposition "Bruts et raffinés".

Cette manifestation sera l'occasion de découvrir, aux côtés d' artistes outsider qui sont déjà des "classiques", tels Jacqueline B., Augustin Lesage, Philippe Dereux, ou Yolande Fièvre, des artistes plus confidentiels ou plus récents, d'André Robillard à Antonio Saint-Silvestre, en passant par François Jauvion ou Gaël Dufrêne.

Dubuffet a affirmé que les artistes "outsider" (même si le nom n'existait pas à son époque, évidemment), en échappant à la "culture" des mouvements établis, étaient les dépositaires de la véritable innovation qui est l'essence du travail artistique. Nous vous invitons à juger par vous-même !

Galerie Hervé Courtaigne 53 rue de Seine 75 006 Paris, contact(at)hervecourtaigne.com / www.hervecourtaigne.com   / 01 56 24 23 00

OSE

OXYDE
Exposition personnelle
Du samedi 11 Mai au samedi 8 Juin 2019
Vernissage le vendredi 10 Mai à partir de 18h30 et en présence de l'artiste

Galerie Nicolas-Xavier
2 bis, rue Glaize - Place des Musées
34000, Montpellier

http://www.galerienicolasxavier.com/

En ce début d'été, la Galerie Nicolas-Xavier vous invite à partager l'univers très singulier de l'artiste Ose à l'occasion de sa première exposition personnelle en ces lieux. Découvrez le pochoir, une technique urbaine développée par cet artiste avec une précision et une délicatesse exceptionnelle. Immiscez-vous dans les paysages oniriques et nostalgiques, croisez le regard authentique de personnes immortalisées dans le métal oxydé.

Galerie de la Béraudière is pleased to invite you to
ANN RAY
GRAVITAS
LEE ALEXANDER MCQUEEN BY ANN RAY
EXHIBITION
APRIL 25 - JULY 12, 2019
-
EXCEPTIONALLY OPEN ON SATURDAY APRIL 27 & SUNDAY APRIL 28
FROM 11 AM TO 6 PM

GALERIE DE LA BÉRAUDIÈRE
6 rue Jacques Jordaens – Jakob Jordaensstraat 6, B-1000 Brussels.
Monday - Friday: 10 AM - 6 PM

Tel: +32 2 646 92 15
galerie(at)delaberaudiere.com
www.delaberaudiere.com 

Philip Martin Gallery presents a solo exhibition of new paintings by Holly Coulis.

There will be a reception for the artist Saturday, May 4 from 6-8pm.
May 4 - July 6, 2019

www.philipmartingallery.com

Holly Coulis’s paintings operate as stages where still life scenes unfold. A table, or tables, create an initial structure where simplified, geometric forms are arranged and interact. There is a sense of order in these scenes as though the fruits and dishes had been laid out by some external force. Through layers of paint, linear elements are created, giving the illusion of colorful stripes or energy fields around individual objects. These works feel familiar, but upend our sense of figure/ground, horizon-line, perspective, and scale. In these newest paintings, the still life begins to verge into abstraction.

Coulis works from a visual vocabulary built up over years of practice, and the sense of discovery and newness in her works occurs as she continues to explore her own paintings and their possibilities: “I rarely look at a scene. It’s more about shapes of things I know. Things like oranges, lemons, cherries: they’re all very easy shapes.” Standing in front of her works, we are immediately involved in a scene of pleasure and abundance, surprise and stimulation - a stimulation that is physical, intellectual and aesthetic.

Exposition du 5 avril 2019 au 11 mai 2019
Vernissage le 4 avril 2019 à partir de 18h
Galerie Laurent Strouk, 2 avenue Matignon 75008 Paris
Tel. : 01 40 46 89 06 email : galerie(at)laurentstrouk.com
http://www.laurentstrouk.com/ 

Ici, en 2019, dans la Galerie Laurent Strouk, Antonio Seguí propose des surfaces rondes et carrées, des tableaux colorés, vifs, allègres et des teintes intenses surprennantes.
Toutes les oeuvres carrées sont peintes en une technique mixte sur toile. Les autres oeuvres sont rondes ; les tondos sont peints à l’acrylique sur bois découpé.
En 2019, les surfaces rondes et carrées de Seguí se retrouvent. Les cercles mettent en évidence le Soleil et la Lune. Les mystiques représentent souvent Dieu comme un cercle dont le centre se trouve partout, la circonférence nulle part et qui fait preuve d’une perfection inaccessible à l’humain. Le cercle ne connaît ni début ni fin, ni direction, ni orientation.
Le contraire symbolique du cercle serait le carré qui représente le monde terrestre, humain et matériel. Le carré permet aux humains de s’orienter dans l’espace. Le carré établit un système de coordonnées ; il impose une structure au chaos...
En 2017 et 2018, Antonio Seguí travaille sur une étrange garde-robe circulaire. Une armoire dans laquelle on aurait rangé des robes, des vestes et des pantalons masculins, des sous-vêtements de femmes et d’hommes, des chapeaux.

