Né à Pékin en 1960, d’un père militaire de haut rang et d’une mère professeur de littérature chinoise, il se met à la peinture dès l’âge de 8 ans, MA QUN peint alors des paysages à la manière impressionniste.

Il suit des études de calligraphie et de peinture traditionnelle chinoise dans l’atelier de Maître Li Kuchan et Zhuanke avec Maître Pan Tianshou.

MA Qun reçoit l'enseignement classique de la culture chinoise et façonne sa personnalité dans l'étude de la calligraphie, il équilibre cet enseignement culturel traditionnel par la pratique des arts martiaux à travers 15 ans de kung Fu.
Remarqué et encouragé par son Maître, il expose ses œuvres et obtient à 21 ans le 1er prix des étudiants en calligraphie et peinture de l’Université de Pékin II.

L’éclosion de ce talent précoce lui donne très tôt l’envie de partir à la découverte d’autres continents afin de parfaire sa culture par la connaissance d'autres systèmes de vie et de pensée.

Dans les années 80 il décide de quitter le territoire ancestral pour partir aux Etats-Unis afin d’apprendre parfaitement l’anglais et d’entreprendre une formation en Marketing.

Silvia Camposano a travaillé pendant des années dans le domaine de la céramique en utilisant l'artisanat de la céramique à l'échelle locale et internationale. Au cours de sa carrière, elle a participé à diverses expositions individuelles et collectives, se distinguant dans l'environnement artistique au Chili ainsi qu'à l'étranger.

Pendant de longues périodes de vie hors du Chili, Silvia a travaillé avec la céramique en développant son art à la fois utilitaire et sculptural.

Avec des lignes claires et simples, elle a été en mesure d'ajouter de la valeur à la céramique en utilitaire avec des connotations qui couvrent plus de ce qui est observé à l'œil nu, en prenant son regard vers la forme qui survit derrière toute utilisation qui peut être donnée à l'objet comme tel.

Son travail croise différentes lignes de production tant au niveau conceptuel que productif, en distinguant en son sein ses totems et leurs formes liées aux cultures ancestrales et ce qui est clairement lié à son indiscutable accent latino-américain. Mettre l'accent sur les peuples autochtones, leurs racines, leurs terres encadrées par les Andes impétueux, d'où la matière première est extraite pour la réalisation de leur travail.

Anne Slacik Passages
Du 25 janvier au 24 février 2018
Galerie Hervé Courtaigne
53, rue de Seine, 75006 Paris - France
+33 (0)1 56 24 23 00
www.hervecourtaigne.com 

Expositions de l' automne 2016
A Sigean (11), Maison du Roy, vingt ans, vingt sept artistes
jusqu'au 25 septembre 2016
1 rue de la Barbacane 11 Sigean
du mercredi au samedi 15h -19h

A Paris, Galerie Hervé Courtaigne , 53 rue de Seine Paris 6ème
LADIES FIRST, avec G.Asse, M.Destarac,N.Dumitresco,MN.Fontan,
M.Loubchansky, MC.Picard de Gennes,J.Pavlowsky,A.Slacik, Viera da Silva
du 13 octobre au 12 novembre 2016
vernissage le 13 octobre 2016, 17 –21 h
du mardi au samedi 11h-19h
www.hervecourtaigne.com 

 Alexandra BREZNAY est une photographe diplômée de l’International Center of Photography et de Sciences Po Paris.

Après avoir vécu à New York, elle habite actuellement à Paris où elle poursuit sa passion et enseigne la photographie à Reid Hall, à des étudiants américains des universités de Wesleyan, Vassar, Columbia et Smith.

Elle transmet ses impressions quotidiennes en images, en poursuivant sans cesse une vision poétique de la photographie documentaire. La diversité de personnes qu’elle rencontre durant ses voyages nourrit son inspiration. Elle s’applique à restranscrire l’esprit d’un lieu par des portraits et des observations de moments incongrus, se concentrant sur l’environnement des grandes villes.

