Vernissage jeudi 11 octobre 2018 | 18h - 21h
Exposition | 12 octobre - 17 novembre 2018

Ne manquez pas la parution du livre Optical Graffiti
aux Éditions Lélia Mordoch

J'ai tout de suite aimé les oeuvres de L'Atlas pour la puissance de leur graphisme. Il n'est pas facile de trouver des artistes qui renouvèlent l'art géométrique. Du graffiti à l'art optique, L'Atlas refuse de se laisser enfermer dans un genre... il revendique un art sans frontière.

Il s'inspire des relevés topographiques des temples mais c'est la calligraphie, l'inscription du signe dans une forme structurée, qui l'amène à l'art cinétique.

La signature de L'Atlas est présente dans chacune de ses oeuvres même si parfois elle est bien cachée. Un labyrinthe dans lequel s'inscrit une signature voilà comment pourrait se définir la plupart de ses tableaux. Mais il faut aller plus loin dans l'univers des signes. Un tableau peut en cacher un autre. Jeux d'optique, phosphènes qui se révèlent à la lumière bleue, carré tournant il y a toujours dans ses oeuvres un mystère à décrypter. L'Atlas est un artiste dont l'érudition se révèle dans la jubilation de la création.
Il saisit l'esprit de la ville et y imprime sa marque en créant une archéologie contemporaine où le graphe sert de repère dans la jungle urbaine, où l'artiste déchiffre la ville de sa griffe. Le promeneur découvre des étoiles sur l'asphalte...et une boussole pour ne pas perdre le nord.
Au labyrinthe de la création contemporaine, cherchez L'Atlas et vous trouverez un grand artiste qui donne au Street Art une nouvelle dimension : Optical Graffiti.

Lélia Mordoch

L'ATLAS, Cascade #1, 2018 -
Laque et encre aérosol sur bois, 148 x 115 cm

Jan Saudek, one of a kind, revolutionary, reckless.

He is one of the most important and renown Czech art photographers in the world.

Saudek has had over 400 solo exhibitions. His photographs are included to some of the world's most important art collections.

Born in Prague in 1983, his father was a Jew, so he and his family automatically became Nazi's target. Jan Saudek was still a child when his family suffered during the World War II. Little Jan together with his brother, was kept in Mischlinge, the concentration camp for children. Their father also was deported to the concentration camp. All of them survived the war.

The catastrophe of the war and the absence of a happy childhood are intensely shown in Saudek’s works. The artist often repeats his themes and styles, while he combines notions of eroticism and memories of a childhood, creating a surreal and dream-like result.

Saudek images are all about evocation, an evolution from child to adult, there are lots of nudity and semi-nudity in his work. And what's interesting is, he is not that type of photographer who tries to show you beauty, no, its opposite. In his images, he uses people who are overweight in absurd positions, old half nude ladies, young girls with cigarettes, midgets, and what interesting is that he loves posing himself nude as well!

Les Russes à Paris 1925-1955
du 11 septembre - 3 novembre 2018
Vernissage le 11 septembre 2018 à partir de 18h
 
JEANNE BUCHER JAEGER SAINT-GERMAIN
53 rue de Seine
75006 Paris
T +33 1 42 72 60 42
Tuesday-Friday, 10am-6pm
Saturday, 10am-12:30am - 2:30pm-6pm
www.jeannebucherjaeger.com 

En écho à l’exposition dédiée à l’avant-garde russe à Vitebsk au Centre Pompidou et à l’occasion du Parcours des Mondes de la rentrée estivale, la galerie Jeanne Bucher Jaeger honore cet automne les artistes russes qu’elle a présentés en ses murs durant la période 1925-1955. 1925, année de création de la galerie Jeanne Bucher, 1955, disparition de Nicolas de Staël.
Cette exposition s’inscrit, dans le même quartier et au même moment, en dialogue avec l’exposition consacrée aux monochromes de Serge Charchoune par les galeries Le Minotaure et Alain Le Gaillard.

La plupart de ces artistes ont quitté leurs pays après la Révolution de 1917, transitant par l’Allemagne ou la Belgique, avant de s’installer en France à Paris, ville rêvée pour nombreux peintres russes de l’époque qui y voient le pays de la liberté et de la douceur de vivre. Car Paris fut bien cette « capitale des arts », creuset des avant-gardes qui se succédèrent depuis le Réalisme de Courbet jusqu’à la Figuration Narrative des années 70.

Nicolas de Staël
Eau de vie, 1948
Huile sur toile 101 x 81,3 cm

Exposition à venir du 19 septembre au 21 décembre 2018

'TIERRA Y PAISAJE DE CUBA' -  Maikel Sotomayor
Galerie BEGRAMOFF
206 rue stevin - Bruxelles B-1000
www.begramoff.com 
begramoff(at)begramoff.com
 

La galerie BEGRAMOFF a le grand plaisir d'accueillir le jeune peintre cubain Maikel Sotomayor et d'organiser l'exposition 'Tierra y paisaje de Cuba - Terre et paysages de Cuba' avec certaines de ses œuvres. L'exposition se déroulera du 19 septembre au 21 décembre 2018 et sera accessible du lundi au vendredi de 10h à 14h 30 et sur RDV (0470 55 71 10).

La galerie BEGRAMOFF propose une série d'œuvres choisies de Maikel Sotomayer qui illustre plusieurs séries de peintures (Posado sobre la noche, Paisajes menguantes, Tortuga con playa y montaña, Camino del cuarto menguante, Atajos, Con Musashy en Viñales) réalisées ces dernières années.

Maikel Sotomayor,né à Cuba en 1989, a vécu à la campagne avant de faire ses études à l'école des Beaux-Arts à La Havane, la ville. Sa jeunesse à la campagne a profondément influencé sa peinture. Son inspiration vient en effet des paysages campagnards qui lui permettent de travailler sur les souvenirs et leur impact. Ayant quitté la campagne et vivant maintenant en ville, Maikel Sotomayor il réinterprète la campagne avec son expérience urbaine. Il considère 'Le Paysage' comme un lieu de découverte et de rencontre avec soi-même. Revoir ou représenter de tels espaces provoque une remise en question chez l'Homme aussi bien physique que mentale.
Maikel écrit: 'Un paysage qui se montre tranquille peut être complice. Comme un murmure'.

Maikel SOTOMAYOR - Acrilyque sur toile
Olfato de nacer - 195 x 195cm - 2017

Dine's prints from the 1980s on are characterized by an increasing density and complexity of surface and layered depth. It is not merely a question of hand coloring but of nontraditional combinations of print media printed one over the other. One might refer to this phenomenon as "painting with printmaking." That is, not only do the prints take on a layered depth and usual richness of surface but the textures of different media are played off against each other, matte against glossy, for example. The resulting surfaces are extremely tactile in nature.

Clifford S. Ackley & Patrick Murphy, Jim Dine: Printmaker: Leaving My Tracks
Theme and Variation: A Dialogue on Fifty Years of Printmaking
Museum of Fine Arts Publishing, Boston, 2012, pages 10-11

Jim Dine (b. 1935)

Born in Cincinnati, Jim Dine studied at the University of Cincinnati and at the School of the Museum of Fine Arts in Boston, Massachusetts before receiving his Bachelor of Fine Arts degree from Ohio University in 1957. His reputation in the art world began to grow in 1959 when he, along with Claes Oldenburg and Allan Kaprow, opened a gallery in the Judson Memorial Church (Judson Gallery) in Greenwich Village in New York City and staged a series of theatrical events they called “Happenings.”

While others have often associated his work with the Pop Art movement of the mid-20th century, his fascination with popular imagery and everyday objects has always carried a more personal component. He has extensively explored particular themes in a variety of media- painting, sculpture, printmaking- throughout his career. These themes have acquired the status of personal iconography and he claims them as part of his vocabulary or his “glossary of terms.” Among this iconography are hearts, tools, bathrobes, the Venus de Milo and Pinocchio. They are commonly recognized symbols, figures and objects, which become metaphors for larger concepts, while also functioning as part of his on-going “self-portrait”. As an avid reader, writer and poet, he shares, “language plays a big role in my work and has a big place in my life.”