" Le temps de s'en apercevoir ", le titre du livre de Emmanuel de Waresquiel, prix littéraire 2019 du café Les Deux Magots, pourrait bien être la devise du café le plus emblématique de Paris. S'apercevoir de quoi ? Que la littérature et Les Deux Magots ont une histoire non pas parallèle, mais une histoire commune, liée l'une à l'autre, voire imbriquée l'une dans l'autre, le célèbre café s'identifiant comme le lieu de l'avant-garde des mouvements intellectuels .

Premiers clients que la littérature a retenus, Verlaine et Rimbaud s'y croisent, échangent regards et mots et s'y attablent .
 Les surréalistes emmenés par André Breton, y établissent leur quartier dans les années 20 ; refusant le conformisme du Prix Goncourt, ils décident, en 1933, de créer un nouveau prix littéraire « Le prix des Deux Magots » qu'ils décernent à un jeune inconnu, Raymond Queneau pour son livre " Le chiendent ".
 Intellectuels et artistes, révoltés, révolutionnaires ou anticonformistes les rejoignent pour témoigner de leur refus de l'académisme; Les Deux Magots peut s'enorgueillir d'accueillir à la fois Picasso et Fernand Léger, Prévert, Gide et Aragon, mais aussi l'auteur américain le plus amoureux de Paris et ses cafés, Hemingway qui immortalise cette atmosphère si particulière du Quartier latin dans " Paris est une fête ".
 Après guerre, c'est la grande époque du couple Sartre-Beauvoir dont les débats avec leurs amis existentialistes enflamment les nuits de Saint-Germain des Prés .

 Prémonitoire, Baudelaire écrivait : " La vie parisienne est féconde en sujets poétiques et merveilleux. Le merveilleux nous enveloppe et nous abreuve comme l'atmosphère ; mais nous ne le voyons pas." Ainsi, Les Deux Magots est devenu LE café des intellectuels et de ceux, et ils sont nombreux, qui souhaitent les voir, les écouter et leur parler.
" Le temps de s'en apercevoir ", un mythe est né.

Francoise Forgerit

LA RECHERCHE DU RAYON VERT SOLO SHOW D'ALLAN VILLAVICENCIO
Commissariat : Anaïs Lepage

Vernissage jeudi 04 avril 18h00 - 21h00 en présence de l'artiste
Opening on Thursday April 4th, 6 - 9 pm the artist will be there

Exposition présentée du 05 avril au 25 mai 2019
From April 5th to May 25th 2019
MAËLLE GALERIE
1 - 3 rue Ramponeau 75020 Paris
Métro Belleville - sortie Boulevard de Belleville
http://www.maellegalerie.com/ 
contact(at)maellegalerie.com
+ 33 (0) 6 14 80 42 00
LA MAËLLE GALERIE EST MEMBRE DU GRAND BELLEVILLE
LA MAËLLE GALERIE EST MEMBRE DU COMITÉ PROFESSIONNEL DES GALERIES D'ART

JULIA JAECKIN
EXPOSITION DU 4 AVRIL AU 11 MAI 2019
VERNISSAGE LE JEUDI 4 AVRIL 2019 DE 18H A 21H
M O R O C C O

« Ce que j’aime dans la photographie, c’est pouvoir capter l’espace d’un court instant un regard, une émotion. La femme est ma muse que ça soit dans le domaine du portrait ou de la mode. M’étant toujours inspirée du travail de mon père arrivant à capturer le sourire dans les yeux de ses modèles, je m’efforce à réussir cette quête du bonheur, la mettant en honneur dans l’image. J’aime travailler à l’argentique, apportant un grain et un contraste spécial à mes photos.
Je compte réaliser plus tard une série de nus artistiques, peints de paillettes apportant une ambiance cosmique en accord avec des jeux de lumières claires obscurs afin d’apprivoiser la beauté du corps féminin, sans tomber dans la vulgarité. Cette série sera poétique et entremêlera sensualité et odes à la femme, inspirée du travail de mes parents. Je sais aujourd’hui dans quel esprit et forme de photographie je veux m’engager, une base classique dont le cadrage et la lumière sont mes critères de création que je vais développer et personnaliser. »
Julia Jaeckin

LE JEUDI 21 MARS 2019
SIMON LHOPITEAU serait très heureux de vous recevoir pour le
VERNISSAGE de son "EXPOSITION DE PRINTEMPS"  
de 17h à 22h (cocktail à 19h)

Edgard PILLET (1912-1996)
Peintures et Creusets 1950-1960

EXPOSITION du 22 mars au 27 avril 2019
du mardi au samedi, de 14h30 à 19h.