Son travail a été exposé au Centre d'Art contemporain de Chabram, au Lieu 37 en France et aux 3rd Ward, Sky Deck Terrace, Greenpoint Gallery, the Schoolhouse et à la Ward Nasse Gallery à New York.

Ses photographies de reportage ont été publiées dans Têtu, French Morning, France USA media, Unmapped, Der Blatt, Hudson Heights Guide...  

Alexandra Breznaÿ, Coney Island, NYC, 2012

La sombre lumière intérieure d'Oleg Goudcoff :  L'art nous implique, requiert plus que le regard. C'est l'intelligence et la vigilance de toutes nos facultés qu'il sollicite.
 " Oubliez moi, et faîtes votre travail ! "A qui s'adresse Oleg Goudcoff ? A vous, à nous, à tous les visiteurs du monde qui interrogent le peintre sur le sens de son œuvre et sur celui de toutes les œuvres de tous les artistes du monde.
Regarder ce n'est pas seulement recevoir, c'est percevoir, prendre, s'ouvrir. C'est aussi se commettre, se compromettre à travers la peinture.
Regarder ? Un devoir d'humilité ! C'est apprendre, comprendre, accepter. Goudcoff balaye d'un revers de la main la subjectivité comme la relativité de la perception. Il faudra un beau jour se décider à bannir tout rapport émotionnel, tout sentimentalisme dans notre relation à l'œuvre.
Et si tant est que ces notions interviennent inévitablement, il faut savoir les taire, les dépasser, pour que s'accomplisse le vrai travail du regard. C'est la grande leçon d'Oleg Goudcoff.  Mieux, une exigence. Car il appartient au spectateur de « finir le travail » selon sa propre expression. Sa peinture est une latence, une attente, une vacance. A nous d'y répondre, de la remplir. Elle est en même temps un appel, une aspiration, un recours. Mais la relation s'établit sur l'interdit de la parole. Elle se construit sur un déni obstiné, insistant de justification. La peinture n'est pas un art de compromis, pas plus que de repliement sur des convictions, esthétiques ou autres.

Exposition en cours au 24 rue de Penthièvre Paris 75008 , visite sur rendez vous avec Sophie Alexinsky Présidente du Comité OLEG GOUDCOFF 06 13 24 84 16 - Sophie Alexinsky alexinsky.goudcoff(at)gmail.com

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm - sans titre

Dans la vie de chaque être humain arrive un moment ou il sent que tout ce qu’il a appris ne réside pas seulement dans les contours des mots, mais que grâce à ses sentiments, il sait déjà lui-même décrypter le sens de chaque signe.

Et s’il a dans cet instant conscience de sa destinée, de sa mission, il comprend qu’il est capable de construire et détruire. Et dorénavant, il n’existera plus rien qui puisse interrompre son rituel. Car ni la naissance, ni la mort n’ébranleront la continuité éternelle de notre existence.

Tout l'univers du Music hall et du Théatre émane des toiles de Aude Allonville. Elle nous emporte dans ce monde troublant du spectacle, peuplé de créatures de la nuit, de plaisirs et de rencontres surprenantes. Une véritable révélation artistique avec une écriture forte et reconnaissable, en un mot une artiste.

Patrick Reynolds

Lionel Sourisseau "Le Peintre-Poète"

"Né le 20 octobre 1951 à Saumur, le même jour que Arthur Rimbaud, hasard ou coincidence il écrit de nombreux poèmes qui lui apparaissent comme des songes.

Cet univers poétique, ses connaissances du chamanisme, l'importance de la spiritualité, la place de l'âme dans l'art, l’amènent tout naturellement à la création picturale. Il aurait eu sa place dans le livre de René Huyghe "l'Art et l'âme" édité chez Flammarion en 1968.