Dine, renowned for his wit and creativity has a restless, searching intellect that leads him to challenge himself constantly. Over four decades, Dine has produced more than three thousand paintings, sculptures, drawings, and prints, as well as performance works, stage and book designs, poetry, and even music. His art has been the subject of numerous individual and group shows and is in the permanent collections of museums around the world.

Leslie Sacks Gallery
Bergamot
2525 Michigan Avenue, Suite B6
 Santa Monica, California 90404
 T  310 264 0640  |  F  310 264 0740

gallery(at)lesliesacks.com

http://www.lesliesacks.com/

Jan Fabre Folklore Sexuel Belge (2017-2018) Mer du Nord Sexuelle Belge (2018)
17 mai – 21 juillet 2018
TEMPLON Paris – Grenier Saint Lazare
28 rue du Grenier Saint-Lazare
75003 Paris - France
Tel: + 33 (0)1 85 76 55 55
https://www.templon.com/new/current.php?la=fr

Pour l’ouverture de son nouvel espace parisien, la Galerie Templon donne carte blanche à Jan Fabre. Fidèle à son engagement auprès des artistes, la galerie inaugure un chapitre de son histoire en invitant le grand créateur pluridisciplinaire à investir ses nouveaux lieux en toute liberté.

L’artiste belge a conçu spécialement pour les 250 m2 d’exposition la rue du Grenier-Saint-Lazare un ensemble inédit d’œuvres de différents media – dessins, sculptures – dressant un portrait complexe, espiègle et subversif de sa Belgique natale.

Depuis 30 ans, Jan Fabre s’est imposé internationalement en tant qu’artiste visuel, homme de théâtre et auteur parmi les plus innovants de sa génération. La Galerie Templon, qui le représente depuis 2000 et a contribué à la reconnaissance de sa pratique plastique, est heureuse de confier ses clés à cet artiste complet qui a su repousser les limites des champs de la connaissance et de la création, un « guerrier de la beauté et chevalier du désespoir ».

Jan Fabre Sexy Orgue de Barbarie Belge, 2017
Bois, pigment, polmère, métal, papier, éléments électroniques
146 x 145,2 x 42,1 cm
57 3/4 x 57 1/8 x 16 5/8 in.

GÉRARD FROMANGER
DE TOUTES LES COULEURS
En collaboration avec Caroline Smulders
31 mai - 21 juillet 2018
Jeanne Bucher Jaeger | Paris, Saint-Germain
53 rue de Seine
75 006 Paris – France
T +33 1 42 72 60 42
F +33 1 42 72 60 49
info(at)jeannebucherjaeger.com
https://jeannebucherjaeger.com/fr/ 
Vernissage jeudi 31 mai, 17h-20h

Giacometti ne regardait jamais ce qu’il peignait parce que dès que tu regardes, c’est foutu. Tu deviens maniéré, tu commences à aimer ton trait ou à vouloir le corriger, tu te dis : ce serait mieux comme ci ou comme ça. Non !
Le trait doit venir d’une vraie relation entre toi et ta main qui empêche l’esthétisme, qui empêche le jugement sur ce qu’on fait. Il faut faire confiance à ce que la main fait et à ce que la tête pense. (...)

Je ne rééquilibre pas, je combats. C’est une bataille. Ce sont tout le temps des batailles.

-les couleurs se battent ?
Ah oui comme nous dans la vie
-Il n’y a pas de quartier ?
Il y a parfois des accommodements, des repentirs, des revenez-y, des gommages, des effacements, des sous-couches. Mais, globalement, entre les couleurs, c’est une lutte et cette lutte est sans merci.

Gérard Fromanger et Laurent Greilsamer

Fromanger De toutes les couleurs, Entretiens avec Laurent Greilsamer, Editions Gallimard, 3 mai 2018

A l’occasion de la parution du livre de Laurent Greilsamer aux Editions Gallimard Fromanger - De toutes les couleurs, la galerie organise une exposition consacrée à l’artiste, présentant des oeuvres de 1962 à 2017. Cetteexposition se déroule plus de quarante ans après sa dernière exposition personnelle à la galerie, en 1977, autourde la série Questions.

L’exposition s’ouvre par l’Autoportrait de 1962, emblématique de la période « grise », dans le sillage d’AlbertoGiacometti, son premier maître, lequel, avec Jacques Prévert, le fait alors entrer chez Aimé Maeght. L’incendie de l’atelier en 1964 et la disparition dans les flammes de 80 tableaux marqueront la fin de cette période. Dans le gris de ces cendres, en s’en allant, le feu avait laissé une petite lueur pourpre...qui bien vite sera flamme et viendra lécher ses toiles. (Jacques Prévert).

EXPOSITION PETER KLASEN
du 15 mars au 11 mai 2018
Galerie Eva Hober
156 boulevard Haussmann
75008 Paris
T : + 33 1 45 61 20 05
E : galerie(at)evahober.com
www.evahober.com 

Peter Klasen, artiste majeur et pionnier de la Nouvelle Figuration et du mouvement de la Figuration Narrative au début des années 60, est exposé du 14 mars au 11 mai 2018 par la galerie Eva Hober. Sera présentée une série d’oeuvres récentes en hommage à Kasimir Malevitch, Piet Mondrian et Kurt Schwitters.

Installée depuis octobre dans le 8e arrondissement de Paris, Eva Hober a le plaisir d’annoncer sa première exposition de Peter Klasen.

Peter Klasen (né à Lubeck le 18 août 1935) vit et travaille à Paris depuis1959. L’artiste, engagé, est connu pour ses « tableaux-rencontres» : collages et photographies - matériau de prédilection de l’artiste qu’il tire d’affiches publicitaires, de cinéma et de magazines - réinterprétées à l’aérographie et inspirées de la réalité urbaine et de ses codes. Avec ses oeuvres, Peter Klasen dénonce les dangers des médias et leur impact sur le monde.

Les thématiques telles que la société de consommation, l’obsession, la folie, les relations de pouvoir, l’enfermement, les faits divers, le corps et le cinéma sont récurrentes dans l’oeuvre de Peter Klasen qui a ouvert avec force la voie aux artistes qui interrogent aujourd’hui la société.

Peter Klasen commence en 2010 la série des hommages aux grands maîtres : des oeuvres dialoguant avec les artistes tels que Duchamp, Friedrich, Léger, Mondrian, Picasso, Schwitters, de Vinci, El Gréco ou encore Le Tintoret.

Dans ses compositions picturales tout comme dans les thématiques abordées, l’influence des grands maîtres sur l’oeuvre de Peter Klasen est omniprésente et l’artiste leur rend une nouvelle fois hommage avec une série d’oeuvres inédites dédiée à Malevitch, Mondrian et Schwitters.

Portrait Peter Klasen 2016 © Sydney Klasen

FR - Hangar dévoile là partir du 19 avril 2018, l’œuvre magistrale de l’artiste japonais Aki Kuroda. Dans cette première exposition monographique de l’artiste en Belgique (depuis 1995), le visiteur pourra découvrir une série d’œuvres inédites (2016/2017) ainsi que plusieurs tableaux emblématiques. Au travers de ses œuvres, Aki Kuroda nous transporte dans un univers empreint/s à la fois de mythes antiques et d’histoires de son pays, le Japon. Il crée des « passages » entre des mondes divers : le modernisme et l’art contemporain, l’Orient et l’Occident, le corps et le cosmos, la mythologie et l’avenir. De très grandes toiles colorées investissent les espaces de Hangar sur le thème du Cosmogarden (jardin intérieur et extérieur/tout se mêle en une jungle onirique).

Une fois encore et comme à diverses reprises au Japon, Aki Kuroda a souhaité collaborer avec des architectes. Hangar a proposé une collaboration avec les étudiants en architecture d’intérieur de l’école supérieure des arts de Mons, Arts2, pour la construction d’une maison de thé éphémère. Cette réalisation, conforme à l’univers et aux dessins d’Aki, s’intègre à la scénographie de l’exposition.

Proche de la jeune scène artistique contemporaine, Aki Kuroda a souhaité associer à son exposition un plus jeune artiste, Marcin Sobolev (belgo russe).  Aki et Marcin réaliseront ensemble une installation composée de fleurs et de créations artistiques communes. Un Cosmogarden grandeur nature…

Hangar saisit l’occasion de cette exposition monumentale pour mettre en place une série d’événements liés au Japon et à l’œuvre d’Aki Kuroda. Les informations à ce sujet suivront.