SIMON LHOPITEAU
Docteur en Histoire de l'Art.
Expert affilié CNE (Compagnie Nationale des Experts)

GALERIE ORSAY PARIS
Peintures, Sculptures, Dessins, Gravures XIXe XXe
58, rue de L'UNIVERSITE.
75007 Paris - France.

Tél :    00 33 (0)1 42 84 23 86
Port :  00 33 (0)6 18 03 74 92
Mail :  simon.lhopiteau(at)galerieorsayparis.fr
Site  :  www.galerieorsayparis.fr

Galerie Orsay Paris
58, rue de l'Université
Paris 75007
France

MAO LIZI « BEYOND COLOR »
EXPOSITION DU 21 MARS AU 25 MAI 2019
Galerie A&R Fleury
36 avenue Matignon
75008 Paris
www.arfleury.com 
 
Du 21 mars au 25 mai 2019, la Galerie A&R Fleury présente « Beyond color », une exposition monographique consacrée à l’un des membres fondateurs du Groupe des Étoiles, le peintre chinois Mao Lizi. Dans son nouvel espace avenue Matignon inauguré en octobre dernier, la Galerie A&R Fleury rassemble une trentaine d’œuvres inédites en France de cet artiste d’avant-garde. L’occasion pour le public de s’immerger dans l’œuvre sensible et onirique du peintre chinois dont le travail n’a pas été exposé en France depuis 1990. 

Abandonnant l’hyperréalisme de ses débuts, l’œuvre récente de Mao Lizi s’apprécie dans son rapport physique à la matière. La toile impose son rythme entre la nudité de la trame, laissée apparente, et les coups de brosses rapides et puissants. Le geste rythmé et décidé de l’artiste comme l’huile explosée sur la toile, conduisent alors à une évocation sensible d’une nature originelle. « Avant de laisser tomber les gouttes de peinture sur la toile, je pense soigneusement à la structure de l’œuvre. Dans une certaine mesure, pourtant, le résultat final m’échappe. Il subsiste de nombreuses incertitudes qui sont autant de nouvelles possibilités et de chemins à explorer », commente Mao Lizi.

La galerie Arnoux fête ses 33 ans avec une exposition originale
d'oeuvres inédites, jamais exposées à la galerie,d'artistes importants appartenant
aux avant-gardes abstraites de l'Ecole de Paris

« Œuvres inédites »
Vernissages Jeudi 14 mars de 17 à 19 h 30
Samedi 16 mars de 15 à 19 h 30
Jusqu’au 23 avril

Galerie Arnoux
Abstraits des années 50
Artistes contemporains
27 rue Guénégaud - 75006 Paris
+33 (0)1 46 33 04 66
mardi - samedi 11-13h / 14-19h
parking rue Mazarine (50 m)
https://www.galeriearnoux.fr/ 
?Liens utiles :
- Art Saint-Germain-des-Prés
www.artsaintgermaindespres.com 

- Comité Professionnel des Galeries d’Art
www.comitedesgaleriesdart.com 

Hanns Schimansky
L’Espace de la ligne
16 février - 4 mai 2019
Jeanne Bucher Jaeger | Paris, Marais
5 rue de Saintonge 75003 Paris
Tel : +33 1 42 72 60 42
www.jeannebucherjaeger.com 

Vernissage le samedi 16 février, 15h-19h

Les partitions mélodiques et rythmiques des dessins de Hanns Schimansky ne sont pas des abstractions, ni la manifestation « captée » par l’oeil des
existences qui nous entourent, mais des expressions sismiques de l’être.
Un « Dasein » respirant, fragile, tremblant et éternel devenu libre en échappant aux lois parle à travers la main de Schimansky, comme le jazz sous sa forme extrême, l’improvisation, comme une musique composée dans l’instant.
Eugen Blume
Quel est le Sens ? Extrait du texte écrit pour l’exposition HANNS SCHIMANSKY,
mikrokanonisches Orchester, Leonhardi-Museum Dresde, 2014

Hanns Schimansky Sans titre, 2018
Encre et gouache sur papier plié 40,5 x 48 cm
Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris

Jean-Baptiste Huynh
WOMAN Portrait de la beauté
18 février – 11 mai 2019
18 February – 11 May 2017
Ouverture lundi 18 février de 14h à 18h
The gallery will be opened Monday 18 February from 2 – 6pm
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com   
+ 33 1 45 63 13 19  
www.galerie-lelong.com

WOMAN, projet artistique de Jean-Baptiste Huynh mené de 2018 à 2020, met en lumière la beauté du visage de la femme. Le portrait est au cœur de l'œuvre de Jean-Baptiste Huynh depuis 25 ans. WOMAN s'inscrit dans la continuité de l'étude qu'il a réalisée sur le visage à travers les âges et les grands ensembles culturels, de 1996 à aujourd'hui (Chine, Corée du Sud, Ethiopie, Inde, Iran, Japon, Kazakhstan, Mali, Ouzbékistan, Pérou, Vietnam...).
 