On retrouve dans ses oeuvres la marque des grands artistes de notre temps : une écriture parfaitement reconnaissable et identifiable, l'incarnation de la vie d'une époque, la complexité et le mystère de la lecture de ses oeuvres, un artiste qui reçoit en permanence des images et des messages, à nous de les décripter.

Patrick Reynolds 

Un art fait de sensibilité, un merveilleux travail sur la matière, la lumière, les textures et les couleurs dont la profondeur des variations chromatiques nous font voyager vers l'intérieur de nous-mêmes et favorisent notre évasion vers la quintessence de la pensée matérialisée dans les toiles de l'artiste.

Patrick Reynolds

Artiste photographe, Cyril Boissier, autodidacte né le 11 août 1972 à Antony (France)

Ma passion est née lorsque mon grand-père m'a offert son magnifique Kodak Retina S2, j' ai fait mes premiers clichés argentiques durant les années 80. J'ai ressenti l'impact de la lumière ambiante sur un visage, un paysage, un objet, j'ai alors tenté d'apprivoiser cet éclat en le capturant, c'est devenu l'essence d'une autre façon de m'exprimer.

J'ai été inspiré par des photographes tels que Jeff Wall, Gregory Crewdson, David Hilliard, Philip-Lorca diCorsia, Robert Doisneau, Elsa Roucou, Thomas Lazar, et tant d'autres encore. Leurs oeuvres ont éveillé en moi la volonté de figer un instant sans pour autant lui supprimer sa réalité émotionnelle ou sensorielle.  

Parfois mes photographies sont volontairement édulcorées afin de mettre l'accent sur une ambiance présente et de la retranscrire exactement comme mon ressenti lors de la capture.

Elles sauront alors s'exprimer pleinement par votre regard, comme par le mien.

Françoise Quillien nous ouvre en permanence les portes de notre inconscient pour nous faire parcourir un voyage intérieur qui est une quête spirituelle et sensuelle à la fois.

En regardant ses toiles nous traversons un monde poétique et onirique, empreint de magnétisme à la limite chamanique, entrelacé d’espaces de rêverie, de désirs à fleur de peau, de dualité ou le pudique et l’impudique jouent avec la gestualité des personnages, des matières, des couleurs posées sur la toile avec délicatesse et trouble.

Patrick Reynolds

Oscar Jadue Lama

El arte me transportó hacia otros mundos desde muy niño. Mundos amables, libres, bellos y emotivos. No recuerdo la primera obra de arte que vi, pero sí recuerdo muchas reproducciones de pinturas y esculturas religiosas que acompañaron mi primera infancia.

La imaginería, lo espiritual, lo interno, lo místico, lo simbólico y lo sublime se evocaban en aquellas obras que me llenaban de fantasías y algunos temores.

Mi experiencia estética fue más completa cuando vi por vez primera los óleos que acariciaban las telas de los grandes maestros, así como las esculturas con sus volúmenes irresistibles al tacto. Había allí tanta energía, tanta vida. Era el milagro de la creación que utilizaba al artista como un medio (medium) para dar a luz. Y quise ser otro “medium”.

Pero yo era muy joven y mi rumbo se desvió hacia otros oficios, presionado por censuras y circunstancias. Así me hice ingeniero civil químico, comerciante y empresario. Fueron años duros en los cuales sentí cómo la educación formal me ponía límites, en una maraña de reglas y amarras que oscurecían mi sensibilidad y mi intelecto.

Artiste peintre né le 20 juin 1957 au Venezuela , résidant en France depuis 1973, expositions individuelles et collectives dans plussieurs pays: Venezuela, France, Suisse, Italie, Puerto Rico, Belgique,USA,Espagne,Allemagne,Yougoslavie. actuellement vie et travaille à Redon Bretagne.