Aki Kuroda ©Photo by Yukishima Yuki, Aki in his workshop

AMERICAN ICONS
OPERA GALLERY
62 rue du Faubourg Saint-Honoré, 75008 PARIS
T +33 (0) 1 42 96 39 00
paris(at)operagallery.com
www.operagallery.com 
du 16 mars au 31 mars 2018

PREFACE

Opera Gallery Paris est heureuse de présenter sa première exposition de 2018 consacrée aux icônes de l’art américain.

« American Icons » est l’occasion de mettre en lumière l’effervescence de l’après-guerre qui caractérise l’avant-garde et définit « l’American Dream ». Nombreux sont les artistes d’Europe, d’Asie et d’ailleurs, à migrer aux États-Unis, dans une volonté d’émancipation culturelle et de galvanisation créatrice et humaine. Artistes d’origine ou d’adoption américaine, aujourd’hui acclamés et reconnus par le grand public et les institutions, tous ont bénéficié de l’expérience du Nouveau Monde.

Dans un idéal de découverte de l’autre et de soi, de Donald Judd à Keith Haring en passant par Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou George Condo, tous ont marqué l’histoire de l’art et le marché de l’art contemporain à travers leurs créations inédites inscrites dans une société vouée à l’hégémonie.

À la manière d’un voyage entre New York et Paris, cette exposition est l’occasion pour nous de revenir sur les artistes qui font partie de l’histoire d’Opera Gallery depuis plus de vingt ans.

À travers cette sélection d’oeuvres, cet événement invite à redécouvrir les principaux instigateurs d’un territoire d’expérimentation, ces artistes visionnaires d’un monde en pleine reconstruction, au travers de créations emblématiques ou plus intimes ; études, dessins ou thématiques étonnantes.

Nous sommes heureux de partager avec vous cette parenthèse représentative des prémices et fondements de l’art contemporain que nous avons hérités.

Gilles Dyan
Fatiha Amer
Président et Fondateur Directrice
Opera Gallery Groupe Opera Gallery Paris

Robert Indiana
Hartley Elergies KVF IV, 1990
Signed and dated on the lower right, numbered on the lower centre
Serigraph in colours, edition of 50
196 x 135 cm - 77.2 x 53.1 in.
Provenance The Morgan Art Foundation

Drawings at the Galerie Jean-François Cazeau

Modern Masters

Paul Gauguin, Alberto Giacometti, Juan Gris, Hans Hartung,

Auguste Herbin, Fernand Leger, Joan Miro, Andre Masson,

Amedeo Modigliani, Pablo Picasso

20 - 29 Mars 2018 / 20th to 29th of March 2018
Du lundi au samedi, de 14h30 à 19h et sur rendez-vous
From Monday to Saturday, 2:30pm to 7pm and by appointment
8 rue Sainte Anastase
75003 Paris
+33 (0)1 48 04 06 92
+33 (0)6 03 79 76 26
+33 (0)6 63 09 56 78
www.galeriejfcazeau.com 
For inquiries please contact:
Raphael Tecucianu
+33 (0)7 68 66 57 68
jfc(at)galeriejfcazeau.com

Auguste Herbin (1882 - 1960) - "Orage", 1953
Gouache on paper - 35,8 x 24,8 cm / 13 4/5 x 9 1/2 in.

GALERIE ANNE & JUST JAECKIN et 2ArtAngels
présentent Chapeau ! Une exposition de photographies de Claude Azoulay

du 9 mars au 28 avril 2018
Vernissage le jeudi 8 mars à partir de 18h30

la galerie est ouverte du mercredi au samedi de 13h à 19h
GALERIE ANNE & JUST JAECKIN
19, rue Guénégaud – Paris VIème

http://www.jaeckin.fr/

Claude Azoulay, d’autres vies et la sienne

La carrière et la vie de Claude Azoulay ne peuvent se résumer en quelques lignes tant elles sont riches et multiples. Mais le dénominateur commun à tout son travail demeure l’homme : « Bonheurs, amours, joies, fêtes, guerres, catastrophes naturelles, rien de ce qui concerne l’homme ne m’est étranger », déclare-t-il.
Photographe de stars, grand reporter pour Paris Match pendant plus de quarante ans, ce polyglotte sillonne la planète du nord au sud et d’est en ouest : célébrités, hommes politiques et chefs d’Etat, papes, stars, artistes, réfugiés, révoltés et anonymes, il les photographie tous. Présent là où l’actualité l’appelle, il couvre aussi bien les guerres que les catastrophes naturelles, les faits divers ou encore les événements culturels, sportifs et politiques.
Ses clichés se retrouvent dans des publications internationales telles que Life, Look, Stern, Epoca.
Passionné et curieux de la nature humaine, c’est en photographe tout à la fois intimiste et baroudeur qu’il mène sa vie à 100 à l’heure, au point souvent de ne pouvoir défaire sa valise. Il prendra au passage quelques uppercuts, et sa vie n’a certes pas été un long fleuve tranquille, mais il affirme aujourd’hui ne rien regretter, si ce n’est, tout de même, de n’avoir pas vu grandir ses enfants.

Ursula Andress sur le tournage
du « Crépuscule des aigles »
© Claude Azoulay

Richard Serra Double Rift
Galerie Lelong & Co.
13 Rue de Téhéran, 75008 Paris
+ 33 1 45 63 13 19
www.galerie-lelong.com 
info(at)galerie-lelong.com
15 mars – 18 mai 2018
Vernissage jeudi 15 mars à partir de 18h

Richard Serra (né en 1939) est une figure centrale de la sculpture contemporaine. Son travail, qui se trouve dans de nombreuses collections publiques et privées internationales, consiste essentiellement en oeuvres monumentales en acier corten qui jouent sur les notions d’équilibre et de masse. L’artiste a toujours développé, en parallèle à ses sculptures, une importante oeuvre sur papier, toujours en noir, composée de dessins et d’estampes. Les éditions sont réalisées sur les presses de Gemini G.E.L. à Los Angeles.

Richard Serra (born in 1939) is a central figure of contemporary sculpture. His work, which can be found in many public and private collections around the world, mainly consists of monumental works made from Corten steel that play with the concepts of balance and mass. Alongside his sculptures, the artist has always developed a substantial body of work on paper, essentially black, made up of drawings and etchings. The prints are produced on the presses of Gemini G.E.L in Los Angeles.

Richard Serra Double Rift IV, 2016. 12 exemplaires.
Stick à l’huile et silice 238 x 457 cm

9 janvier > 9 mars 2018

BEGRAMOFF Gallery
206 rue Stevin
B 1000 Brussels
T/F: +32 (0) 2 734 64 38
Mob: +32 (0) 470557110
begramoff(at)begramoff.com
www.begramoff.com 
 
La galerie BEGRAMOFF a le plaisir de présenter la deuxième édition de BEGRAMOFF-PHOTO 'Visions du Monde II' sur le thème des murs. Ce sujet d'actualité cache de nombreuses réalités mais aussi de nombreux mystères.
L'exposition se déroulera jusqu'au 9 mars 2018 et sera accessible du lundi au vendredi de 10h00 à 14h30 et sur RDV (0470 55 71 10).

Un mur peut être envisagé de plusieurs façons: ouvrage de maçonnerie ; cloison ; paroi naturelle - mur de pluie, mur de personnes ; obstacle à la communication - mur de haine qui sépare deux communautés, mur de la vie privée...
Pour l'exposition BEGRAMOFF-PHOTO - Visions du monde II,  sept artistes sont présentés dont deux ayant travaillé à quatre mains. Chacun d'entre eux nous présente une façon de voir les murs, des murs séparant des populations et des pays, des murs ludiques recouverts de graffitis, des murs miroirs qui reflètent des réalités au travers d'œuvres d'art ou des réalités qui s'intègrent aux murs recouverts d'œuvres d'art, des murs devant lesquels des scènes de vie ont eu lieu, des murs qui parlent de la société, des murs qui parlent du passé, du présent et même des murs au sein desquels sont se déroulées des histoires intimistes racontées par des regroupements de plusieurs petites photos polaroid.
 