Du 18 février au 11 mai 2019, la Galerie Lelong & Co. invite Jean-Baptiste Huynh à présenter WOMAN - Portait de la beauté, une série de photographies pour la plupart inédites dans son espace avenue Matignon. « Etant artiste visuel, photographe, c'est naturellement par le regard, par l'interprétation du réel grâce à la lumière que j'explore la question de la beauté. Elle nourrit mon travail depuis ses fondements il y a trente ans et est aujourd'hui le sujet même de l'étude photographique que je mène sur la beauté du visage de la femme dans son universalité, son authenticité et son intemporalité à travers le monde. Comment sublimer ce qui est beau ? Comment sublimer ce qui ne l'est pas ? Pourquoi ? Et la beauté, la laideur, existent elles en soi ? Parallèlement, je réalise une série d'interviews auprès de personnalités d'horizons variés - actrice, neuroscientifique, poète, musicien, grand couturier, architecte, galeriste, grand collectionneur, modèle - auxquelles je demande : Qu'est-ce que la beauté ? – Qu'est ce que la beauté représentée par l'artiste ? » Jean-Baptiste Huynh.

Exposition Jean DEWASNE du 11/01 au 02/03/2019
Galerie ANTOINE LAURENTIN
23 quai Voltaire - 75007 Paris
Tel : +33 (0)1 42 97 43 42 / e-mail : contact(at)galerie-laurentin.com
site web : www.galerie-laurentin.com

RYTHME & COULEUR

Remerciements
Je tiens à remercier tout particulièrement, Monsieur Gérard Galby, ainsi que : Madame Celia de Boisanger, Monsieur Bruno Graziani, Monsieur et Madame Alain Jouquey, Mademoiselle Carole Joyau, Madame Philippe Maréchaux, Madame Elisabeth Maréchaux-Laurentin.
Je tiens également à remercier mes restaurateurs, encadreurs pour leur efficacité.
Je souhaite enfin remercier Madame Caroline Jouquey-Graziani pour la conception et la mise en page du catalogue.
Antoine Laurentin

Introduction
Jean Dewasne choisit l’abstraction comme langage.
Il est le premier lauréat du Prix Kandinsky avec Jean Deyrolle en 1946, année de la création du salon des Réalités Nouvelles, vitrine de l’art concret et de l’abstraction géométrique dont il revendique l’héritage à la suite de Herbin qui le fait entrer au comité. Lors de ces années pionnières, il participe aux expositions de groupe autour des tendances de l’art abstrait à la galerie Denise René, dont il devient un des artistes « phares ». Au début des années cinquante il contribue à l’essor de l’abstraction en Scandinavie et en Belgique et bénéficie d’une forte audience au Danemark en analysant les problèmes de l’art abstrait dont il affirme sans ambiguïté qu’il s’agit d’« une éthique, un mode de vie qui s’adapte ». En 1949 avec son «Traité de la peinture plane» (publié en 1972) il pose les assises de l’art d’avant-garde dont son Atelier d’art abstrait fondé en 1950 avec Edgard Pillet, lieu d’enseignement et de réflexion sur l’art abstrait ne désemplit pas et devient le laboratoire qui suscite de vives réactions notamment le pamphlet de Charles Estienne « L’art abstrait est-il un académisme ? » auquel Léon Degand répond par un autre texte «L’épouvantail de l’académisme abstrait». Le décor est planté.

Huxley-Parlour Gallery
3-5 Swallow Street, London, W1B 4DE / gallery(at)huxleyparlour.com

This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia
in the work of Miles Aldridge and Todd Hido

15 November - 15 December 2018

A new exhibition, This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia in the Work of Miles Aldridge and Todd Hido will present twenty large-scale colour works, demonstrating how these two contemporary artists investigate the concept of suburbia.

Though works by Aldridge and Hido are visually dissimilar, both artists are recognisable for their distinctive cinematic colour palettes, lighting and compositions, and the suggestion of narrative possibilities beyond the edge of the Todd Hido, #2154-a, 1998 frame. Whereas Hido presents a shadowy, empty, exterior suburban world, Aldridge presents the viewer with brightly lit, garish interiors, focusing on the imagined lives of the women who inhabit them.

Hido’s works in the exhibition are from his ongoing Houses at Night series, depicting isolated suburban homes in America, photographed at night, replete with voyeuristic undertones and implied narrative. Hido’s work is concerned with themes of urban isolation and interior lives, lived separately from outward appearances. His compositions are often bereft of human presence, although a singular lit window or an empty car become signifiers of stories left untold.