ALVARO MEJIAS nacio en Valencia, Venezuela, el 20 de junio de 1957. sus primeros pasos en la pintura los realiza en el "taller libre de arte " de El Tigre(Anzoategui). En 1973 viaja a Francia donde hace estudios en la Escuela superior de Bellas artes de Paris.vive y trabaja en Paris hasta 1992 .actualmente reside en la region de la Bretaña   (oeste de Francia).

Avec quelle patience, douceur et simplicité les oiseaux construisent leurs nids… une vraie œuvre d’art. Combien de musiciens et compositeurs ont essayé de traduire en symphonie leurs chants. Quelle merveille la toile d’araignée, les ailes des papillons, les plumages multicolores des oiseaux, les coloris et formes des fleurs… et quoi dire du monde fantastique des océans.

L’art respire dans tout notre univers, on est de simples copieurs de la nature et on a la hardiesse de croire qu’on est des auteurs. On a perdu l’instinct d’observation, l’admiration, sentir, apprécier… être plus proche de l’instinct animal. La femme comme image créatrice, sensuelle, fragile, battante, muse incommensurable de l’artiste. Quel poète n’a pas abandonné son âme pour un regard, un baiser, une simple caresse… devenu ainsi chanson, poème , histoire d’amour.

Alvaro MEJIAS N°17 huile sur toile 92x73 "ingenuidad"

« Considérez l’ensemble du tableau si vous traversez l’enfer continuez d’avancer »
 Winston Churchill

Au tout début était la femme ! C’est probablement mes héroïnes, Jacky Kennedy, Amelia Earhart, Charlotte Rampling, Frida Kahlo, Nina Hagen, Sandrine Bonnaire…, comme je les appelle, qui ont commencé à m’inspirer quand j’avais des angoisses métaphysiques, puis je me suis pris au jeu de l’harmonie des couleurs, au dynamisme que je souhaitais insuffler à mes compositions, la magie d’un regard, la force d’une position, la beauté des formes, la force d’un symbole, l’histoire d’un personnage.
Puis sont venus aussi quelques héros, Winston Churchill, Jack Nicholson, Steve Mac Queen, Keith Richards.
Réaliser des collages pour mes ami(es) m’inspire beaucoup et me remplit de joie, l’occasion d’un anniversaire est un bon prétexte pour en faire un.

Mais c’est bien l’humain qui est au centre de mon travail et cela quel qu’en soit le thème et justement les sujets sont variés.

Benoît Gilmas autoportrait

Gilda Richet "du réel au surréalisme"

Dans un monde qui se métamorphose à une rapidité sans cesse croissante, peindre son époque c'est d'abord se mettre à sa disposition, s'en imprégner et laisser libre cours à sa pensée.

Ainsi, du réel au surréalisme, l'esprit chemine d'un point "de vue" à un autre, va vers l'inconnu, tel un explorateur guidé par son imagination, elle-même influencée par la sensibilité, l'inconscient et l’engagement. De là surgissent des images.

Stéphane Fradet-Mounier (SFM) 

Artiste plasticien, objets, installation et peintures

FIGURATION CONCEPTUELLE ET SYMBOLIQUE

Né le 13 octobre 1961 Stéphane Fradet-Mounier utilise principalement le métal et le bronze, et en complément la peinture. Son travail enferme une symbolique conceptuelle certaine à découvrir en côtoyant l'oeuvre. Son oeuvre nous interpelle sur le devenir humain, les échelles de couleur orange, symbole du progrès de l'homme qui cherche à s'élever, à aller toujours plus haut, et son contraire la rouille du métal symbole du viellissement et du temps qui passe, mais aussi tu temps qui élève l'homme par la connaissance. L'artiste nous fait réfléchir sur la dualité du monde qui avance en permanence entre le yin et le yang. A nous de découvrir la voie ouverte par l'artiste.

Peintre britannique née en 1949, à  CORDOBA en ARGENTINE, Lia de Fontenelle, Princesse Frédéric de Broglie  peint depuis l’âge de 4 ans, peintre néo-figuratif et conceptuel, elle participe aux grands évènements de notre temps depuis la chute du mur de Berlin.