Shirley Hicter (belge) est photographe depuis toujours mais ce n'est que depuis 2013 qu'elle se consacre essentiellement à la photographie. Elle privilégie des prises intuitives avec pour résultat des instantanés parfois déroutants, des moments éphémères et précieux qu'elle emprunte délicatement à la vie, de belles et touchantes histoires racontées ... ou qu'elle donne envie d'inventer. Ses thèmes de prédilection sont les gens, les lieux, les objets qui l'inspirent dans sa recherche de partage et d'émotions. Sa vision du monde est douce, bienveillante, positive mais néanmoins lucide.
Pour BEGRAMOFF-PHOTO 2018, Shirley Hicter présente des murs recouverts de graffitis à la fois ludiques et émouvants.

Shirley Hicter - Mur I - 2017

EXPOSITION
POP LOVE – LES FEUX DE L’AMOUR
Du 1er au 24 février 2018
Vernissage – Jeudi 1er février 2018

GALERIE LOFT
3 bis, rue des Beaux-Arts - 75 006 Paris
4, rue des Beaux-Arts - 75 006 Paris
Phone: +33 1 46 33 18 90
info(at)galerieloft.com

http://www.galerieloft.com/
A l’occasion de la Saint-Valentin, la Galerie Loft présente une exposition inédite de Claude Gilli, dédiée à l’amour sous toutes ses formes.

Symbole universel de la vie et du sentiment amoureux dans l’imaginaire populaire, le cœur possède une force visuelle et émotionnelle unique.

Dans la série des « Feux de l’amour », Claude Gilli le décline sous la forme de compositions en relief, brillantes et lisses, aux couleurs intenses.

Jeux de mots, jeux de lumière, jeux de mise en abîme. Vivants et vibrants, ses coeurs découpés dans du bois induisent une notion de profondeur de l’espace pictural, renforcée par la lumière des flammes qui viennent les caresser.

Le caractère joyeux et énergique de ces œuvres souligne l’importance des plaisirs simples et de l’amour, tandis que l’humour omniprésent nous rappelle à quel point Gilli aimait la vie. Malgré les difficultés auxquelles il dû faire face toute sa vie, il ne cessa jamais de créer avec une certaine magie, des sujets assemblés et les paysages décalés qui caractérisent son oeuvre, dans une quête impérissable d’un idéal du bonheur.

Tobey-Biberstein
Ecritures contemplatives

Vernissage jeudi 1er février - 18h-21h
Galerie Jeanne Bucher Jaeger
Espace Saint-Germain
53 rue de Seine, 75006 Paris
www.jeannebucherjaeger.com 

Pionnier dans l'exploration du signe en peinture, l'artiste américain Mark Tobey (1890-1976) recherche, par le biais de l'abstraction pure,  une calligraphie originale, espace sacré dessinant la voie d'un langage universel entre les êtres. Liée à sa Foi Baha'ï, vision unifiant les religions, les hommes et les aspects du monde à laquelle il adhère dès 1918, l'écriture blanche de Mark Tobey, vibrante, métaphysique, dialogue avec celle, détachée et contemplative, de l'artiste suisse Michael Biberstein (1948-2013), agnostique revendiqué passionné d'astrophysique, dont les paysages éthérés, en couches translucides, sont de véritables respirations chromiques et résonances de silence. Réminiscente des peintures paysagistes orientales des grandes dynasties chinoises du passé, l'œuvre de Michael Biberstein rend visible une cosmologie empreinte d'infini qui ouvre désormais le Ciel de l'Eglise Santa Isabel à Lisbonne, au Portugal.
 

Une exposition itinérante majeure Mark Tobey : Threading Light, à laquelle la galerie contribue, est consacrée à l'artiste en 2017 à la Fondation Peggy Guggenheim de Venise, puis actuellement à l'Addison Gallery of American Art (Andover, Etats-Unis).

Mark Tobey World,1960 (détail)
Tempera sur papier 99 x 50 cm

Michael Biberstein Dark Glider, 2004
Acrylique sur toile 270 x 250 cm

The four-armed deity stands erect in samapada on a circular lotus base supported by a multi-tiered square plinth. His principal right hand is in the fear dispelling abhayamudra. The preserver is adorned in a tall jeweled crown, several necklaces and foliate armbands. His broad shoulders are accentuated by a tapered waist and soft bulging belly, His elongated torso supported by muscular legs covered in a finely incised patterned veshti, which is elegantly knotted on both sides and secured by a wide girdle with a kirrtimukha at the center. Meant to be viewed in the round, the back of the sculpture is no less masterful than the front. His muscular back and pronounced buttocks project three-dimensional power. His tear-drop shaped face is accentuated by arching eyebrows, almond-shaped eyes, a straight aquiline nose, and gently smiling lips. The sensuous modeling coupled with the confident and assured treatment of form suggests a mature or late- Chola date for the sculpture.

Kapoor Galleries Inc. |
34 East 67th Street,
New York, NY, 10065
info(at)kapoorgalleries.com
http://www.kapoorgalleries.com/index.php 

VishnuSouth India
c.1300, late- Chola Period
Bronze 23 ¼ in. (59.4 cm.)
Provenance: Sothebys, New York, September 20th, 2005, Lot no.69

Anne Slacik Passages
Du 25 janvier au 24 février 2018

Galerie Hervé Courtaigne
53, rue de Seine, 75006 Paris - France
+33 (0)1 56 24 23 00
www.hervecourtaigne.com 

La grande Abstraction n’a pas dit son dernier mot. Depuis 35 ans, l’œuvre d’Anne Slacik en témoigne. La 3e École de Paris existe, de tels ténors en attestent, qui s’inscrivent particulièrement, au sein d’un courant international, épanoui des États-Unis de James Turrell à l’Allemagne de Gerhard Richter. Entre les deux, atmosphérique et expérimental, le monde d’Anne Slacik se renouvelle sans cesse, librement nourri d’expériences : l’ambiance naturelle, la littérature poétique et la musique contemporaine.

Collaborant depuis de nombreuses années avec la Galerie Hervé Courtaigne, l’artiste y présente aujourd’hui de nouveaux grands formats, et peintures sur papier. Intuitivement gestuels et audacieusement orchestrés, ces états d’âme sublimés révèlent une perception aigüe d’inaltérables passages, ceux du temps, de la lumière, et de la grâce.

Françoise Monnin

Repères : Née en 1959 à Narbonne, Anne Slacik vit et travaille à Saint-Denis près de Paris, et dans le Gard. Prix de peinture de la Fondation Fénéon en 1991, depuis 1981 de nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées, au Centre d’Art de Gennevilliers, au Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines, à la Bibliothèque du Carré d’Art de Nîmes, au Musée PAB d’Alès, à la Bibliothèque Municipale de Strasbourg, au Musée de Gap, au Musée Stéphane Mallarmé à Vulaines-sur-Seine, au Musée de Melun, etc.

Anne Slacik Petit Poeme Abstrait
PPA1 175x175 cm 2017

Richard Taittinger Et Yoyo Maeght
ont le plaisir de présenter la première exposition Jacques Monory à New York

Richard Taittinger Gallery
Exposition Jacques Monory du 12 janvier au 23 février 2018
+1 (212) 634-7154
info(at)richardtaittinger.com
154 Ludlow St, New York, NY 10002, USA

https://richardtaittinger.com/

Pari réussi !
L’exposition remporte déjà un immense succès
et s’annonce comme l’uns des évènements majeurs de la rentrée newyorkaise.

Pour la première exposition Monory aux USA, d’immenses toiles ont envahi les murs de la Richard Taittinger Gallery qui a choisi de présenter une sélection rétrospective de peintures de cet artiste français cofondateur de la Figuration Narrative.

To celebrate Jacques Monory, who is newly represented by Richard Taittinger Gallery, the Gallery is thrilled to present the French artist’s first solo exhibition in the United States.

The show presents a selection of Monory’s paintings from the last four decades.
Throughout his prolific career, he has been celebrated as a pioneer of the 1960’s French movement, Narrative Figuration.
His work, along with the movement, was developed out of an opposition to the informal painting that typified the era.
Not to be mistaken for Pop Art, Monory has said; “What has developed in France has moved away from American Pop Art, we have expressed a critical narrative of society while the Americans have almost always, in my opinion, embraced their system.”

ORIENT EXPRESS
de Paris à Istanbul
Exposition du 7 décembre 2017 au 13 janvier 2018
Galerie Hervé Courtaigne
53, rue de Seine, 75006 Paris - France
+33 (0)1 56 24 23 00
www.hervecourtaigne.com
Erdal ALANTAR - Albert BITRAN - Lola CARR - Abidin DINO - Natalia DUMITRESCO - Simon HANTAI - Robert HELMAN - Jacques HEROLD - Alexandre ISTRATISigismond KOLOS-VARY - Orhon MUBIN - Henri NOUVEAU - André ROZSDA - Selim TURAN - Victor VASARELY

De tout temps l'occident fut fasciné par les lignes rejoignant l'Europe à Istanbul, "la Sublime Porte". 
Car de tout temps cet itinéraire Paris-Istanbul fut celui de tous les échanges et de toutes les confrontations : tour à tour chemin de développement du christianisme, extrémité de la route de la soie, voie des invasions et en sens inverse, chemin des croisades ; ré-invasion par Soliman et finalement, premier segment de l'itinéraire de Chateaubriand vers Jérusalem, puis du voyage pédagogique du "Grand Tour" obligatoire pour la jeunesse aristocratique européenne. 
Démarré en 1883, le service de ce train de luxe exploite cette fascination de la corne d'or et survole les aléas de l'histoire, le service ne s'interrompant qu'en temps de guerre. Ainsi le reprend-il en 1945, pour redevenir quotidien en 1947.  Les tracasseries du rideau de fer et le développement de l'avion auront raison de lui en 1977. 
Evidemment, les artistes, eux, ne voyagèrent pas au milieu des meubles de Prou et des panneaux de verre de Lalique.
Non, s'ils vinrent de ces régions, pour constituer la deuxième Ecole de Paris, c'est portés par un tout autre élan que celui du luxe et des plaisirs : 

La Galerie HEGOA est une galerie de Photographie et d’Art Contemporain qui défend des artistes vivants, reconnus ou prometteurs.

Leur point commun : la poésie, la sensualité, l’audace.  Qu’ils s’expriment à travers la nature, l’architecture, la culture ou le corps, les artistes portent un regard émerveillé sur le monde et défendent la liberté, la beauté ou la fragilité de la planète. La galerie HEGOA suit aussi le travail personnel d’auteur de plusieurs photo-reporters renommés.

Les expositions sont monographiques ou collectives et thématiques et durent de 4 à 6 semaines. La galerie participe aux foires de photographie et d’art contemporain et organise des événements hors les murs.

Au delà des expositions, la galerie suit en permanence ses artistes et leur création et peut répondre à tout moment aux demandes des collectionneurs et des amateurs. Les artistes réservent en priorité à la galerie les premiers tirages de leurs nouvelles séries et certains sont représentés en toute exclusivité à Paris.Ils dédicacent volontiers les photographies sur demande.

Les photographies entrent dans la catégorie œuvres d’art. Elles sont numérotées, signées et limitées à 30 exemplaires maximum et délivrées avec un certificat d’authenticité.

Elles sont tirées dans des laboratoires spécialisés dans le tirage d’art, sous le contrôle des artistes ou réalisées par eux-mêmes.

Les œuvres des plasticiens sont uniques ou en édition limitée.

Bodhisattvas are enlightened beings who have put off entering paradise in order to help others attain enlightenment. There are many different Bodhisattvas, but the most famous in China is Avalokitesvara, known in Chinese as Guanyin. Early depictions of Bodhisattva Avalokitesvara displayed male characteristics, but this tradition subsequently became less rigid. By the end of the Yuan Dynasty (AD 1367/8), most Guanyin sculptures depicted the beings as young women, often bearing a vase of holy water to cleanse the souls of those they were bound to protect. According to legend, Guanyin was born on the nineteenth of the second lunar month, achieved enlightenment on the nineteenth of the sixth lunar month and achieved nirvana on the nineteenth of the ninth lunar month. It is said that s/he is the top Bodhisattva beside Shakyamuni Buddha, and an assistant Bodhisattva beside Amitabha Buddha in the Western World of Ultimate Bliss. It is believed that any sentient being who recites his/her name during a disaster would be heard and saved, which can explain why his/her importance to Chinese Buddhism. "Guanyin" literally means "observing the sounds", which refers to the belief that the Guanyin would observe all the sounds in the world, particularly listening for requests from worshippers.

The current example is female, and stands 39" tall on an incorporated base. The pose is somewhat langurous, with the weight shifted onto the right leg while the left is slightly bent. The left hand hangs by the side, holding some implement or piece of drapery. The right hand is raised, and appears to be an object of contemplation by Guanyin. The head is carved in a mood of reflective serenity, and is inclined slightly to the right. The sculpture is topped with a tall, ornate crown of generally floral aspect, with plume-like eminences arranged in vertically-oriented bunches. The underlying hair has been gathered up underneath the crown, leaving a halo of hair around its perimeter. A loose tunic-like garment (dhoti) envelops the lower half of the body, and further drapery (scarves) is casually wrapped over the shoulders. The complexity of the drapery and the care with which it has been carved is stunning - the individual folds and creases are all cleanly and deftly rendered, and contrast with the smooth texture of the skin. The figure additionally wears two bracelets on the left wrist, as well as a necklace and pendant arrangement in the chest area. This is a superb and important sculpture that would grace any collection of Eastern art.

For more information on this example click the image above.  To browse additional
selections CLICK HERE Barakat Gallery

Ming Dynasty Lacquered Wood Sculpture of Guanyin

The Barakat Gallery, 421 North Rodeo Drive,
Beverly Hills, CA 90210

PLANCHE(S) CONTACT # 8 :
Du 21 octobre au 26 novembre 2017
PETER LINDBERGH : UNE EXPOSITION MONUMENTALE SUR LA PLAGE DE DEAUVILLE

C’est en 1980 que Peter Lindbergh réalise son premier reportage de mode à Deauville pour Vogue Italie. Il n’a cessé depuis de revenir chaque année, séduit par l’espace de la plage et ses lumières changeantes.

Vingt-deux photographies présentées dans une installation monumentale témoigneront lors du Festival Planche(s) Contact de cette rencontre forte entre un
lieu et un artiste. Première exposition de plein-air de Peter Lindbergh, l’installation Le Deauville de Peter Lindbergh sera implantée sur les lieux mêmes où ces
photographies ont été réalisées.


Le Deauville de Peter Lindbergh, 1980 – 2015

Peter Lindbergh est l’un des photographes contemporains les plus marquants de notre époque. Visionnaire, il bouscule les codes de la photographie de mode post-moderne en intronisant dans ses compositions une nouvelle image de la femme, moderne et affranchie des codes de beauté anciens, où peu d’importance est portée au vêtement. Peter Lindbergh réalise des images intemporelles, entre approche humaniste et idéalisation de la femme. Convaincu que l’intérêt d’un sujet réside ailleurs que dans son âge, il bouscule les normes de la photographie de mode à une époque où l’on a l’habitude d’exagérément retoucher les images. Il explique que « la responsabilité des photographes, aujourd’hui, doit être de libérer les femmes et, en somme, tout le monde, de la hantise de la jeunesse et de la perfection ».

Depuis la fin des années 1970, Lindbergh travaille pour de prestigieuses marques et magazines, notamment les éditions américaines, italiennes et allemandes du Vogue, l’édition américaine du Harper’s Bazaar ainsi que les magazines, Rolling Stone, Vanity Fair, Wall Street Journal Magazine, Visionaire, Interview et W.

Forthcoming Exhibition`
A SELECTION OF WORKS BY MODERN MASTERS
26 OCT - 16 DEC 2017

Tuesday 26 October 2017, 6-9 .pm
BENJAMIN SEBBAN GALLERY
2 rue Saint Georges
1050, Brussels
+32 498 425 997
+33 787 400 500  Tue-Sat, 11-6
www.benjaminsebban.com 

FEATURED ARTIST
Marc Chagall, Jean Dubuffet, Fernand Leger, Francis Picabia, Sonia Delaunay,Victor Brauner, Sam Francis, Chu Teh-Chun...

Benjamin Sebban Gallery is an art gallery established right in the heart of Brussels whose team takes pride in building consistent bridges between knowledgeable collectors and some of the most relevant names in Modern and Post War Art,  with special emphasis on the abstract school .

Our independent position enables us, as art dealers, to thoroughly guide and assist clients in acquisitions at auctions and art fairs, both from international art galleries and private collections.