Elle partage on temps entre Londres et New-York.

Créateur à l'identité forte ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections privées internationales.

Ma route professionnelle est celle du surréalisme. Mon souhait est de traduire l’émotion, la passion, la sexualité et la culture à travers un support qui décrit au mieux mon expérience du moment. Helen Keller a dit que « la vie est une aventure audacieuse ou sinon, ce n’est rien » et c’est ce que je ressens au sujet de mon parcours professionnel. Mes prochaines pièces vont continuer à gagner en dimension car cela donne souvent l’impression de pouvoir entrer et se promener dans l’image, même si les moments intenses peuvent être à la fois grands et petits ; c’est pourquoi mes prochaines œuvres varieront en taille et également en choix de support.                                                

Eliana Minillo Artiste plasticienne née en 1961 à São Paulo Brésil

Atelier- Rua Nova Cidade,354 -Vila Olímpia- São Paulo/SP Brasil 04548-000

Tel - 00 55 11 3842 4650 /00 55 11 8962 5306 /00 55 11 3044 6351

eminillo(at)hotmail.com

www.artisho.com/Eliana-Minillo

Peinture de Eliana minillo

Sébastien Lecca est né au Pérou en 1972, il peint depuis son enfance et expose depuis 1991. Après avoir été durant quelques années assistant social, il est recruté comme chef de projet par "Rouge" une agence de publicité où il développe un programme de fidélité pour Orange et est chargé du développement commerciale de l'agence.

Depuis septembre 2009, il se consacre à plein temps à ses projets artistiques et est membre permanent de l'association d'artistes du 59RIVOLI.

Il a développé un concept figuratif « modulaire et interactif » à l’image de notre modernité morcelée, mobile, et interchangeable. Sur le web : Site de Sébastien Lecca

Hervé Perdriel est né à Paris en 1973.

Pour Hervé Perdriel, la photographie est avant tout un un matériau, le moyen d’un travail plastique « pictural », se définissant davantage comme un travail sur les images que comme travail photographique en tant que tel.

En décadrant, recadrant, découpant et recomposant, en modifiant les échelles et les tons, en juxtaposant les images, il impose un autre langage photographique, dont le vocabulaire tient de celui de la peinture : composition, forme, couleur, motif,  mais aussi abstraction ou narration.

Le travail d’Hervé Perdriel est régulièrement présenté dans le cadre d’expositions personnelles ou collectives depuis 2007.

Aujourd’hui, il vit et travaille à Paris.

POUPEES (PRESQUE) BRISEES

Laurent Gugli est un artiste post-pop qui aime à mixer les contraires. Par exemple ses « bad handmade poster » mélangent superficialité et une mystique détournée.

Venus de l’enfance  Winnie L’Ourson ou la Peach de Mario s’accouplent avec des fashionista sexy et parfois délicieusement obscènes (du moins juste ce qu’il faut).

Cultivant un charme nonsensique son pop-art est fidèle à l’essence même du genre : à savoir le détournement des images. Un ours en peluche menotté sert ainsi de cache sexe à une Lolita qui ne voulait tout offrir au regard.

Cultivant autant le cynisme que la joie celui qui est aussi peintre que graphiste crée des œuvres où le moindre détail garde son importance.

Texte critique d'Iléana Cornéa

Joanne Street cherche à atteindre l'adéquation entre son intimité et la matière. Les questionnements plastiques la préoccupent, elle expérimente la malléabilité du matériau et les possibilités émotionnelles des couleurs.

Sa toile intitulée Casque Bleu nous fait penser à un champ de bataille turnérien. Elle teste les orangés incandescents auprès des couleurs sombres ramassés comme un nuage de poudre à canon.

L'ensemble nous parait encore réfléchi et sage, mais une belle lumière vacille incontestablement.