Whether in painting, illustration or sculpture, our vast network of private sources allows us to suggest works of art to both private collectors and institutions; it goes without saying that this is a personalised service, tailored to cater to the specific desire of anyone who we work with, to further meet their needs meticulously as it is our ultimate mission to offer both independent and razor-sharp advice with rigorous integrity and connoisseurship.

Jean Dubuffet " Situation" 1979, 35 x25.5 cm

Happy to announce our new location at Pacific Design Center, Unit B-222,
in the heart of West Hollywood, CA together with Laurent & Martin gallery.
Gallery open to public Monday to Friday 11-6PM, Saturday by appointments only.
https://www.jmartmanagement.com/ 

I come from an international background and business experience combined with an artistic temperament.

I was born in snowy Siberia, Russia but relocated to Cairo, Egypt at age of nine where I was raised.  My mother, who is my Idol, is the owner of one of the most prestigious ballet academies in Russia, I was trained to dance, act and music from a young age and given an international education (Thanks to my Mother), eventually graduating from the Russian Diplomatic School.

After graduation, I earned a Bachelor’s degree in Business

Administration and Management from Novosibirsk State University.

I began my professional career with Sherry Haute Couture an Egyptian- American fashion firm based in Guangzhou, China.  While with Sherry I was intimately involved with the organization and management of numerous fashion shows and events such as Hong Kong Fashion week, Canton Fair, Cairo Fashion Week, CPM Moscow and much more. Then I moved back to Cairo as a marketing executive for the ITC group, one of Egypt’s biggest hospitality corporations. 

Les galeries Hervé Courtaigne, Nicolas Deman et Olivier Nouvellet ont le plaisir de vous présenter l'exposition

DESTARAC Le langages des couleurs 2007 - 2017

Du 5 au 28 octobre 2017
« Chez Michèle Destarac, l’histoire est un palimpseste sur lequel on gratte et l’on grave sa propre mémoire. La sienne se fixe, dans un premier temps, avec le geste, puis ensuite avec l’offrande faite à la couleur, toujours généreuse, et joyeusement excessive, pourvoyeuse d’un rayonnement sans fin. Rien que pour cette abondance, elle serait proche de cette petite phrase que lançait avec une vague pointe de jalousie Picasso à propos des nombreuses oeuvres de Matisse – Ma parole, il a un soleil dans le ventre ! – Sauf que son soleil à elle est zébré, chahuté et bousculé par les courants et les vents contraires.
Ses toiles sont constituées d’explosions permanentes, de tensions et d’intensités maîtrisées mais aussi de forces célestes où le soleil l’emporte sur la pénombre. Le spectacle d’oppositions violentes entre diverses tonalités n’est pas sans rappeler avec une bonne distanciation une certaine dynamique du chaos enfantant une étoile. »
Harry Kampianne
Extrait de Destarac : Le Language des couleurs

Dans le cadre de l'exposition 'Au-delà des frontières...'
AnuschB & Eric Guéna
 
Mardi 17 Octobre 2017 18h > 21h
BEGRAMOFF Gallery
206 rue Stevin
B 1000 Brussels
begramoff(at)begramoff.com
206 rue stevin - Bruxelles B-1000
www.begramoff.com 
La galerie BEGRAMOFF a le plaisir de présenter des bijoux AnuschB dans le cadre de l'exposition 'Au-delà des frontières' regroupant des sculptures en verre d'AnuschB et des peintures figuratives et abstraites d'Eric Guéna (11 septembre > 10 novembre 2017 - accessible du lundi au vendredi de 10h à 14h30 et sur RDV - Mob +32 (0) 470 55 71 10).

AnuschB, née le 5 Oct 1971, est une artiste belge qui vit entre  Bruxelles et Murano. Elle a  retrouvé à Venise la lagune de son enfance Africaine : comme une évidence, le cercle de la vie...
Elle nous explique ' La perle m'a amenée au travail du verre dans ses différentes techniques à chaud et à froid. Le verre, medium aux possibilités d'expressions infinies, il offre la transparence et l'opacité, la plasticité et la dureté, la douceur et la rugosité ... Je travaille principalement la pièce unique que ce soit dans le bijou, les sculptures, peintures ou objets usuels. Mon travail s'articule souvent autour de la répétition de formes simples. Il trouve son énergie et son unicité dans mon histoire personnelle'.

AnuschB, born in 1971, is a Belgian artist who lives between Brussels and Murano. She found in Venice the lagoon of her childhood in Africa: the circle of Life …
She explains:
‘My passion for beads led me, over 10 years ago, into working with glass and exploring its many different techniques: hot and cold. Glass is a versatile medium that holds infinite possibilities. It offers transparency and opacity, plasticity and hardness, softness and roughness… It allows beauty and emotions to pass through it … it calls for touching and feeling …
My work mainly focuses on the creation of unique objects, whether it’s a piece of jewellery, a sculpture, a painting or a functional piece.
I find myself drawn to repetition of simple elements in my work. The uniqueness in it, the energy and emotions I wish to transmit derive from my personal experiences’.
Works 'Slices of life'

Les galeries Zlotowski 20 Rue de Seine, 75006 Paris et Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence s’associent durant l’été-automne 2017 pour présenter simultanément deux expositions autour de François Morellet et de l’abstraction géométrique : du 26 août au 28 octobre à la septembre au 31 octobre à la galerie Zlotowski. Le commissariat de cette double exposition est confié à Serge Lemoine, professeur émérite à l’Université de la Sorbonne (Paris). Elle fait l’objet d’un catalogue réalisé conjointement par les deux galeries pour lequel Serge Lemoine écrira un texte introductif.

Mettant en jeu l’exploration des possibilités de la géométrie dans l’art, ces deuxpropositions se déploient selon l’axe de travail de chacune des galeries  : l’art moderne et les avant-gardes du vingtième siècle pour la galerie Zlotowski et l’art contemporain pour la galerie Catherine Issert. Ainsi se crée un aller retour entre passé et présent, qui met en résonance plus d’un siècle de création
artistique, plaçant en son centre cet artiste majeur que fut François Morellet. Artiste autodidacte qui imagine en 1952 une syntaxe « systématique » qu’il construit en s’appuyant sur un certain nombre de règles plus ou moins logiques, mathématiques et contingentes. Il y convoque un vocabulaire géométrique et abstrait lui permettant de construire des compositions basées sur les principes de juxtaposition, de superposition, de hasard, d’interférence et de fragmentation. Créant ainsi un « désordre discret et absurde », il rejoue
l’histoire de l’art et en particulier celle de la modernité.

François Morellet
Farandole blanche n°4 - 2016
Acrylique sur toile sur bois et 4 angles droits de néon blanc
142 x 182 cm (panneau 100 x 100 cm)

François MORELLET
Cécile BART, Felice VARINI, Michel VERJUX
Sophie TAEUBER-ARP, Léon TUTUNDJIAN
26 08 17 > 28 10 17 (prolongation > 18 11 17)

Galerie Catherine Issert
2 ROUTE DES SERRES  
06570 SAINT-PAUL  
T 33(0)4 93 32 96 92  
F 33 (0)4 93 32 78 13  
info(at)galerie-issert.com  
www.galerie-issert.com 

Le jeudi 28 septembre à la Galerie ZLOTOWSKI 20, rue de Seine 75006 PARIS

Les galeries Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence et Zlotowski, Paris s’associent durant l’été - automne 2017 pour présenter simultanément deux expositions autour de François Morellet et de l’abstraction géométrique : du 26 août au 18 novembre à la galerie Catherine Issert et du 29 septembre au 31 octobre à la galerie Zlotowski. Le commissariat de cette double exposition est confié à Serge Lemoine, professeur émérite à l’Université de La Sorbonne, Paris. Elle fera l’objet d’un catalogue réalisé conjointement par les deux galeries pour lequel Serge Lemoine écrira un texte introductif.

The Galerie Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence, and Galerie Zlotowski, Paris, are teaming up for summer-autumn 2017 to present simultaneously two exhibitions focusing on François Morellet and geometric abstraction: from August 26th to November 18th at the Galerie Catherine Issert, and from September 29th to October 31st at the Galerie Zlotowski.
Curatorship of this double exhibition has been entrusted to Serge Lemoine, Professor Emeritus of La Sorbonne University, Paris. It will be the subject of a catalogue jointly produced by the two galleries, for which Serge Lemoine will write an introductory text.

Mettant en jeu l’exploration des possibilités de la géométrie dans l’art, ces deux propositions se définissent selon l’axe de travail de chacune des galeries : l’artcontemporain pour la galerie Catherine Issert, l’art moderne et les avant-gardes du vingtième siècle pour la galerie Zlotowski. Ainsi se crée un aller-retourentre passé et présent, qui met en résonance plus d’un siècle de création artistique, plaçant en son centre cet artiste majeur que fut François Morellet.

Pursuing the exploration of possibilities for geometry in art, two proposals have been defined reflecting the type of work presented by each gallery: contemporary art for the Galerie Catherine Issert, modern art and 20th-century avant-garde artists for the Galerie Zlotowski. A round-trip is thus created between past and present, echoing over a century of artistic creation, and placing the major artist that was François Morellet at its centre.

MAEGHT, IMPRIMEUR ET ÉDITEUR D’ART

Exposition du 7 septembre au 7 octobre 2017

Pour cette rentrée 2017, la Galerie Maeght met à l’honneur les métiers de l’imprimerie. Le parcours de l’exposition s’articule autour de rares ouvrages de bibliophilie : les éditions luxe de l’incontournable collection Derrière Le Miroir, la collection Duos et des livres de bibliophilie historiques ou contemporains tels que Braque-Reverdy, La liberté des mers / Calder-Prévert, Fêtes / Chagall-Malraux, Et sur la terre / Miró-Prévert, Adonides / Del Re-Alechine, Poème Maltais / Safirstein-Blake, Ah! Sunflower…

En 1964, Adrien Maeght crée l’imprimerie ARTE à Paris où se retrouvent depuis artistes, poètes et artisans d’art autour d’une même passion : l’imprimerie sous toutes ses formes, de la plus classique à la plus innovante. Aujourd’hui, Maeght éditeur est reconnu dans le monde entier pour la liberté de création, la variété et la haute qualité des procédés d’impression : eau-forte, linogravure, lithographie…

Avec plus de 12 000 titres édités, Maeght est un des plus importants éditeurs d’art et s’attache à la tradition notamment en développant des collaborations entre artistes, designers et poètes contemporains tels qu’Ivan Alechine, Marco Del Re, Patrick Depin, Olivier Gagnère, Vénus Khoury-Ghata, Ra’anan Levy, Pierre Roy-camille ou Julie Safirstein.

L’exposition « Maeght, imprimeur et éditeur d’art » est accompagnée de la diffusion du film Miró Lithographe.

MIRÓ-PRÉVERT
ADONIDES
40,5 x 33,5 cm, 68 pages, 1975.
Éditeur : Maeght éditeur, Paris.
Imprimeur : ARTE Adrien Maeght, Paris.
43 gravures en couleurs à l’eau-forte et aquatinte et 2 eaux-
fortes hors-texte en double page.
200 exemplaires sur Arches numérotés de 1/200 à 200/200.
Tous les exemplaires sont signés par Joan Miró et Aimé
Maeght, fac-similé de la signature de Jacques Prévert
(décédé avant l'achèvement du tirage). © Maeght Editeur Paris

A. Galerie
4, rue Léonce Reynaud
75116 Paris
T: 06 20 85 85 85
www.a-galerie.fr
présente
DAVID YARROW
"Wild Encounters"

Exposition du 25 septembre au 4 novembre 2017
BIOGRAPHIE

David Yarrow, 51 ans, est né en Ecosse et vit à Londres. Il a commencé sa carrière photographique en couvrant les plus grands évènements sportifs de la planète. A l'âge de 20 ans il fut ainsi nommé "Jeune photographe écossais de l'année".
Diplômé de l'université d'Edimburg, il a durant de nombreuses années poursuivi une brillante carrière dans la finance à Londres et à New York puis en 1995 a fondé son fond d'investissements, Clareville Capital.
Pendant cette période la passion de Yarrow et son interêt pour la photographie sont restés constants et sa prise de consciences des véritables enjeux environnementaux et géopolitiques de la planète ont motivé sa décision de photographier le monde naturel.
Ses photos d'Afrique ont été exposées dans le monde entier et ses deux très beaux ouvrages de photographies "Nowhere" (2007) et "Encounter" (2013) ont rencontré un immense succès.

Abstractions vers 1950
du 21 septembre au 17 octobre 2017
Galerie Arnoux

27 rue Guénégaud - 75006 Paris

T. + 33 (0) 1 46 33 04 66 - F. + 33 (0) 1 46 33 25 40

galeriearnoux(at)noos.fr – www.galeriearnoux.fr

mardi – samedi : 11-13h / 14-19h

Popovy Sisters
Surreal Art & Passion

september 01- 2017

These women are dripping in talent, and overflowing with creativity. They are totally driven by a passion that burns deep inside both of their hearts and souls. The Popovy Sisters, and their intricate, stunning, one of a kind, Ball Joint Dolls. Twin Sisters, Ekaterina and Elena Popovy, also known as Katya and Lena, are professional artists and fashion designers from Perm Russia. They both graduated from Ural State Academy of Architecture and Arts in Yekaterinburg Russia.  They decided to start making dolls in 2004.  It was around this time that a lot of doll collectors started asking themselves, “What if one day these creations could become posable”? In 2012 it finally happened, the sisters introduced the first pictures of their “SISTERS” articulated doll line to the Russian audience.  With these dolls they participated in exhibitions in Japan and Germany. The dolls became an instant hit, and sold out immediately! Now there’s a waiting list for those collectors who dream of owning one of these unbelievable creations.

Showroom add: 3409 W Temple Street
Los Angeles, 90026 CA
Gallery visits by appointment only!
https://www.jmartmanagement.com/
julia_mji(at)me.com  
Surreal Art & Passion

L'artiste surréaliste portugais Santiago Ribeiro expose à Paris parmi les grands artistes français et japonais. Il a été invité par l'artiste français Hugues Gillet.

Du 2 au 23 septembre, la galerie JPHT à Paris présentera des œuvres de 14 artistes du Japon, de la France et... du Portugal.

Santiago Ribeiro agit à nouveau en tant que pionnier étant le seul Portugais à être invité à ce groupe de grands artistes français et japonais. Les plus grandes expositions en France et au Japon seront présentes au programme de ce groupe.

Liste des artistes: Bruno Baratier, Yo Coquelin, Francis Coffinet, Michel Dubré, Hugues Gillet, Marc Halingre, Yoshifumi Hayashi ???, Miyako Ito ?? ? ? ?, Jean-Pierre Monnot, Thierry Van Quickenborne, Santiago Ribeiro, Rik-Art, Roku Sasaki ? ? ? ? ?, Hiroya Yasukoshi ? ?? ? ?.

Ouvert du mercredi au dimanche, de 13h00 à 20h00.

Entrée gratuite
Galerie JPHT 4,rue Saintonge-75003 Paris-
Tél :06 08 25 45 97 Ouvert du mercredi au dimanche de13h à 20h   https://www.galeriejpht.com/
E-mail : contact(at)galeriejpht.com

« Utrillo, solitude urbaine »
39 oeuvres originales exposées à la
GALERIE ALEXIS PENTCHEFF
131-133 rue Paradis
13006 MARSEILLE
www.galeriepentcheff.fr
Email : a.pentcheff(at)gmail.com
Email: contact(at)galeriepentcheff.fr
T : + 33 (0)6 82 72 95 79

La Galerie Alexis Pentcheff présentera la première rétrospective de l'oeuvre de Maurice Utrillo à Marseille, du 22 septembre au 04 novembre 2017. 

Aiguillon actif de la vie culturelle marseillaise depuis 2009, elle proposera de découvrir à cette occasion une rare sélection de trente-neuf oeuvres de cette figure majeure de la peinture du début du XXème siècle.

Ces oeuvres, toutes présentées à la vente et issues de collections privées contribuent à jeter un regard réactualisé sur l'odyssée singulière de celui que l'on considère comme le chantre du paysage montmartrois.