Ce peintre de talent à l'écriture forte avait séduit par la qualité de son travail le marchand Emmanuel David qui l'avait découvert. Nous avons eu un coup de coeur pour cet artiste de qualité que nous avons sélectionné pour vous.

«Il faut à l'artiste une puissante personnalité pour échapper à la déformation collective de notre époque. Il lui faut surtout une foi inébranlable et une maîtrise absolue de son art pour imposer ses certitudes. C'est aujourd'hui ce que nous révèle l'oeuvre de Alain Maillet. En face d’une toile de l’artiste on est frappé par l'originalité, la personnalité dans la conception et l’exécution de l’œuvre qui surgit parfois du plus profond de la mythologie grecque notamment dans les toiles mettant en scène Astérios. L'art de Alain Maillet s'inscrit dans cette réflexion sur notre devenir, la force d'Astérios est aussi celle de l'artiste créateur à la fois tout puissant et sensible dans sa perception sensuelle du monde. La sincérité de l’émotion, la hauteur du ton et de la composition,  l'équilibre des harmonies s'inscrivent dans la continuité de la tradition classique de l'art moderne, et créent un lien poétique qui nous relie à l'infini de l'Univers, source de rêve d'abondance et de plaisirs charnels. L'oeuvre de Alain Maillet laissera une marque de valeur dans l'histoire de l'art et de la peinture provençale en particulier. L'artiste a su capter la richesse de cette terre de vraies valeurs rythmées par l'écoulement du temps, l'écoute de la nature et des hommes.

Mais laissons les philosophes s'adonner aux plaisirs de l'esprit et sachons participer aux joies picturales de haute qualité que nous offre un tel artiste »

Patrick Reynolds

Né le 5 décembre 1961 à Versailles, Alexandre Akar vit et travaille à Gennevilliers où il a son atelier. Diplômé de l’école Olivier de Serres en 1987 avec une spécialisation en art mural, sa peinture a toujours été influencée par l’expressionnisme allemand.

Indépendant depuis 1987, il partage son temps entre sa peinture et diverses collaborations en tant que plasticien de l’environnement (décoration, architecture, aménagement, performances, ateliers participatifs, événementiel….). Après avoir été professeur de dessin à ses débuts, Alexandre expose régulièrement en région parisienne depuis 25 ans ainsi qu’au Pays Basque et à St Tropez. Soutenu par une galerie en Allemagne où il a bénéficié d’un accueil chaleureux notamment en exposant au musée de Bergkamen en 2011, Alexandre a également participé à la nuit des musées de Dortmund en créant une installation en plein air.

Une Toile de l'artiste sera mise en vente aux enchères le SAMEDI 21 Septembre à 14h Salle Rossini, 7 rue Rossini 75009 Paris (mise à prix 800 euros) Vernissage le vendredi 20 Septembre de 18h à 21h, Salle Rossini. Voir le Catalogue vente Rossini

Nadia vit et travaille en région Parisienne.

Elle a suivi des études à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts, puis à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts d’Alger, ainsi qu’à l'université de Paris 1 Sorbonne.

Diplômée en décoration DNBA et en Arts Plastiques DESA, elle poursuit sa démarche et sa passion pour l'image et la représentation du corps dans nos sociétés dites "modernes".

Créatrice iconoclaste, elle bouleverse les modes de pensée, interroge sur les rapports entre l'image et le corps...  

Cette Iconographie à grande échelle (affiches, revues, internet) fascine encore nos sociétés, toujours  sous l'emprise de l'image et même au-delà des frontières de l'occident.

Ces beautés s'affichent et interpellent, à la fois "cibles" et "icônes" en puissance, elles suscitent  volontairement "désir "et " fascination", où la notion  d'amour dérive dans la confusion et la consommation illusoire du bonheur : slogan  « le  corps est à prendre et le produit est à vendre ... »

Nadia Spahis