WILLIAM KLEIN
ABC
EXHIBITION: SEPTEMBER 7th - OCTOBER 13th
GALERIE DE LA BÉRAUDIÈRE
6 rue Jacques Jordaens – Jakob Jordaensstraat 6, B-1000 Brussels
Open from Monday to Friday, from 10 AM till 6 PM

galerie(at)delaberaudiere.com
www.delaberaudiere.com

Un an à peine après l’ouverture de son incroyable espace bruxellois, la Galerie de la Béraudière est heureuse d’annoncer une première exposition dédiée à la photographie et consacrée à une figure vivante de ce médium : le New-Yorkais William Klein.

Considéré comme l’un des photographes les plus importants de sa génération, William Klein a imposé son style à contre-courant des références de l’époque : révolutionnaire pour le choix de ses sujets, ses cadrages atypiques, ses flous volontaires,... l’artiste a considérablement fait évoluer le genre photographique. Il décrit son œuvre comme étant « un cours intensif de ce qu’il ne fallait pas faire dans la photographie » (a crash course in what was not to be done in photography).

Début des années 50, il commence un travail de documentation sur sa ville natale et prend des photos de la vie bouillonnante des rues de New-York.

De 55 à 65, Klein revisite la photo de mode et y apporte une influence décisive en photographiant les mannequins hors des studios aseptisés, sans le regard des directeurs artistiques des maisons de couture et en les confrontant aux paysages et à la vie urbaine. Des icônes telles que Audrey Hepburn, Sophia Loren, Serge Gainsbourg ou encore Anouk Aimée ont été immortalisées par l’artiste. Plusieurs générations de top-modèles sont également passées devant son objectif, des beautés anonyme des années 50 à Veruschka ou Kate Moss... images gravées dans la mémoire collective.

William KLEIN, Anouk Aimee, Paris, 1961 (vertical)
Gelatin silver print, Edition of 30*, 150 x 125 cm
Signed, titled, dated and numbered on artwork label
©William Klein, Courtesy Gallery FIFTY ONE,
Antwerp & Galerie de la Be´raudie`re, Brussels

UPPER CONCEPT STORE Présente dans sa Galerie les oeuvres d’Olivier Megaton
du 16 juin au 16 juillet 2017 - Vernissage Vendredi 16 juin à partir de 19h

Réparti sur trois étages au cœur de l'Île Saint-Louis, Upper Concept Store est pensé pour les amoureux du beau et de l'utile, pour les amateurs d'art.

C'est Jacqueline Huang qui a eu l'idée de ce concept store atypique qui renvoie à l'idée d'une ascension sans fin. Ambitieuse et passionnée par l'art, cette designer, architecte d'intérieur et créatrice française d'origine chinoise, est tombée sous le charme de ce lieu au cœur de l'Île Saint-Louis.

Elle a ouvert les portes d'Upper Concept Store en septembre 2016. Elle s'occupe de l'architecture du lieu, de la boutique, des évènements et enfin la direction de la galerie. Ce lieu est devenu le repère incontournable des artistes, stylistes, designers ou encore cinéastes.

Connu internationalement du grand public pour avoir réalisé Le Transporteur 3, Colombiana ou encore les deux derniers Taken, Olivier Megaton n’est pas seulement réalisateur mais aussi peintre. Entre pochoirs, bombes ou encore peintures; il exprime son art sous différentes formes.
Pour sa première exposition au sein de Upper, Olivier Mégaton a choisi de présenter des oeuvres originales  créées spécialement pour cet évènement.
Nous vous convions donc à découvrir ces oeuvres durant notre vernissage qui se tiendra le Vendredi 16 juin à partir de 19h.

U P P E R  C O N C E P T  S T O R E
19 Rue des 2 ponts 75004 Paris
M. +33 783 24 54 84 - T. +33 142 49 29 96
www.upperconcept.com

Les Mystères de la chambre noire: Photographic Surrealism 1920-1950

June 5 — July 28, 2017
UBU GALLERY    
416  EAST  59  STREET  
NEW  YORK  NY  10022   
T:  212.753.4444   
F:  212.753.4470
INFO(at)UBUGALLERY.COM   
http://www.ubugallery.com/  
GALLERY HOURS: M—F  11  AM  TO  6  PM

Ubu Gallery is pleased to announce an exhibition of photographic images by thirty-three avant-garde artists who experimented with surrealist methods. Utilizing techniques including photomontage, multiple exposures, combined negatives, brülage, photograms and the disarming juxtaposition of disparate images, the artists created unsettling realities. The artists embraced photography as a new medium in the 20th century in part because of the credibility of photography; the idea that the camera does not lie, lent itself to challenging our assumptions about reality.

Denise Bellon, Mannequin par André Masson Exposition Internationale du Surréalisme, Paris, January 17-February 24, 1938, Vintage gelatin silver print, 9 3/4 x 9 3/8 inches (24.8 x 23.8 cm), Stamped on verso

PHOTO BASEL
coinciding with Art Basel
Booth # 23, Flatland Gallery
14 – 18 June, 2017
Volkshaus, Basel - Switzerland
Flatland Gallery presents Hendrik Kerstens & Ruud van Empel

Focus Hendrik Kerstens

Flatland Gallery is proud to present two very rare works of Hendrik Kerstens
at the third edition of PHOTO BASEL coinciding with the 48th edition of Art Basel, 2017.

In the work of Dutch photographer Hendrik Kerstens (1956) everything breathes Dutchness. It is in the hemisphere of the radically realist paintings of Dutch masters that Kerstens explores the photograph as a surface, a platform to study contemporary ordinary objects in historical portrait tradition. In this, his daughter Paula is a continuous element in his photographs, wearing down-to-earth styles of headwear made of or consisting of simple materials or objects as aluminium foil, bubble wrap, wet towel, plastic bag, or paper roll. Kerstens appreciates how those common, sometimes, disposable objects can take a rich character, switching their ordinary and pure functional purpose to a permanent, frisky, vivid and sustainable impression. Taken out of their original context those, now, versatile objects become multifunctional and more valuable.
 
In the works exhibited at PHOTO BASEL - the new Blue Turban (2017) and the very rare Cosy (2012) and Napkin (2009) -  the ambition to illustrate the dialogue between history and contemporary life, rich and sober, functional and valuable, come together. Kerstens accomplishes to renew and contemporize history while boosting the position and function of day-to-day objects.

Cosy, 2012, 62,5 x 50 cm, raw/color negative 4/5 inch - ultrachrome, edition of 5 + 2 AP, available AP 1 © Hendrik Kerstens

Gérard SCHLOSSER
27/04/2017 - 27/05/2017
Galerie Laurent Strouk
galerie(at)laurentstrouk.com
www.laurentstrouk.com
2 avenue Matignon F-75008 Paris
Tel : (+33) 1 40 46 89 06 Fax : (+33) 1 40 46 89 04

De sa formation initiale d’orfèvre à l’Ecole des Arts Appliqués, le peintre français Gérard Schlosser (1931) a conservé une attention particulière au détail, une manière qui lui est propre d’assembler avec une infinie minutie des fragments d’images jusqu’à composer de petite scène avec ou sans personnages qui sont comme la trace d’une histoire qui se jouerait hors-cadre.

Les codes techniques du peintre sont toujours identiques et toujours recommencés. Une trame narrative supposée est plus ou moins suggérée par les titres incisifs, fragmentaires, au sens parfois équivoque : « Elle est belle », « Tu sais où il est », « C’est pas lui », « Fais pas le con », « C’est pas si mal », « Sur le mur »… Ils renforcent un flottement recherché qui suggère une histoire incertaine qui peut se prolonger hors du cadre. Ces petites voix qui se font entendre rappellent à chacun un moment de vie fugace, banal qui reste inscrit dans des souvenirs d’instants authentiquement vécus. Ces citations de vie, ces passages du temps ensevelis dans la mémoire revivent dans l’actualité de la peinture.

Avec sa dernière série de 27 tableaux présentée à la galerie Laurent Strouk du 28 avril au 27 mai 2017, Gérard Schlosser semble s’exposer dans un multiple jeu de miroirs quand il propose des personnages de dos qui s’inscrivent dans des fragments de toiles de Fernand Léger. Devant les œuvres du créateur du Modernisme, ces figures s’interrogent, nous interrogent et proposent une mise en abîme de la peinture.

Gérard Schlosser Une illusion 2016
Acrylique s/toile sablée 150 x 150 cm
Courtesy Galerie Laurent Strouk